LLOPDELBLUES

Singels 1971 número 39

2012-02-12T09:10:00.008+01:00

John Kongos - He's Gonna Step On You Again

John Kongos es un músico sudafricano poco conocido y olvidado que tal vez merecia ser mas reconocido, su discografia es poca y solo publicó dos discos que tuvieron cierta repercusión en UK y USA y algunos de sus temas se recogen se en recopilaciones famosas como la conocida “Rhino's Nuggets II”. La histria de John Kongos comenzo en 1963 en Johannesburg donde fundo una banda con el nombre de Johnny Kongos y The G-Icn, tres años más tarde, en 1966, deja Sudáfrica para ir a Londres para continuar su carrera musical.
"He's Gonna Step On You Again" (también conocido como "Step On") fue su mayor éxito, el tema aparece en el Libro Guinness de los récords como el primero en utilizar un sample, aunque, de acuerdo con las notas incluidas en la reedición en CD del álbum Kongos, se trata de una cinta con un loop de percusión africana (el uso de cintas con loops e instrumentos mediante samples pregrabados, tales como el melotron y el Optigan ya se encontraban bien establecidos por entonces).
El sencillo ingresó en el Chart de Sencillos del Reino Unido el 22 de mayo de 1971, donde permaneció durante catorce semanas y logró alcanzar el puesto número 4. Fue editado por el sello Fly Records. (El siguiente sencillo editado el mismo año, "Tokoloshe Man", también obtuvo el puesto número 4

Canción

Letra

Hey rainmaker come away from that man
you know he's gonna
take away our promised land.

Hey good lady
He just want what you got
You know he'll never stop
Until he's taken the lot.
Gonna stamp out your fire
He can change your desire
don't you know that he can make
you forget you`re a man

Gonna stamp out your fire
he can change your desire
don't you know that he can make
you forget you`re a man
you're a man. He's a man.

Hey rainmaker he got golden plans
I tell you he make you
a stranger in your land.

Hey good lady
he got God on his side
he got a double tongue
you never think that he lie.

Gonna stamp out your fire
he can change your desire
don't you know that he can make
you forget you`re a man

Gonna stamp out your fire
he can change your desire
don't you know that he can make
you forget you`re a man
You're a man, you're a man
He's a man

He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.

Hey rainmaker come away
from that man you know
He's gonna take away our promised land.

Hey good lady
he got God on his side
he got a double tongue
you never think that he lie.

Gonna stamp out your fire
he can change your desire
don't you know that he can make
you forget you`re a man

Gonna stamp out your fire
he can change your desire
don't you know that he can make
you forget you`re a man
You're a man, you're a man
He's a man

He got God on his side
he got a double tongue
You never think that he lie.

He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.
He's gonna step on you again.

Video

Foghat su album debut

2012-02-08T18:06:00.006+01:00

Aunque los integrantes de Foghat venían de unos inicios que se manchaban por el blues britanico de raíces, el cuarteto no tarda en romper los moldes a golpe de boogie rock. Así, en un temprano 1972, se ponen bajo la atenta mirada y las manos del productor Dave Edmunds. Genio de los controles que en su día dio gloria a la carrera de Elvis Presley, ahora esparcía su sabiduría sobre unos tipos que querían comerse el mundo con cada uno de sus guitarrazos.
Este grupo de origen inglés, pero establecido en Estados Unidos, se formó en 1970, partiendo de una de las ramificaciones del grupo de blues y rock Savoy Brown. Incluye a tres de sus miembros, Lonesome Dave Peverett (guitarra y voz), Roger Earl (batería) y Tony Stevens (bajo), y al trío se sumó el guitarrista Rod Price. Foghat, lejos de ceñirse a lo instaurado por la conocida como “British Blues Invasion”, americanizó su sonido y consiguió crear una compacta propuesta que enseguida dio sus frutos desde un punto de vista comercial. Después de conseguir un contrato con el sello Bearsville, y bajo la producción de Dave Edmundo, entra en el estudio para grabar su álbum debut homónimo. Publicado en Mayo de 1972, le aporta una destacada reputación en la escena hard rock y boggie rock. Esto, unido a sus incendiarios directos, favoreció su asentamiento triunfal en Estados Unidos.
El sello Bearsville el grupo publicó con producción de Dave Edmunds y Tom Dawes (ex miembro de The Cyrkle) “Foghat” (1972), disco homónimo en el cual, la banda rinde homenaje a su pasado blues con una excelente versión del tema de Willie Dixon I Just Want To Make Love To You, y otra de Chuck Berry, Maybellene. Comenzó así su costumbre de incluir versiones en todos sus álbumes o, por lo menos, en los de sus primeros años.

1. I Just Want to Make Love to You
2. Trouble, Trouble
3. Leavin' Again (Again!)
4. Fool's Hall of Fame
5. Sara Lee
6. Highway (Killing Me)
7. Maybellene
8. A Hole to Hide In
9. Gotta Get to Know You

Lonesome Dave - Vocals, Guitar
Roger Earl - Drums and Percussion
Rod Price - Guitar & Slide
Tony Stevens - Bass & Harmony Vocals

Video de Foghat grabado en Hollywood, Florida, el 9 de octubre de 1981 donde podemos ver una versión de 10 minutos de duración del tema que abre su primer album "Just Want to Make Love to You", !!! impresionante .... !!!

El legenadrio Show "The Midnight Special"

2012-02-05T09:11:00.006+01:00

Burt Sugarman llevó adelante un show musical que se volvió legendario: "The Midnight Special"

“The Midnight Special” era programa musical que rompió con los esquemas a mitad de los 70’s y comienzos de los 80’s, gracias a un formato único con presentación en vivo de músicos de la época y que no hacia distinción en los géneros musicales. Su creador Burt Sugarman, marcó tendencias con esta serie de televisión que emitió la cadena NBC semanalmente su primera emision fue el 2 de febrero de 1973 y su último episodio el 1 de mayo de 1981 , ya que en esa época se empezo con la mala costumbre de que todas las apariciones de grupos musicales o interpretes eran realizadas con música pregrabada y los artistas solo doblaban y hacían la mímica de estar tocando.

Los presentadores del programa eran invitados, a excepción de un período comprendido entre julio 1975 y marzo de 1976, cuando la cantante Helen Reddy fue la anfitriona regular. El legendario DJ Wolfman Jack, ya fallecido. fue el locutor y presentador invitado frecuente. La canción del programa es un tema llamado " Midnight Special ", que fue realizado por Johnny Rivers .

Este programa se puede considerar como uno de las mejorers espectaculos emitidos por TV todo y que la NBC rechazó inicialmente la idea. El rechazo llevó Sugarman comprar tiempo de emisión para su propio debut, convencer a Chevrolet para convertirse en el primer patrocinador del programa. Debutó con nota alta lo que dio lugar a que la NBC cambiara de idea y comprara el programa.

El piloto de la serie salió al aire el 19 de agosto de 1972. Se presentó como un especial de 90 minutos animando a las personas jóvenes a votar en las proximas elecciones a la presidencia de los EEUU. Varios meses después, el 2 de febrero de 1973, se estrenó como una serie semanal en horario de maxima audiencia.

Estos son algunos de los artistas y grupos que han pasasdo por este programa, AC/DC, Aerosmith, America, Lynn Anderson, Joan Baez, The Bee Gees, The Beach Boys, Blondie, David Bowie, Bread, Brooklyn Dreams, James Brown, Carmen, The Cars, The Chambers Brothers, Ray Charles, Cheap Trick, Bill Cosby, Jim Croce, Billy Crystal, John Denver, Bo Diddley, The Doobie Brothers, Gunhill Road, Electric Light Orchestra, "Mama" Cass Elliott, Fleetwood Mac, Peter Frampton, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Genesis, Andy Gibb, Gladys Knight & The Pips, Golden Earring, Al Green, The Guess Who, Hall & Oates, Heart, Janis Ian, The Jacksons, Rick James, Billy Joel, Elton John, Journey, Andy Kaufman, KC and the Sunshine Band, B.B. King, King Crimson, Kiss, Kraftwerk, Kris Kristofferson, Jerry Lee Lewis, Gordon Lightfoot, Manfred Mann's Earth Band, Barry Manilow, Steve Martin, Eddie Money, Van Morrison, Randy Newman, The New York Dolls, Dolly Parton, Richard Pryor, Procol Harum, Linda Ronstadt, Diana Ross, Todd Rundgren, Merrilee Rush, Sly & The Family Stone, The Spinners, Starland Vocal Band, Steely Dan, REO Speedwagon, Rod Stewart, Donna Summer, T.Rex, The Three Degrees, Tom Petty and the Heartbreakers, Tina Turner, Village People, War, Weather Report, Barry White, Wolfman Jack, and Gary Wright.

Seguro que el "Playback" influyo en la desaparición o tuvo mucho que ver en que se dejaran de emitir buenos programas de musica en directo, os dejo una pequeña muestra con algunos de los videos donde podemos ver alguno de los artistas que han pasado por este programa, os recomiendo la actuación de la genial Tina Turner.

James Brown

Ike & Tina Turner - Sexy Ida/Baby-Get It On/Bayou Song

America - Sister Golden Hair

Blondie - Heart of Glass

Steve Miller - The Joker

The Doors Live - Hollywood Bowl 1968

2012-01-29T07:18:00.024+01:00

The Doors Live en el Hollywood Bowl es una experiencia aleccionadora sobre la historia de esta banda , el grupo, estaba en su apogeo musical cuando fue filmado en vivo en el Hollywood Bowl, afortunadamente para la posteridad, ese 05 de julio 1968 fue capturado por cuatro cámaras y grabadas en audio de 16 pistas, dando como resultado un sonido estéreo general excelente que es mucho mejor que la mayoría de tomas de archivo de esta banda en el verano de 1968.

En el escenario, Jim Morrison tiene el aura de un artista de performance intensa, cuya oscura voz de humo forma sólo una parte de su personalidad compleja. El guitarrista Robby Krieger, el teclista Ray Manzarek y el baterista John Densmore complementan una asociación libre con Morrison, hacen música como ninguna otra banda antes o desde entonces. Justo cuando están en peligro de convertirse en demasiado pretenciosas, Morrison con una sonrisa irónica, una broma a un lado, o incluso un eructo deja de lado cualquier acecho de importancia. ¿Es descabellado imaginar que en la mente de su público los fantasmas de la guerra de Vietnam y el movimiento de derechos civiles se ciernen sólo fuera de la vista? Estos pensamientos son los que hacen a The Doors tan únicos y tan tan infinitamente fascinantes más de cuatro décadas después
No os perdais la versión extendida de "Light My Fire", y de acompañar a la banda en este viaje sonoro de los mundos místicos y las experiencias psicodélicas.

También os dejo este enlace por si estáis interesados en ver el programa Musical Express, presentado por Ángel Casas y que se emitió en RTVE el 18 de noviembre de 1983, es un monográfico dedicado al grupo musical The Doors, os lo recomiendo.
Musical Express The Doors

Este fin de semana la música viene del mar

2012-01-27T17:26:00.007+01:00

El pop inglés era una máquina de fabricar himnos a mitad de los años sesenta. Paradójicamente la BBC sólo emitía entonces dos horas de música moderna a la semana. Pero los británicos se buscaban la vida como podían. Desde aguas internacionales, a bordo de barcos y todo tipo de estructuras marinas, un puñado de emisoras pirata emitían las nuevas canciones 24 horas al día para una audiencia entregada de 25 millones de oyentes.

En esa epoca había una cantidad fantástica de buenos grupos y nadie podía acceder a ellos, fue gracias a ellas que tuvimos la oportunidad de poder escucharlas con el transistor , nos envolvía una sensación de ilegalidad que daba mucho morbo, pero esta vez no sera necesario, vuelvo otra vez a publicar esta entrada coincidiendo com la musica que podremos oir en la emisora del Blog. ¡¡¡ Que suene esa música clandestina !!!... , Buen fin de semana amigos.

La realidad es que la historia de las emisoras flotantes inglesas comenzó allá a principios de los años 60 cuando Ronan O´Rahilly, un visionario irlandés que había sido manager de los Animals, se lió la manta a la cabeza y montó en un barco Radio Caroline. Por aquél entonces la BBC no prestaba atención a la fulgurante oleada de grupos como los Kinks, los Beatles los Stones ó los Small Faces y la juventud pedía a gritos pop en las ondas. Pronto surgieron emisoras en otros países de Europa Holanda, Dinámica, Bélgica y otros, los gobiernos de esos países intentaron por diversos medios la desaparción de estas emisoras. entre ellas las mas conocidas Radio Carolina en Inglaterra y Radio Veronica en Holanda, precisamente de esta os dejo un pequeño resumen, asi como un enlace donde podeis descargar varios de los programas de esta emisora, por cierto con todo el revuelo que hay en España con la Ley "Sinde" podría decirse que existe un cierto paralelismo en el sentido que la música ahora navega en la red y no en el mar y los gobiernos ahora serian las Sociedades de Autores, esperemos que la música y el Rock'n'Roll no deje nunca de sonar.

Radio Veronica

Radio de Verónica fue una emisora de radio en alta mar que comenzó en 1960, y tiene la distinción de haber transmitido desde alta mar durante el mayor período continuo - más de catorce años. Radio Caroline estuvo transmitiendo en alta mar durante un período más largo -más de veintiséis años y medio -, pero esto incluía períodos no consecutivos que suman un total de alrededor de ocho años y medio fuera del aire.

Las transmisiones de Radio Verónica comenzaron en abril 21,1960, y fue creada por la radio independiente, TV y minoristas electrodomésticos de los Países Bajos. Expresaron la esperanza de estimular las ventas de receptores de radio en el país difundiendo programas más populares que las estaciones establecidas y autorizadas por el Estado.

En poco tiempo, Radio Verónica se convertiría en la emisora de mayor éxito en los Países Bajos, imitando el ejemplo de la pionera en este campo, la radio danesa Mercur, que, dos años antes, había comenzado a transmitir desde el mar en la costa de Dinamarca.

Si bien en primera instancia no había medios y los ingresos por publicidad se hacían esperar, al público le agradaron desde un primer momento las transmisiones, y en menos de dos meses, Radio Verónica ya tenía más de 1 millón de oyentes. ¡Un rotundo éxito! y se convirtió en la estación más popular en los Países Bajos, la difusión de un faro antiguo Borkum Riff anclado en la costa holandesa. El barco estaba equipado con una antena horizontal entre la proa y popa mástiles, alimentado por un transmisor de un kilovatio. La mayoría de los programas fueron grabados en un estudio en Hilversum. A finales de la década de 1960 los estudios y las oficinas se trasladaron a un local más grande en la Utrechseweg en Hilversum, Holanda.

Por un corto tiempo la estación también publicó un servicio en idioma Inglés en la convocatoria de las letras CNBC (Comercial neutral Broadcasting Company.)
La estación se enfrentó a su primera competencia seria en 1964 cuando Radio Noordzee y Noordzee TV comenzaron a transmitir desde la Isla de REM, una estructura artificial. El gobierno holandés aprobó una ley que prohíbia las emisiones desde estas estructuras y atacó la isla de REM, pero dejó a Verónica sola debido a su popularidad.

En agosto de 1964 la estación adquirió un nuevo barco, un barco pesquero convertido llamado MV Norderney, y equipado con una antena más eficiente y un transmisor de 10 kilovatios, así como un ancla diseñada para mantenerse correctamente orientados. El Norderney se hizo cargo de las emisiones de Veronica en noviembre de ese año y el Borkum Riff fue vendido como chatarra.

Radio de Verónica se difundia en un formato de top 40 durante el día, pero en las noches y por la noche algunos programas especializados. Especialmente a raíz de su traslado a 538 metros de Verónica se hizo famoso por su soberbia ejecución, jingles y anuncios. resúmenes de noticias se difundían cada hora, a 2 minutos de la hora.

El gobierno holandés aprobó una ley anti-pirata en 1974 y anunció que la ley debía entrar en vigor el 1 de septiembre de 1974. Verónica optó por cerrar a las 6 pm el 31de agosto.

Aqui teneis este enlace para descargas de grabaciones, principalmente de los años sesenta y setenta y si teneis posibilidad de hacerlo no os perdais esta pelicula

"Radio Encubierta” narra las peripecias de una radio pirata inglesa a mediados de los años 60. Las radios piratas emitían en aquella época desde barcos y fuera de las aguas territoriales, de manera que burlaban el férreo y gris sistema musical de la BBC y el gobierno británico, convirtiendo la radio en una auténtica peripecia. “The Boat that Rocked” es una película sin pretensiones más allá del entretenimiento y que con una banda sonora impecable muestra de manera refrescante cómo se puede hacer realidad el sueño de vivir 24 horas inmerso en un mundo alejado de la ocre realidad sin más alimento que música por la vena. Las chicas adoran a los pinchadiscos y todo se reduce a vivir enganchado al vinilo….un perfecto mundo pop.

Tráiler de la pelicula

Bob Dylan - Highway 61 Revisited

2012-01-26T08:43:00.009+01:00

Ya ha pasado mas de 46 años desde que la canción ‘Like a Rolling Stone’, que abría el sexto álbum de Bob Dylan, alcanzase el puesto nº2 de EEUU en la lista de Billboard. Por detrás sólo de los Beatles, con su número 1 ‘Help!’. Fue el primero de los dos singles de Dylan que han llegado tan arriba en las listas de ventas. El otro segundo puesto lo consiguió un año más tarde con "Rainy Day Women". Pero ésta es otra historia. Hoy toca hablar del Dylan de 1965, el de ‘Highway 61 Revisited" us disco fundamental en la historia del Rock.

1965 fue el año en el que, en el que Dylan cumplia 24 años y en el que decidio dejar el folck, Bob Dylan enchufó su guitarra a la corriente eléctrica y dejó huérfana a toda una prole que veía en él al Mesías poeta que da-voz-a-nuestras-protestas utlizando el apoyo del rock en todas las pistas, excepto para el cierre de 11 minutos de canción acústica, "Desolation Row"

‘Highway 61 Revisited’ se publico en el mes de julio de 1965, el disco empieza como solo lo puede hacer un disco perfecto con una gran tema «Like a Rolling Stone» que se ha descrito como revolucionario en su combinación de diferentes elementos musicales, el sonido jovial y cínico de la voz de Dylan y la asertividad de la pregunta del estribillo: How does it feel? («¿Cómo se siente?»). «Like a Rolling Stone» transformó la carrera de Dylan y todavía se la considera una de las composiciones más influyentes en la música popular de la posguerra. Desde su lanzamiento fue un hito tanto en la música como en la cultura popular que elevó la figura de Dylan hasta volverla icónica. Artistas variados como The Jimi Hendrix Experience, The Rolling Stones, The Wailers y Green Day realizaron versiones de la canción.

Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan comentó al respecto: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía".

Highway 61 Revisited alcanzó el puesto número 3 en las listas de Billboard y el número 4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto úmero 2 en las listas americanas y el 4 en las británicas. Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto número 4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Esta es una buena ocasión para poder disfrutar de esta magnifica obra.

1."Like a Rolling Stone" – 6:13
2."Tombstone Blues" – 5:58
3."It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" – 4:09
4."From a Buick 6" – 3:19
5."Ballad of a Thin Man" – 5:58
6."Queen Jane Approximately" – 5:31
7."Highway 61 Revisited" – 3:30
8."Just Like Tom Thumb's Blues" – 5:31
9."Desolation Row" – 11:21

Bob Dylan: voz, guitarra, armónica y piano
Mike Bloomfield: guitarra
Harvey Brooks: bajo
Bobby Gregg: batería
Paul Griffin: órgano y piano
Al Kooper: órgano y piano
Sam Lay: batería
Charlie McCoy: guitarra
Frank Owens: piano
Russ Savakus: bajo

Capitan Troner y un buen tema de Blues

2012-01-22T20:20:00.027+01:00

El otro dia recibi un correo de un gran aficionado al Blues llamado Capitan Troner, en el me adjuntaba un fichero MP3 con un tema de Blues llamado "To Walk", bueno la verdad es que me ha parecido bastante bueno, también me pedia que le diera difusión y asi lo hago encantado, espero que os guste y como yo lo deis a conocer, como dice al final de su correo larga vida al Blues !!.

Capitan Troner.

Jimi Hendrix - Winter Festival For Peace

2012-01-20T08:52:00.009+01:00

En 1969 se disolvió "The Jimi Hendrix Experience" y montó un nuevo grupo llamado "Band Of Gypsys" con Buddy Miles en la batería y Billy Cox en el bajo eléctrico, con los cuales se presento en el memorable Live at the Fillmore East.
Hendrix y sus amigos Billy Cox y Buddy Miles lo convencieron de formar un trío para grabar el dichoso album y fué así como nació Band Of Gypsys. Después de muchas horas de ensayos en los Baggy’s Studios de Manhattan, el trío preparó un sólido repertorio de nuevos temas. Las razones por las que este material no fue grabado estudio sino en vivo en el legendario Fillmore East de Nueva York nunca han sido del todo aclaradas, pero lo cierto es que estos recitales constituyeron todo un acto liberatorio para el guitarrista quien buscaba desesperadamente una nueva dirección musical que le permitiera desprenderse de los clichés escénicos que desarrolló junto a la Experience. El propio Jimi expresó su enorme satisfacción al día siguiente al declarar a la prensa que "lo que hicimos ayer noche lo deseaba desde hacía tiempo, creamos nuevas canciones que son fantásticas y pasamos a dominarlas de inmediato tanto mental como técnicamente, en verdad nos divertimos muchísimo”. La influencia de Cox y Miles se reveló determinante, primero porque permitieron a Hendrix confrontarse nuevamente con sus raíces de Rhythm & Blues dándole al nuevo sonido un sabor decididamente Funky, y segundo porque al contar con otro cantante (Miles en este caso) Jimi se sentía más libre para dedicarse a la guitarra. Las enormes presiones a las que Hendrix estaba sometido y su voluble caracter hizo que esta formación se disolviera en menos de 2 meses. No obstante este album quedó para la posteridad como uno de los más grandes albumes en vivo del Rock y como una obra tremendamente influyente cuyos ecos llegarían directamente hasta las bandas de Rock fusion de finales de los 80 como Red Hot Chilli Peppers, Faith No More o Living Colour.

Jimi Hendrix
Winter Festival For Peace
Madison Square Garden New York
January 28th, 1970

Jimi Hendrix - Guitar, Vocals
Billy Cox - Bass
Buddy Miles - Drums, Vocals

1. Intro
2. Who Knows
3. Earth Blues

El 28 de enero de 1970, The Band of Gypsys actuaron en el Madison Square Garden para el Festival de Invierno para la Paz. Fue organizado por el movimiento contra la guerra del Vietnam, se dice que en esta actuación Jimi se mostró demasiado drogado para tocar, incluso Johnny Winter comento : "Cuando le vi me dio los escalofríos. Fue la cosa más horrible que he visto. Llegó con su séquito de gente y era como que ya estaba muerto. Él acaba de entrar y aunque Jimi y yo no eramos muy intimos siempre habíamos hablado pero esta vez él entró con la cabeza agachada , se sentó en el sofá solo y puso su cabeza entre sus manos, no dijo una palabra a nadie y nadie hablaba de él y solo se movió hasta que era el momento de su actuación".

Luego realiza unas versiones terribles de sus temas "Who Knows" y "Earth Blues", incluso llego a tropezar con el micrófono y dijo algún comentario obsceno y finalmente se sentó en el escenario cerca de los tambores y se negó a continuar, Jimi desenchufado su guitarra, volvió a su camerino, y se inclinó con calambres en el estómago. Mas tarde Jimi cogió su guitarra otra vez trato de iniciar una nueva canción, pero es aún peor. Entonces él lanza su guitarra al suelo, su cuerpo esta temblando por el llanto. Aparte de unos pocos necios que le están abucheando, la gran mayoria está en silencio.

La creencia popular es que Mike Jeffrey dio a Jimi ácido en mal estado como una "solución final" para desprestigiar a la banda delante de su público, .. ¿Quién sabe? lo cierto es que no fue la mejor noche para Jimi, os animo a opinar si conoceis mas sobre este concierto y en cuanto a la interpretación de los dos temas a mi no me han perecido tan terribles, una historia interesante para compartir con vosotros.

Quadrophenia el album de The Wood y la cultura Mod

2012-01-11T20:40:00.004+01:00

Me ha parecido interesante volver a poner este post para dar a conocer este movimiento que surgio en Inglaterra a mediados de los años 60, y que arraigo rapidamente entre la juventud, comienza la era de las scooter, la parka y las corbatas y, desde luego las camisas Ben Sherman y los polos Fred Perry y los botines. No todo fue un camino de rosas. Los mods vivieron episodios violentos y llegado un momento comenzaron a desintegrarse porque fueron evolucionando y en algunos casos el movimiento derivó en otros como los skinheads o la contraposición: de la mano de la psicodelia muchos se acercaron al hippie.

El movimiento mod surgió en el Reino Unido en 1958 promovido por jovenes inmigrantes eslavos de entre 15 y 23 años con relaciones familiares con el negocio de la sastrería y el trafico de drogas. Estos mods primigenios eran de clase media y mostraban interés por las nuevas modas que llegaban del continente, tales como los trajes entallados italianos, y estilos musicales negros estadounidenses, como el modern jazz y el rhythm and blues. Está muy extendida la creencia de que tanto mods como sus rivales los rockers surgieron a partir de los Teddy boys, una subcultura que floreció en Inglaterra en los 1950s. Los Teddy boys estaban influidos por el rock n' roll estadounidense, vestían en estilo eduardiano y lucían peinados pompadour o quiff.

Originalmente el término mod describía a los seguidores del "modern jazz", como contraposición a trad, empleado para calificar a los seguidores del jazz tradicional. Finalmente la definición se extendió más allá del ámbito musical, para incluir otros elementos de la moda y estilo de vida, como la indumentaria europea continental o el gusto por las scooters. Los mods también estaban interesados por el pop art, el cine de la nouvelle vague francesa y la filosofía existencialista. La novela Absolute Beginners escrita por Colin MacInnes en 1959 ha sido citada frecuentemente como un retrato de la cultura juvenil londinense de finales de los 50, que fue la semilla de la escena mod en la década siguiente.

Los mods frecuentaban clubes - v.gr. 'Twisted Wheel Club'-, donde podían escuchar su música, lucir su indumentaria y mostrar nuevos pasos de baile ante otros mods, mientras que por el día desarrollaban trabajos como empleados de oficina o dependientes. Para poder mantener ese ritmo de vida frenético, recurrían frecuentemente al consumo de anfetaminas. En el relato "Underground de Mediodía" incluido en el libro de Tom Wolfe publicado en 1968 La banda de la casa de la bomba y otras crónicas de la era pop.

Según fue desarrollándose este estilo de vida y fue extendiéndose a los adolescentes británicos de todos los estratos sociales, los mods expandieron sus gustos musicales más allá del jazz y el R&B, adoptando el Soul - particularmente los sellos Tamla Motown, Atlantic y Stax -, ska jamaicano y Bluebeat. Además surgieron diversos estilos de Beat y R&B británicos como los Small Faces, The Who, The Animals, The Yardbirds, The Kinks y Spencer Davis Group. Otras bandas menos conocidas asociadas con la escena mod fueron The Action, The Zombies, Zoot Money, The Creation y John's Children. Además, programas televisivos con actuaciones de los grupos de moda, cobraron gran popularidad, como Ready Steady Go!, cuya presentadora, Cathy McGowan, llegó a ser conocida como la "Reina de los Mods" -sobrenombre otorgado en ocasiones a la cantante soul británica Dusty Springfield y a la modelo Twiggy-, siendo un hecho insólito para la época el que una presentadora de televisión tuviera acento obrero.

Su vehículo habitual era la scooter, típicamente Lambretta o Vespa. La principal razón del uso de la scooter radicaba en que el transporte público dejaba de operar relativamente temprano y las scooters eran más baratas que los coches. Después de que se instituyera una ley exigiendo, al menos, un espejo retrovisor en cada moto, los mods añadieron cantidades ingentes de ellos a sus vehículos - siendo habitual incluso llevar más de 10 - como una forma de burla hacia la nueva ley. Estos adornos fueron típicos durante los años 1963 y 1964, aunque se retornó a una estética más sencilla y minimalista posteriormente. Un ejemplo se puede ver en la portada del disco de Quadrophenia, de The Who, en la que aparece el personaje principal de la ópera rock, Jimmy, mirando sus cuatro espejos retrovisores.

Los jóvenes seguidores de otra subcultura juvenil conocida como rockers - asociada con motos y cuero - en ocasiones tuvieron enfrentamientos violentos con los mods, que degeneraron en batallas campales en ciudades costeras vacacionales, como Brighton, Margate y Hastings en 1964. A consecuencia de estos acontecimientos hubo cierto debate social sobre la 'juventud moderna' en Gran Bretaña durante los primeros 1960s. Estos conflictos inspiraron la novela de Anthony Burgess La Naranja Mecánica, en la que su antihéroe es una especie de Mod futurista, y la película de Quadrophenia, inspirada en el LP homónimo de The Who.

Los mods fueron el producto de una cultura de cambio continuo, y tal vez fue inevitable que la escena se devorara a sí misma. Al tiempo que Bobby Moore sostenía la Copa del Mundo en el verano de 1966, la escena mod estaba en plena decadencia. Según florecieron la música psicodélica y la cultura hippie mucha gente se fue adaptando a la nueva escena en detrimento del movimiento mod. La cultura hippie defendía una actitud pasiva en la vida, completamente opuesta a la energía frenética de los mods. Bandas como The Who y The Faces evolucionaron en esta dirección en sus estilos musicales y dejaron de mostrarse como mods.

La otra cara de la moneda, tanto en filosofía como en estética, los hard-mods (también conocidos como gang mods) radicalizaron lo mod hacia algo más simplista y proletario, con menos énfasis en las nuevas modas, para devenir finalmente en los primeros skinheads.

Con la llegada de la década de 1970 la escena se trasladó al norte de Inglaterra y adoptó el movimiento Northern Soul, una subcultura basada en los oscuros temas de soul estadounidense que se pinchaban en los clubes de esa parte del país. También una buena parte terminó alineada con los scooter boys, íntimamente ligados al Northern Soul
Fuente
El Movimiento Mod; Cultura, música e influencia. Parte Primera

El movimiento Mod; Cultura, música e influencia. Parte Segunda

Quadrophenia es una película británica de 1979 basada la ópera rock de 1973 Quadrophenia por The Who. El reparto está formado por Phil Daniels interpretando el papel protagonista de un mod llamado Jimmy. Aparecen también Toyah Willcox, Mark Wingett, Leslie Ash, Ray Winstone, Timothy Spall, Phil Davis, Michael Elphick, Kate Williams, Sting, Gary Shail y John Altman. Fue la ópera prima del director Franc Roddam.

En 2004 la revista Total Film catalogó la película como el trigesimoquinto mejor film británico de todos los tiempos.

Corre el año 1964 en Londres, y Jimmy pertenece a una banda de mods, jóvenes impecables que se mueven en sus scooters italianas Vespa o Lambretta. Sus disputas con los rockers -que visten de cuero y llevan grandes motocicletas-, son continuas. Harto de sus padres y de un trabajo sin futuro en una empresa de publicidad, Jimmy solo encuentra una vía de escape a sus problemas junto a sus amigos de la banda: Dave, Chalky y Spider. A esto hay que sumar a que uno de los supuestos rivales rockers es su viejo amigo de la infancia, Kevin (Ray Winstone). Un puente de tres días proporciona la excusa para ambos bandos para librar una violenta batalla en la ciudad costera de Brighton.

Pero cuando Jimmy es arrestado durante los disturbios de Brighton, su vida empieza una pendiente cuesta abajo. Es multado, expulsado de su casa por su madre tras encontrar ésta una bolsa de "azules" (anfetaminas). Se despide del trabajo, despilfarra su cuantiosa provisión de "azules", descubre que su amor, Steph, ya no está interesada en él y que ahora está con su mejor amigo, Dave, lo que conduce a una pelea, destroza su Lambretta en un accidente, y descubre que su ídolo, "As de Oros", en realidad no es más que el botones de un hotel. Roba la Vespa de éste y se lanza contra el precipicio, donde encontrará un destino incierto.

La película es un reflejo de la Gran Bretaña protopunki prethatcheriana, describiendo el narcisimo alimentado con anfetaminas de la juventud británica durante la década de 1960. Otro motivo predominante de la películas son las batallas campales entre mods y rockers que, en la vida real, se sucedieron en diversas localidades costeras a lo largo del verano de 1964.

Al final de la cinta, Jimmy podría haberse lanzado junto a la scooter por el precipicio. Aunque no se pude ver a Jimmy, se ve la moto estrellándoe contra las rocas. Esto ha originado el debate de si Jimmy se lanzó junto a la moto al vacío o por el contrario lo que hizo fue lanzar solo la scooter.

El debate es completamente artificial, ya que una figura (Jimmy) se ve claramente en lo alto de los riscos en un corte (completamente deliberado) según cae la scooter por el aire. La primera escena de la película es, además, Jimmy volviendo del acantilado desde el que arrojó la scooter, por lo que todo el film es un flashback de Jimmy después de lanzar la moto. El protagonista lanza simbólicamente por ese precipicio todo el mundo mod, (y la Vespa de "As de Oros" en el proceso), por el progresivo desencanto con los amigos, forma de vida y «política» de la cultura juvenil.

En los comentarios del director del DVD, Franc Roddam dice que el final puede ser percibido como ambiguo, y que muchos espectadores no prestan atención a algunos hechos evidentes y tienen sus propias creencias sobre el destino final de Jimmy.

La edición VHS incluye fotos del rodaje, entre ellas un buen número de Jimmy saltando de la scooter cuando ésta se aproxima al borde del acantilado. La foto final le muestra de pie en el borde mirando al mar.

La película tuvo una acogida negativa por la crítica, debido a su carga de sexo, violencia y abuso de las drogas, que en aquel tiempo era algo no demasiado común. Obtuvo una gran reputación a través del boca a boca entre los adolescentes demasiado pequeños para poder ver la película en las salas. Hoy es considerada un clásico de culto y está reconocida como un retrato realista de la juventud británica de la década de 1960. Muchos han alabado la interpretación de Phil Daniels.

Fue una influencia decisiva en el revival mod en cuanto a música y moda, y fue una lanzadera para las carreras de bandas como Secret Affair, The Chords y The Lambrettas, mientras que dio un nuevo impulso a The Jam, previamente considerada como una banda punk. La aparición de Sting también fue beneficiosa para su banda The Police, aunque su música no tenía nada que ver con los gustos mod

Ficha de la Pelicula:

Título: Quadrophenia
Año: 1979
Director: Franc Roddam
Guión: Dave Humphries, Franc Roddam, Martin Stellman
Intérpretes: Phil Daniels, Leslie Ash, Philip Davis, Mark Wingett, Sting, Ray Winstone
Duración: 120 minutos

Ver la pelicula

The Who - Quadrophenia (Full Album)

Iron Butterfly - Directo en Suecia 1971

2012-01-07T10:41:00.014+01:00

Genial directo de la banda Iron Butterfly con su tema de 1968 "In-A-Gadda-Da-Vida" , todo un clásico con su penetrante riff psdicodélico que es realmente uno de los mejores de la historia del rock, sus largos solos de órgano y guitarra, son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, que puede considerarse como uno de los primeros solos en una grabación de rock, y probablemente uno de los más famosos en este género, el tema esta incluido dentro del álbum del mismo título y tiene una duración de diecisiete minutos y ocupa enteramente la segunda cara de éste. La letra es simple, y se escucha sólo al principio y al final.
La canción es importante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer y Steppenwolf, marcó el punto en el cual la música psicodélica produjo el heavy metal. En los siguientes años setenta artistas de heavy metal y rock progresivo como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido, y más incluso de sus actuaciones en directo, a esta grabación.
"In-A-Gadda-Da-Vida" se convirtió en un enorme éxito que se pasó alrededor de un año en el Top Ten y se vendieron mas de 8 millones de copias en una ño. Los miembros cuando In-A-Gadda-Da-Vida fue grabada eran Doug Ingle (teclados y voz), Lee Dorman (bajo), Ron Bushy (batería) y Erick Brann (guitarra). Por cierto este directo fue grabado en su ultima gira por Europa en 1971 poco antes de que la banda se separase. Butterfly Blue, el segundo tema de este directo es también de larga duración y su calidad nos obliga a no dejar pasar la ocasión de disfrutar de estas dos obras maestras, buen fin de semana.

Recorded live at
Konserthuset,Goteborg,Sweden
January 24,1971

Doug Ingle - Keyboards & lead vocals
Larry(Rhino)Reinhart - Guitar
Mike Pinera - Guitar
Lee Dorman - Bass
Ron Bushy - Drums

Pink Floyd y el Blues

2012-01-04T11:18:00.010+01:00

Pink Floyd es quizás una de las bandas más conocidas de movimientos como la psicodelia, el rock sinfónico o el rock progresivo. Sin embargo, el origen de su nombre no lo es tanto. Fue Syd Barret, primer vocalista del grupo y drogadicto consumado, a quién se le ocurrió llamarlo The Pink Floyd Band que fue evolucionando, con el tiempo, hasta el definitivo Pink Floyd. Sin embargo, ni las drogas ni la psicodelia tuvieron nada que ver en el nacimiento del nombre ya que, éste, simplemente provenía de la combinación de los nombres de dos viejos músicos de blues americano, Pink Anderson y Floyd Council.

El primero (1900 - 1974) era un cantante y guitarrista que aprendió el oficio de los viejos músicos rurales de la tradicional Carolina del Sur. A partir de 1916, se unió a Simmie Dooley, un viejo cantante ciego, con el que actuó en los pueblos de los alrededores. Durante los años 50´ formó un trío con el que tuvo algún éxito hasta que, en el año 1957, se retiró a causa de un ataque al corazón. En la grabación, se puede apreciar a un viejo Pink Anderson tocando un blues con su guitarra, todo un documento:

Floyd Council (1911 - 1976) nació en Carolina del norte y pronto se convirtió, al igual que Pink, en un trovador callejero de música tradicional. Así, en los años 30´, se une a Blind Boy Fuller, otro cantante ciego, con el que grabaría varios discos como guitarrista. En el siguiente vídeo se puede escuchar a Floyd tocando con la banda de Fuller. Al igual que Pink, Floyd murió de un ataque al corazón a mediados de la década de los 70´.

Esta es la historia de Pink, de Floyd y de parte de la música tradicional de la América profunda y su relación con la banda.
Fuente

Entre 1970-1972 Pink Floyd solia incluir en sus directos algunos temas de Blues y es que su musica no solo era Psicodelia , también realizaron buenos temas de Blues como "Blues Pink", canción de blues instrumental que se grabo por primera vez para la película Zabriskie Point en diciembre de 1969. Esta versión fue lanzada como bonus track en la reedición de la banda sonora de 1997 con el título "Love Scene 6." y tambien aparace en algunas de sus grabaciones piratas, otro tema es "Seamus" quinta canción de su álbum Meddle de 1971 donde Pink Floyd usa una progresión de acordes bluesera. Años después, la canción apareció en la versión fílmica de la obra teatral de Tom Stoppard titulada Rosencrantz & Guildenstern Are Dead. El nombre de la canción proviene del nombre del perro (perteneciente al líder de Humble Pie y de Small Faces, Steve Marriott) quién aulló en la versión del álbum y finalmente os dejo con una magistral pieza improvisada que interpretaron en el festival de Montreux en 1970. Aprovecho la ocasión para dejaros este interesante enlace donde podemos ver todos los Bootlegs de la banda desde 1967 al 2005

Timothy Truman y Hot Tuna su banda preferida

2012-01-02T09:01:00.020+01:00

Estas ilustraciones son una pequeña muestra de la obra de Timothy Truman famoso ilustrador de comics pero tambien una gran fanático de la música, en 1991 comenzó una larga asociación con los Grateful Dead, creando muchas portadas de CD, ilustraciones de sus giras, ediciones limitadas de camisetas para ellos y fue el principal contribuyente de casi todas las ediciones de el Almanaque de Grateful Dead y también ha trabajado con uno de sus guitarristas favoritos, Carlos Santana , cuya biografía escribió e ilustró para Rock-Comics. Os recomiendo una visita a estos enlaces Almanac y Dead. Para complementar estas bellas imagenes tenéis un concierto de los Hot Tuna, una de las bandas preferidas de este artista. Feliz 2012.

Timothy Truman

Hot Tuna Concierto en directo en el Chateau Liberte de Santa Cruz, California. March 3, 1971.

01 Come Back Baby
02 Never Happen No More
03 Candy Man
04 New Song (For The Morning)
05 Keep Your Lamps Trimmed and Burning
06 Feel So Good (cut)

Jack Casady (bass)
Jorma Kaukonen (guitar, vocals)
Papa John Creach (violin)
Sammy Piazza (drums)

Hot Tuna comenzó como una aventura musical de los miembros de Jefferson Airplane Jack Casady y Jorma Kaukonen a comienzos de los 70. Ambos eran amigos de infancia en Washington D.C… Tras el Instituto los padres de Jorma, trabajadores al servicio del Gobierno tuvieron que trasladarse a Filipinas pero él regresó a San Francisco cuando afloraba la psicodelia y fundó Jefferson Airplane en 1965. Al poco se añadiría al grupo el bajista Jack Casady que ayudaría al masivo éxtio del grupo.

Originalmente quisieron llamar a su grupo «Hot Shit» (Mierda Caliente) pero los ejecutivs de RCA les convencieron para buscar un nombre menos ofensivo. El grupo empezó a tomar forma en 1969, cuando Casady y Kaukonen eran todavía miembros de Airplane; de hecho sus primeras actuaciones fueron encajadas entre las de Jefferson airplane. El grupo fue completado con el instrumentista de armónica Will Scarlet y alguna intervención ocasional de otros miembros de Airplane como Marty Balin y Spencer Dryden. Debutaron en 1970 con un disco de blues tradicional y ragtime grabado en vivo en el New Orleans House de Berkeley. En los años siguientes llegarían los más rockeros First Pull Up, Then Pull Down, junto al violinista Papa John Creach y el baterista Sammy Piazza. El tercer álbum, Burgers vendría después sin Scarlet en 1972. David Crosby les hizo coros en el tema Highway Song de dicho álbum.

Con la aparición en 1974 de The Phosphorescent Rat dejaron de lado el sonido acústico y Papa John Creach abandonó el grupo por continuar con Airplane; Casady Y Kaukonen dieron por finiquitado Jefferson Airplane y el sonido de Hot Tuna se hizo más eléctrico derivando hacia una banda de heavy rock. Esto sería notorio en los siguientes álbumes America’s Choice(1975), Yellow Fever(1975) y Hoppkov(1976) con la adición del baterista Bob Steeler. Esta época de trío es referida en la historia de la banda como los años alborotados. Aclamada la banda por su capacidad para improvisar durante horas y horas (hasta 6 en alguna ocasión) en jam sessions.

La edición de un doble en directo titulado Double Douse en 1977 y la recopilación Final Vinyl en 1978 marcó el fin de grupo. Casady y Kaukonen inciaron sus experiencias en solitario en la nuevas bandas SVT y Vital Parts. Para entonces Kaukonen ya había sacado un disco en solitario titulado Jorma.

En 1984 ambos retornaron a sus raíces: Casady se unió a su compañero Marty Balin y Paul Kantner en la K.B.C. Band y Kaukonen volvió al blues acústico de sus años iniciales. A partir de 1986 hicieron alguna sesión de reunificación de los Tuna tocando juntos en varias ocasiones, reforzándose en 1990 con el multinstrumentista y cantante Michael Falzarano. Publicaron una recopilación de material de estudio inédito de la última década así como un directo titulado Live at Sweetheart en 1992.

En 1997 publicarían Splashdown Two y en 1999 And Furthurmore. En los años venideros Hot Tuna continuó tocando varios shows en directo con diversas configuraciones. Un recopilatorio de los años en RCA vería la luz en el 2006: Keep on Truckin’. En ese mismo año también aparecerían en el festival de Merlefest, el mayor festival acústico de EE.UU.

Singels 1971 número 38

2011-12-24T17:50:00.010+01:00

Harry Nilsson - Without You

Harry Nilsson Edward III nacio el 15 de junio de 1941, en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos, fue un músico y cantante estadounidense ganador de dos premios Grammy. Sus canciones más conocidas fueron: "Without You", "One" y "Everybody's Talkin'". De joven recibió la influencia del rhythm and blues de artistas como: Ray Charles y los Everly Brothers.
En 1971 obtuvo su mayor éxito con "Without You", canción original del grupo Badfinger, en la cual la voz va haciendo unas escalas musicales simples pero de gran intensidad dramática consiguieron impresionar a toda una generación. Otros de sus grandes éxitos fue "Everybody's talking", canción prinicipal de la banda sonora de la película Midnight Cowboy
En 1974 conoció a John Lennon y coincidiendo con una separación temporal con Yōko Ono, se hicieron amigos y compañeros de juergas. Fruto de esto fue una canción que cantaron juntos: "Old Dirt Road" dentro del álbum del ex beatle "Walls and Bridges". Esta canción es depresiva y bella a la vez, rodeada de un ritmo lento y opresivo la melodía golpea el ánimo del oyente. A su vez, Lennon le produjo y colaboró en un álbum llamado: Pussy Cats en la que también participó el baterista Ringo Starr. Destacan canciones como: Many Rivers To Cross de Jimmy Cliff, Subterranean Homesick Blues de Bob Dylan, Save The Last Dance For Me de The Drifters y Mucho Mungo/Mount Elga, una composición de Lennon y Nilsson.
También en ese año, Harry co-protagonizó una película titulada "Son of Dracula" al lado de Ringo Starr cuyo fondo musical fue también co-producido por él y Ringo, editado en disco RAPPLE Records ABL1-0220, como un soundtrack. Este disco tuvo la colaboración musical de: George Harrison, Peter Frampton, Klaus Voormann, Ray Cooper, Jim Price, Bobby Keys, Nicky Hopkins, Gary Wright, Jim Gordon, y otros. El disco incluye los éxitos: Without You, Jump Into The Fire, Remember Y Daybreak.
“Living Without You”. es una canción de profunda soledad y melancolía, que nos cuenta acerca de una ruptura amorosa, y a la que Nilsson interpreta en forma emotiva y genial, un gran tema que seguro que a mas de uno le traera a la memoria alguna de esas tardes en la discoteca bailando un lento con la chica que te gustaba. joder como pasan los años, Felices fiestas amigos y amigas de este Blog

Canción

Letra

No, no puedo olvidar esta tarde
O tu cara mientras te ibas
Pero supongo que esa es la manera
Como sigue la historia
Tu siempre sonríes pero tus ojos
Reflejan tu dolor
Si, es así
No, no puedo olvidar el mañana
Cuando pienso en todas mis tristezas
Cuando te tuve ahí
Pero entonces te dejé ir
Y ahora es justo
Que yo te haga saber
Lo que debes saber

No puedo vivir
Si vivir es sin ti
No puedo vivir
No doy más
No puedo vivir
Si vivir es sin ti
No puedo dar mas
No doy más

Bien, no puedo olvidar esta tarde
O tu cara mientras te ibas
Pero supongo que esa es la manera
Como sigue la historia
Tu siempre sonríes pero tus ojos
Reflejan tu dolor
Si, es así

No puedo vivir
Si vivir es sin ti
No puedo vivir
No doy más
No puedo vivir
Si vivir es sin ti
No puedo dar mas
No doy más

Video

Sly and the Family Stone- Fillmore East, NY 10/5/68

2011-12-15T21:20:00.012+01:00

Este es un concierto de una de esas bandas que por alguna u otra razón a mi entender no han tenido el reconocimiento que debiera, en este audio tenemos la ocasión de poder oír la actuación que tuvo lugar en el Fillmore East de Nueva York el día 10 de mayo de 1968, donde la banda de San Francisco liderada por el simpar Sly Stone -una de las primeras integradas indistintamente por negros, blancos, mujeres - nos ofrece nueve temas de funk y un soul sudoroso que estoy seguro que van a ser de vuestro agrado, sobre todo a los que aman la música negra.

Sly Stone – keyboards, guitar, harmonica, lead vocals
Freddie Stone – guitar, vocals
Rose Stone – keyboards, vocals
Larry Graham – bass, vocals
Gregg Errico – drums
Cynthia Robinson – trumpet, vocals, percussion
Jerry Martini – saxophone, percussion

All songs Written by Sylvester Stewart.

1. M'Lady
2. Life
3. Are You Ready?
4. It Won't Be Long
5. Color Me True
6. Dance to the Music
7. Love City
8. Turn Me Loose
9. Outro

Sly & The Family Stone es un grupo de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multi-instrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone).
Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o el pop le convierten en uno de los más importantes grupos no sólo de funk sino de toda la historia de la música popular.
Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres, por lo que tiene se trata de la primera banda multirracial compuesta por músicos de ambos sexos que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional.
La banda permaneció activa en dos etapas. La primera, sin duda mucho más conocida, coincidió con sus años dorados y duró 9 años, desde 1967 hasta 1975, durante los cuales publicó 7 discos. La segunda, que se desarrolla desde 1975 hasta 1983 a través de 4 discos, fue protagonizada exclusivamente por Sly Stone, mientras que el resto de integrantes de la banda habían sido o bien sustituidos o bien relegados a un plano secundario.
Sly & The Family Stone nace en San Francisco como resultado de la fusión entre dos grupos: el primero, liderado por Sly Stone, se llamaba Sly & The Stoners, mientras que el segundo, cuyo líder era en cambio Freddie Stone, el hermano de Sly, se denominaba Freddie & The Stone Souls. El resultado fue una formación con los hermanos Stone, Freddie (guitarra) y Sly (teclados), Gregg Errico (batería), Cynthia Robinson (trompeta), a la cual se unió poco después Larry Graham (bajo) y el grupo de gospel Little Sister (compuesto por la hermana de Freddie y Sly, Vaetta, junto con Mary McCreary y Elva Mouton) , que ejercieron de coristas. Todo ello ocurrió en 1966. Precisamente este año, a causa del gran éxito que supuso el primer sencillo, I Ain’t Got Nodoby, Sly & The Family Stone recibió una oferta de la multinacional CBS, con la cual publicó su primer trabajo, A Whole New Thing (1967), que fue desde el primer momento ensalzado por la crítica, si bien no pudo ser considerado un éxito de ventas.
Viendo el potencial del grupo de convertirse en el primero en traspasar las barreras de la música rock, negra o pop, Sly & The Family Stone se puso manos a la obra en su siguiente sencillo, Dance To The Music, cuyo éxito fue mucho mayor y alcanzó el número 8 en Top 100. Acto seguido, fue publicado el disco completo, titulado igualmente Dance To The Music (1968). Poco antes de su grabación se unió al grupo una nueva hermana de Sly Stone, Rose.
El álbum Dance To The Music fue un éxito modesto, pero contribuyó a extender la fama del grupo como uno de los más excitantes bandas en concierto del momento.

Poco después, apareció en el mercado un nuevo trabajo, titulado Life (1968), que no cumplió con las expectativas comerciales creadas por su anterior trabajo. Sin embargo, tanto la crítica como el resto de músicos coincidió en considerarlo otra obra maestra.
A finales de 1968, Sly & The Family Stone editó el sencillo Everyday People, que se conviritió en su primer numero 1. Junto con la cara B, Sing A Simple Song, este disco sirvió de avanzadilla para el nuevo disco, publicado cinco meses después, cuyo título era Stand!. Con más de tres millones de copias vendidas, lanzó al grupo a la fama, propagando además su irresistible imagen, con músicos de todas las razas y sexos, mensajes de paz, amor, tolerancia, muy en la línea del periodo hippie que se estaba cerrando, todo ello aderezado con una irresistible música de raíz soul y funk pero contaminada con un número interminable de influencias, desde el rock al blues, desde el pop al jazz, todo ello a través de un prisma psicodélico complejo y elaborado.
Este gran éxito hizo que Sly & The Family Stone fueran invitados a tocar en agosto en la primera edición del festival de música de Woodstock en agosto de 1969, que se convertiría a la postre en, probablemente, el más importante evento musical de la historia. Su actuación, a juicio de muchos entre lo más destacable del festival, les procuró un contacto directo con una nueva generación de jóvenes, que cayeron rendidos ante la propuesta del grupo.
El despertar del éxito de Stand! provocó un profundo desequilibrio en el seno de Sly & The Family Stone. Por un lado, el grupo, sobre todo Sly, recibió muchas presiones para que recondujera la banda hacia posiciones más abiertamente negras, hasta el punto que los Black Panthers exigieron el despido de los músicos de raza blanca. Por el otro, los miembros del grupo, y de nuevo especialmente Sly, comenzaron a depender cada vez del uso de drogas, lo cual repercutió negativamente en el proceso creativo y musical de la banda, que desde la publicación de Stand! en 1969 hasta finales de 1970, editaron únicamente otro sencillo, compuesto por Everybody Is A Star y Thank You, este último popularizara la técnica exclusiva en el bajo de Larry Graham que se conocería por «slap». La fractura entre los distintos músicos empezó a convertirse en un abismo, situación agravada por la decisión de Sly de protegerse con una serie de guardaespaldas con orígenes supuestamente criminales. Cansado de esta situación crecientemente insostenible, el batería Gregg Errico decidió abandonar el grupo a principios de 1971.
En otoño del 71, el sencillo Family Affair, antícipo del inminente There’s A Riot Goin’ On, fue publicado y se aupó al número uno, catapultando al disco completo directamente a la cabeza de la lista. A pesar del tono general de l disco, mucho más oscuro que los anteriores trabajos del grupo, los grandes éxitos Runnin’ Away y Family Affair dispararon las ventas y la popularidad del disco. Es de notar que el sencillo Family Affair, es considerado el primer tema popular en tener el sonido de una caja de ritmos (en este caso, los patrones de una Maestro Rhythm King 1), anticipándose en tecnología al modelo de la música negra de baile que vendría años después como la música disco, el hip hop y el House.

Sin embargo, este nuevo éxito non hizo más que agravar la extremadamente delicada situación del grupo y la inestable salud mental de Sly. Nuevos roces entre los miembros, cada vez más graves, desembocaron en la marcha del bajista Larry Graham, uno de los pilares del sonido del grupo.
En 1973, Sly & The Family Stone editó el disco Fresh. Con un sonido mucho más desnudo pero rítmicamente más complejo, el disco no respondió a las expectativas del pública y la crítica, a pesar del gran éxito que suposo el sencillo If You Want Me To Stay. Su continuación, titulada Small Talk, fue publicado el año siguiente, en 1974. La reacción fue incluso peor que la que recibió su anterior trabajo, lo cual, unido a la cada vez mayor reticencia de los promotores de contratar el grupo para actuaciones en directo, provocó la disolución del grupo en 1975.

Blues para la Navidad

2011-12-14T20:18:00.007+01:00

¿Qué os parece celebrar la Navidad con un buen blues? ¡Seguro que a todos nos parece bien!, os sugiero una visita por esta Web donde tenemos la oportunidad de vivir la Navidad con unos buenos temas del mejor blues.

Holiday sounds from B. B. King and Imani Winds

Ten Years After - Live At The Winterland '75

2011-12-01T06:44:00.010+01:00

Esta es una banda de músicos virtuosos bajo el liderazgo de Alvin Lee que conquistaron la escena musical de UK y luego extendieron sus alas a los Estados Unidos. Su mezcla de jazz, el blues y el rock fue inicialmente un poco incómodo, pero acabaron siendo uno de los grandes exponentes de la musica rock y blues. Ahora tenemenos la oportunidad de ver en casi toda su totalidad este magnifico concierto que grabaron en el Winterland Ballroom, de San Francisco, California, el 4 de agosto de 1975.

1. Rock & Roll Music To The World2. Love Like A Man
3. Good Morning Little Schoolgirl
4. Slow Blues In C
5. Hobbit
6. One Of These Days

1. Classical Thing
2. Scat Thing
3. I Can't Keep From Crying Sometimes
4. I'm Going Home
5. Sweet Little Sixteen
6. Choo Choo Mama
7. Baby Won't You Let Me Rock & Roll You

Alvin Lee - guitar, vocals
Leo Lyons - bass
Chick Churchill - organ
Rick Lee - drums

Love Like A Man

Good Morning Little School Girl

Slow Blues In C.

Hobbit

One Of These Days

Classical Thing

Scat Thing

I Can't Keep From Crying

I'm Going Home Medley

Sweeet Little Sixteen

Choo Choo Mama

Baby, Won't You Let Me Rock 'n' Roll

Ten Years After es el cuarteto inglés de blues-rock, formado en 1967 en Nottingham, Inglaterra, por el guitarrista-vocalista Alvin Lee, el tecladista Chick Churchill, el bajista Leo Lyons y el baterista Ric Lee, que con su renovadora y poderosa mezcla de blues vitaminizado con el veloz rock & roll se diferenciaron de sus contemporáneos como Fleetwood Mac o Savoy Brown. Este es un conjunto que a finales de los ’60 se perfiló como uno de los grandes exponentes del rock y de todo el amplio abanico vinculado al blues eléctrico. Ten Years After no se hizo destacada solamente por su genial presentación en el mítico festival de Woostock, inicialmente el grupo se caracterizó por un insólito poder creativo y sonoro que tenia su principal soporte en los hábiles y virtuosos dedos de su guitarrista Alvin Lee.
Para principios de los ’70, Ten Years After empezaba a desgastar su fórmula de boggie rock & roll sin objeto aparente y aún entonces poseían destellos de genialidad al internarse en terrenos del blues, como el ‘Help Me’ de Sonny Boy Williamson en “Recorded Live” o del jazz, como lo evidenciaba ‘Me And My Baby’ del Cricklewood Green. Estos hechos musicales vienen a probar que el grupo era más que las mil notas por segundo de ‘I´m Going Home’ y de nuevo mostraban en el momento del declive de sus carreras, más esencia que Status Quo, Mountain o incluso Humble Pie.
La historia comenzó a intuirse en 1960 cuando Alvin Lee estaba tocando con una banda llamada The Atomites y se encuentra con Leo Lyons, quien seria el futuro bajista de Ten Years After. Luego de participar en un par de proyectos como The Jaycats y The Jaybirds, Alvin Lee asumió su faceta de vocalista. En 1967, y luego de ganarse un nombre gracias a sus actuaciones en distintos clubes de Londres. La historia discográfica de Ten Years After comenzó en 1967 cuando consiguieron un contrato en la casa discográfica Decca y grabaron su álbum homónimo, el que pasó totalmente desapercibido. A poco andar y con su fama acrecentada por sus numerosas actuaciones por su país, editaron en 1968 el trabajo en vivo “Undead”, registrado en el Klooks Kleek club, y que con el single ‘I’m Going Home’, irrumpieron en el mainstream europeo. Para este tiempo la banda era un nombre regular dentro del circuito neoyorkino en el que tuvieron la oportunidad de jammear con Hendrix y Janis Joplin, también –aunque sin singles de gran éxito comercial – el nombre de estos británicos se había hecho de una reputación incluso en la costa oeste, en San Francisco. A principios de 1969 publicaron el elepé “Stonehead”, que también fue un suceso, llegando al número 10 de los charts ingleses.

Junto a otras bandas británicas, Ten Years After salió de gira por Estados Unidos, siendo invitados al festival de Woodstock, donde interpretaron la recordada versión de nueve minutos de ‘I’m Going Home’, y fue este histórico registro dentro de la película documental del evento, una performance electrificante, la que catapultó a Alvin Lee y su banda al súper estrellato En el transcurso de los próximos dos años, Alvin con su guitarra Gibson roja, su cabello largo y rubio y su vestimenta se convirtió en una especie de epítome del hippie-cool de su tiempo, a la vez que como Ten Years After lanzaron tres sólidos álbumes, todos logrando importantes posiciones en los rankings ingleses y norteamericanos. Estos son “Ssssh” de 1969, con boggie-blues y country pop servido con la guitarra destacada de un maestro de las seis cuerdas, que destacó con el single ‘Stoned Women’ y también el soul de ‘Two Time Momma’; “Criclewood Green” de 1970, en donde habían incluido elementos más jazzy, con su respectivo sencillo ‘Love Like A Man’ –un hit de aquel año-; y “Watt”, también de 1970, que fue el último bajo el alero del sello Decca.
Moviéndose a Columbia Records, comenzaron a incursionar en un camino más pop, relegando las bases de guitarra en favor de los sonidos electrónicos, hecho que se hizo patente en el elepé de 1971 “A Space In Time”, que logró estar en los top 40 de los charts ingleses con el tema ‘I’d Love To Change The World’. Para este tiempo eran evidentes en Alvin Lee las ganas de reinventarse con un sonido más abstracto o avant-garde y aunque la respuesta no fue negativa, no era una proyección saludable para Ten Years After. En 1972 publicaron “Rock & Roll Music To The World”, época en que los integrantes de la banda comenzaron a trabajar en sus proyectos solistas. Alvin Lee, junto al cantante gospel Mylon LeFevre, lanzaron el disco “On The Road To Freedom”, en el que el líder de Ten Years After se codeó con figuras de la talla de George Harrison y Steve Winwood, logrando registrar un buen disco teñido de acentos country.
Por su parte, Chick Churchill editó “You And Me” y vinieron a ser antecedentes de lo que pasaría, en 1974, luego de la aparición de “Positive Vibrations”, el último disco de la banda, ya que se disuelven tras lo que habían sido 28 giras por EE.UU. y una incansable producción discográfica que los llevó al límite del agotamiento. Cuatro años más tarde, en 1978, Alvin Lee forma Ten Years Later, nuevo conjunto con el que lanza “Rocket Fuel” y posteriormente “Ride On”. Y para variar, el escurridizo Lee forma en los años ochenta The Alvin Lee Band, otro de sus proyectos.
Sin embargo, en el año ‘83 Ten Years After se reune para celebrar 25 años de historia en Londres. Y de nuevo en 1988 Ten Years After se reunió para algunos conciertos por Europa y en 1989 grabaron su primer elepé en 15 años bajo el título de “About Time”, que sólo interesó a los fans más cercanos a la banda. Actualmente la banda se ha reagrupado recorriendo con éxito los circuitos "classic rock" en EE.UU. y Europa.
Fuente

Los Beatles en Japon 1966

2011-11-30T17:36:00.012+01:00

Los Beatles llegan a Japón al inicio de su gira mundial en 1966, antes de su famosa gira por los EE.UU. Los Beatles llegaron a Tokio el 30 de abril de 1966 y realizaron dos conciertos en el El Nippon Budokan de Tokio, también conocido como “Budokan”, este es un estadio cubierto en el centro de Tokio y fue construido originalmente para la realización de la competición de judo en los Juegos Olímpicos de Tokio en 1964.

Durante su estancia en Japon fueron sometidos a unas pesadas normas de seguridad ya que había una considerable oposición por parte de los sectores mas tradiicionales de ese pais a todo que hiciese referencia a los grupos de Rock occidentales. En aquella época, a pesar de ser un edificio nuevo, construido para las Olimpiadas de 1964, Budokan era un símbolo de tradición no apto para conciertos de musica.
Los Beatles irrumpieron en esa tradición. Hubo manifestaciones en su contra, la mayoría de ellas universitarias. Hubo amenazas de muerte y una tensa espera, que pudo haber terminado en cancelación. Unos días antes del aterrizaje de los cuatro de Liverpool, un ciclón pasó por Tokio. La prensa nacional, siempre alerta, no tardó en hablar del “ciclón Beatles“, esa nueva tormenta que tomaba forma en el horizonte. El gobierno desplegó a 35.000 policías en torno al Budokan, diez mil efectivos más que el número total de asistentes al concierto. Cuando los Beatles se fueron, el país quedó culturalmente marcado para siempre.
Los 5 conciertos brindados por The Beatles entre el 30 de Junio y el 2 de Julio de 1966 en Tokyo, Japón, son recordados como los mejor organizados de toda su carrera y es que la gira mundial de 1966, que a la postre resultaría la última de la banda más grande de la historia, tuvo en sus conciertos japoneses el punto más alto en cuanto a sonido, horarios, organización general, y contó con el público más respetuoso de todas sus actuaciones aunque como podemos ver en este video el griterio de las adolescentes era el mismo que se oía en todos los lugares donde actuaban los Beatles.

1. Rock'n'roll Music
2. She's A Woman
3. If I Needed Someone
4. Day Tripper
5. Baby's In Black
6. I Feel Fine
7. Yesterday
8. I Wanna Be Your Man
9. Nowhere Man
10. Paperback Writer
11. I'm Down

Quicksilver Messenger Service Live @ Winterland Dec 28, 1975

2011-11-22T12:09:00.027+01:00

Esta es una actuación de Quicksilver en el Winterland de San Francisco el 28 de diciembre de 1975, esta banda fue otra de las muchas con el espíritu hippie de aquellos años, con un sonido psicodelico y ácido que caracterizaba a estas bandas como fueron por ejemplo, Grateful Dead y Jefferson Airplane, contaba en su formación a John Cipollina popular sobre todo por su rol como fundador y guitarrista de esta magnifica banda de la ciudad de San Francisco. Os recomiendo que no perdais la ocasión de ver i oir este concierto y disfrutrar de un virtuoso de la guitarra que fue John Cipollina, por cierto el sonido y la imagen son de excelente calidad.

Esta banda de acid-rock estadounidense que tampoco desdeñó el folk, el blues y el jazz. Se formó a mediados de los años 60 en San Francisco.
Aposentaba sus virtudes musicales en la interacción virtuosa de sus instrumentistas, en especial de los guitarristas John Cipollina y Gary Duncan.
El germen de Quicksilver Messenger Service es obra del cantautor Dino Valenti, quien junto al citado Cipollina a las seis cuerdas, Jim Murray a la voz y armónica, David Freiberg al bajo y Casey Sonoban a la batería (Skip Spence también participó en la formación del grupo aunque estuvo muy poco tiempo) intentaron abrirse camino en la ciudad californiana en el año 1965.
Tristemente, Valenti fue condenado por posesión de drogas a los pocos meses de la formación de la banda y tuvo que abandonar durante varios años el grupo.
Sus compañeros continuarían el rumbo trazado siendo sus actuaciones muy aclamadas por los seguidores del rock lisérgico, quienes disfrutaban con los vibrantes conciertos de la banda, acrecentada por los ex miembros de The Brogues Gary Duncan a la guitarra y Greg Elmore, que había sustituido en la batería a Sonoban. El cantante Jim Murray también abandonaría la banda en 1967.
Siempre reacios a firmar con compañías discográficas, finalmente cayeron bajo los encantos de Capitol y grabaron el LP homónimo "Quicksilver Messenger Service" (1968), un fantástico disco que contenía su single "Pride of man" y su cara b "Dino's Song", compuesta por el ausente Valente.
Junto a este sencillo otros grandes temas en los cuales brillan las guitarras del dúo Cipollina/Duncan como "Gold and silver", "Light your windows" o la extensa "The Fool".
En 1969 publicaron "Happy Trails" (1969), un disco en directo que se convertiría en su LP más recordado, principalmente por su larga versión del "Who do you love", tema escrito por una de sus máximas influencias, el pionero del R&B y el rock'n'roll Bo Diddley, conduciendo las clásicas pautas guitarreras de Diddley a sus postulados psicodélicos. El album tiene una bonita portada realizada por George Hunter.
"Shady Grove" (1969) fue el tercer disco grande de la banda californiana, que había sufrido la sensible baja de Duncan, que había decidido dejar el grupo tras roces con Cipollina.
A pesar de la marcha del guitarrista, "Shady Grove", se benefició de la entrada del teclista Nicky Hopkins, un conocido músico de sesión británico que se incorporó al grupo. El infravalorado disco, en el cual todavía se escuchaban algunas notas de Gary Duncan, se encuentra a la altura de sus pretéritos trabajos.

Gary se había aliado con Valenti, quien tras salir de prisión y después de haber grabado un homónimo disco en solitario intentó formar un nuevo grupo junto al guitarrista llamado The Outlaws. Sin fortuna en su nueva ubicación, regresarían a las filas de Quicksilver Messenger Service, en donde Valenti ocuparía un lugar preeminente.
"Just for love" (1970) fue el primer Lp del ahora sexteto y aunque no era un trabajo desdeñable descendió el nivel de calidad de sus antecesores, a pesar de contener el sencillo "Fresh Air".
El loable ejercicio guitarrero de Duncan y Cipollina se vio desplazado en parte por la supremacía vocal y autoral de Valenti.
Lo mismo sucedió en "What about me" (1970), tras el cual abandonaron el grupo John Cipollina, Nicky Hopkins y David Freiberg, que ingresaría durante unos meses en la cárcel por posesión de marihuana. Posteriormente formaría parte de Jefferson Starship.
Con la incorporación del bajista Mark Ryan (ex Country Joe & The Fish) y los teclistas Mark Naftalyn (ex Paul Butterflied Blues Band) y Chuck Steaks, grabaron el aprovechable "Quicksilver" (1971), su último gran disco. Posteriormente vendría el irregular "Comin' Thru" (1972), tras el cual el grupo terminaría disolviendose.
Cipollina formaría a comienzos de los años 70 el grupo Copperhead y se unió a sus antiguos compañeros para resucitar a Quicksilver en "Solid Silver" (1975), un fallido disco que poco hizo para reavivar a la mítica formación de San Francisco.
Cipollina, que en la década de los 80 había formado parte de grupos como Merrell Fankhauser & The Mavi Band o Terry & The Pirates, falleció el 29 de mayo de 1989 debido a un enfisema

Disc 1

1. Tuning 1:01
2.Fresh Air 6:31.
3.Mona 8:04 .
4. Baby,Baby 5:37.
5.Gypsy Lights 3:47.
6.Heebie Jeebie 4:43.
7.Cowboy On The Run 4:37.
8.Bittersweet Love 4:45.
9.They Don't Know 4:53.

Disc 2

1.Play My Guitar 4:40.
2.(fade in) Worryin' Shoes 9:29.
3.What About Me 8:56.
4. Freeway Flyer 20:55

Audio del concierto.

British Rock Viewseum - Golden Era Of British Beat (Vol.1)

2011-11-18T23:01:00.016+01:00

Este es el primer DVD disco de la serie (6 DVD) "British Rock Viewseum - Golden Era Of British Beat" una compilación de fragmentos del popular programa de la televisión alemana de mediados de los años 60 - "Beat Beat!" y de la que ya he publicado alguna entrada, como vereis las actuaciones que podemos ver en este vídeo son magnificas con algunos de los mas famosos grupos de lo que se llamó "British Invasion"

01. The Yardbirds feat. Jimmy Page - Shapes Of Things
02. The Yardbirds feat. Jimmy Page - Happenings Ten Years Time Ago
03. The Yardbirds feat. Jimmy Page - Over, Under, Sideways, Down
04. The Yardbirds feat. Jimmy Page - I’m A Man

05. The Small Faces - Hey Girl
06. The Small Faces - All or Nothing
07. The Small Faces - Whatcha Gonna Do About It
08. The Small Faces - Shalalalalee

09. Eric Burdon & The New Animals - Tobacco Road
10. Eric Burdon & The New Animals - Roadrunner
11. Eric Burdon & The New Animals - C.C. Rider

12. Episode Six - Morning Dew
13. Episode Six - I Hear Trumpets Blow

14. Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - Hideaway
15. Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - Hold Tight
16. Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - Touch Me, Touch Me
17. Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - Bend It
18. Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - Save Me

19. The Troggs - With the Girl Like You
20. The Troggs - I Can’t Control Myself
21. The Troggs - You Can’t Beat It

22. Brian Auger and The Trinity feat. Julie Driscoll - Save Me
23. Brian Auger and The Trinity feat. Julie Driscoll - Road to Cairo

24. Chris Farlowe - Out Of Time
25. Chris Farlowe - Ride On Baby

26. Cat Stevens - Granny
27. Cat Stevens - Matthew & Son

28. Herman's Hermits - No Milk Today
29. Herman's Hermits - My Reservation’s been Confirmed

30. The Easybeats - The Loving Machine
31. The Easybeats - Friday on My Mind

32. Casey Jones & The Governors - Come On And Dance
33. Casey Jones & The Governors - Don't Ha Ha

Stax Volt Tour of Norway 1967

2011-11-14T22:28:00.011+01:00

Stax Records comenzó como un pequeño sello discográfico regional en Memphis en 1957, con la intención simple de la venta de discos, aprovechando el inmenso talento que ofrecian los cantantes afroamericanos del Sur de los Estados Unidos.
El movimiento de Derechos Civiles había sacudido al mundo de la música. Artistas blancos y negros por igual serían profundamente influenciados por los cantantes de soul como Al Green, Sam y Dave, Joe Tex, Carla Thomas, Arthur Conley, Eddie Floyd, Wilson Pickett, y el gran Otis Redding. No hay nada mejor que una canción funky, soul grasiento, y nada más conmovedor que el legendario Stax Volt de gira por Europa en 1967.

La gira europea fue la apertura de estos mercados con el sonido Stax, había que aprovechar el creciente interés en la música de color americana, especialmente en el Reino Unido. En el momento en que la gira se inicio la dirección de Stax sabía que tenía que salir a por todas en el escenario todas las noches y conseguir los beneficios comerciales que querían para sí mismos y sus artistas. Se organizo el viaje con un equipo de primeras estrellas como Sam y Dave, Eddie Floyd, y Arthur Conley todos ellos fueron respaldadas por el legendario Stax House de la banda Booker T. y la de MG y la sección de vientos igualmente épica como era La Mar-keys. Todo esto junto a una buena competencia entre ellos hizo que el espectáculo fuera todo un éxito.

Sin embargo, nadie puso en marcha su estrella en una órbita más grande como el legendario hombre de Macon, Georgia, Otis Redding. Con esa voz que combina el delicado fraseo de un cantante de baladas con los gritos de un diácono en la iglesia, Redding deslumbró en el Reino Unido. La gente todavía habla Otis y su legendaria actuación en Londres con la versión de los Stones "Satisfaction" junto con sus clásicos como "Try a Little Tenderness" y "These Arms of Mine" . Esto, junto con su actuación ya legendaria en el Festival Pop de Monterrey en ese mismo año le hizo una estrella reconocida internacionalmente.

Los músicos, en un principio, veían " Hit The Stax Road " con un poco de miedo, algunos incluso les preocupaba que al público europeo no le gustara la música de un pequeño sello, de integración racial del Sur. Eso fue hasta que llegaron a Inglaterra, todo el mundo de la escena musical de Londres estaba tratando de conseguir entradas para ver estos espectáculos. Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Eric Burdon, John Mayall, Roger Daltrey, Pete Townsend, y los Beatles estaban peleando para ver los conciertos en Londres y pasar el rato con los artistas de Stax. En una nota al pie ya clásico de la historia de la música, The Beatles habia enviado limusinas para recoger a la tripulación del Stax cada noche después de sus actuaciones y, en una historia que nadie puede verificar, Paul McCartney, supuestamente besó al guitarrista Steve Cropper de Booker T. & the M.G.'s ya que le consideraba como el mejor guitarrista que jamás había escuchado.

La gira terminó y la música soul y Stax Records comenzaron un camino ascendente. Pocos meses más tarde Otis Redding moriría en un accidente aéreo. Stax seguirían produciendo éxitos hasta mediados de los setenta, malas decisiones en los negocios y el cambio de gustos musicales fueron causas del final de este sello discografico, pero en esta gira lograron que la música "soul" llegara a lo más alto, sus canciones, su baile, y esas maravillosas actuaciones en las que se establecía una conexión entre estos artistas y la audiencia fueron los peldaños para llegar a lo mas alto, un tiempo breve pero intenso que permitio que el Soul llegara a gobernar el mundo.

Las imagenes y el sonido disponen de una mas que aceptable calidad, por cierto os reto a ver si alguien es capaz de ver alguno de estos videos sin tener la necesidad de acompañar o bailar, ya me comentareis

Grateful Dead 'Sunshine Daydream' 1972

2011-11-11T08:44:00.011+01:00

"Sunshine Daydream" es una película inédita de aproximadamente 95 minutos de duración donde se pueden ver imagenes del concierto que ofrecieron los Grateful Dead junto a los New Riders of the Purple Sage a beneficio de la Granja-Lechería de Chuck Kesey y Sue, su mujer, el 27 de Agosto de 1972, en Veneta, Oregon R. La película ha aparecido a veces en pequeños festivales de cine , y bootlegs de que han circulado en VHS y DVD y como descargas digitales.

Es una buena ocasión para poder ver imagenes de este legendario concierto en ellas se incluyen la preparación para el concierto, la gente que participo en el y el espíritu de aquella época, todo ello acompañado de la buena música de los Grateful Dead con un Jerry Garcia que se sale, y si queréis mas, este fin de semana en la emisora Llopdelblues especial Grateful Dead en directo.

Integrantes:

Jerry Garcia — guitar , vocals
Bob Weir - guitarra, voz Bob Weir — guitar, vocals
Phil Lesh - bajo y coros Phil Lesh — bass , vocals
Bill Kreutzmann - tambores Bill Kreutzmann — drums
Keith Godchaux - teclados Keith Godchaux — keyboards
Donna Godchaux - voz Donna Godchaux — vocals

Canciones en el film:

Playing in the Band
Promised Land
China Cat Sunflower
I Know You Rider
Jack Straw
Dark Star
El Paso
Greatest Story Ever Told

En este enlace tienes la opción de oir o descargar el concierto que dio lugar a este film.

Machine Head - Deep Purple

2011-11-05T18:31:00.020+01:00

Machine Head es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de hard rock Deep Purple.

Fue grabado en el Grand Hôtel de Montreux, Suiza, en diciembre de 1971, y editado en mayo de 1972.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del heavy metal. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema "Smoke on the Water", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del hard rock.
En 2001, la revista Q lo catalogó en el puesto 50 de su lista de Los álbumes más pesados de todos los tiempos.
La gira para promover el disco incluyo un viaje a Japón , que sería grabado y posteriormente lanzado como un álbum doble en vivo Made in Japan y que para mi es uno de los mejores directos de todos los tiempos.

1. Highway Star.
2. Maybe I'm a Leo
3. Pictures of Home
4. Never Before
5. Smoke on the Water
6. Lazy
7. Space Truckin.

Este es parte del documental de Classic Albums dedicado a la grabación de discos famosos donde no podia faltar este "Machine Head"

Classic Albums - Deep Purple: Machine Head

Uno de mis temas preferidos es "Lazy" no os perdais la ocasión de ver este directo

Singels 1971 número 37

2011-11-01T09:32:00.005+01:00

What Is Life - George Harrison

"What Is Life" es una canción del músico británico George Harrison, que fue lanzada como single el 15 de Febrero de 1971 promocionado su disco triple "All Things Must Pass" del cual George tiene la distinción de ser el primer triple álbum de la historia , este tema fue el primer trabajo que lanzó este artista con la "chapa" oficial de ex-Beatle. La canción fue co-producida por George Harrison y Phil Spector, quien también produjo entre otras una de las canciones más conocidas de Harrison, My Sweet Lord.
"All Things Must Pass" fue el trabajo que destapó ante la crítica toda la genialidad de Harrison como compositor de buenas canciones, lo cuál siempre se vió eclipsado por la dupla Lennon-Mccartney cuando formaba parte de The Beatles. En este disco, George deja un listado de hermosas canciones que que viajan sobre temáticas tan simples como el amor, la paz, lo espiritual y lo místico, que además iban relacionadas con su forma de ver la vida.
La historia cuenta que Harrison escribió "What Is Life" para el cantante de soul Billy Preston, que era uno de los artistas contratados por el sello Apple (cuyos dueños eran los cuatro de Liverpool).Preston, que había conocido a los Beatles en 1962 durante una gira con Little Richard, era muy amigo de George quien, además de invitarlo a tocar en algunas de sus canciones y a participar en varias sesiones de grabación con los Fab-Four, fue el productor de algunos de sus discos.
El 27 de marzo, "What Is Life" alcanzó el puesto 10 en el Billboard Hot 100.

Cancion

Letra

Lo que yo siento, no lo puedo decir
Pero mi amor está allí para ti en cualquier momento del día
Pero si no es amor lo que tu necesitas
Entonces voy a intentar mi mejor esfuerzo para hacer que todo tenga éxito

Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?

Lo que yo sé, lo puedo hacer
Si yo le doy mi amor ahora a cada quien como tú
Pero si no es amor lo que tu necesitas
Entonces voy a intentar mi mejor esfuerzo para hacer que todo tenga éxito

Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado
Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado

Lo que yo siento, no lo puedo decir
Pero mi amor está allí para tí en cualquier momento del día
Pero si no es amor lo que tu necesitas
Entonces voy a intentar mi mejor esfuerzo para hacer que todo tenga éxito

Dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?
Oh, dime, ¿qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?

¿Qué es mi vida sin tu amor?
Dime, ¿quién soy yo sin ti, a mi lado?

Oh, dime, ¿qué es mi vida, sin tu amor?
Dime quién soy yo sin ti a mi lado

Video

Louie Louie, mas de 1500 versiones

2011-10-29T17:47:00.009+02:00

Richard Berry fue un cantante negro de rock&roll americano de la década de los cincuenta que probablemente habría pasado bastante desapercibido de no ser porque una de sus composiciones titulada "Louie Louie" acabaría convirtiéndose en la canción más conocida y versioneada de todos los tiempos, Richard se inspiro en el clásico de Chuck Berry “Habana Moon”, con la intención de desmarcarse de sus anteriores composiciones, mas vocales, e intentando conseguir un ritmo rock con toques latinos, algo novedoso para la época.

La letra original cuenta como un marinero jamaicano relata al barman de un bar, de nombre Louie, sus penurias sentimentales debidas a que su chica le está esperando en la isla donde vive, y las ganas que tiene de volver junto a su amor. Una letra inocente, como la mayoría de las de la época, y un ritmo pegadizo, pero en principio nada aparentemente ofensivo

Esta es una pequeña relación de las bandas que han versionado este tema : Rockin' Robin & The Wailers Roberts, Little Bill & The Adventurers, Paul Revere & The Raiders, Don & The Goodtimes, The Beach Boys, The Sandpipers, Swamp Rats, Travis Wammack, Sounds Orchestral, Jack Ely & Courtmen, The Maytals, Barry White, Beausoleil, Black Flag, Blondie, Eddie and the Subtitles, Eddie Cano, Fantastic Plastic Machine, Fat Boys, Grandma's Rockers, Guru Josh, Ike & Tina Turner, Jackey Yoshikawa & His Blue Comets, Jan & Dean, Jim Capaldi, Joan Jett & The Blackhearts, Johnny Thunders, Johnny Winter, Joske Harry's & The King Creoles, Julie London, Kolossale Jugend, La Banda Algarete, Los Supersonicos, Massimo Riva, Maureen Tucker, Mazeffect, Mongo Santamaria, Motorhead, Neighborhood Children, Nick Cave & Boys Next Door, Nunfuckers, Patti Smith, Peter Reese & The Pages, Pinker tone, Pow Wow, Purple Hearts, Robert Plant, Stanley Clarke & George Duke, The 101ers, The Ad-Libs, The Alarm Clocks, The Athenians, The Beatniks, The Bloodclots, The Blues Brothers, The Candidates, The Clash, The Cramps, The Cult, The Falcons, The Feelies, The Flippers, The Gurus, The Headcoats, The Iguanas, The Invictas, The Kids, The Meows, The New Original Sonic Sound, The Nomads, The Outcasts, The Pink Finks, The Pyramids, The Queers, The Rollicks, The Stooges, The Tams, The Three Amigos, The Topics, The Ventures, Thirty Nine Clocks, Toots & The Maytals, Tuck Andreas, University Marching Band, West Coast Pop Art Experimental Band, Wise Guys, Yellow Jacket Marching Band, Youth Youth Youth, YP13, ...... Y llevamos 100, y dicen que se han publicado más de 1.500 versiones ¿alguna canción da para más? seguro que no. Os animo a dejar algun comentario para que deis vuestra opinión de cual es vuestra versión prferida.

Letra

Louie Louie, oh baby, me gotta go.
Louie Louie, oh baby, me gotta go.

A fine little girl, she waits for me.
Me catch the ship across the sea.
I sailed the ship all alone.
I never think I'll make it home.

Louie Louie, me gotta go.

Three nights and days we sailed the sea.
Me think of girl constantly.
On the ship, I dream she there.
I smell the rose in her hair.

Louie Louie, me gotta go.

Me see Jamaican moon above.
It won't be long me see me love.
Me take her in my arms and then
I tell her I never leave again.
Louie Louie, oh baby, I said we gotta go

En 1963, The Kingsmen, grupo de Portland (Oregón), lanzó al mercado una versión con un sonido “garaje” espectacular, y con una letra un pelín diferente a la original. El grupo jugaba con maestría al interpretar la canción, la letra escrita carecía de sentido, pero al interpretarla aparecían las frases, como por arte de magia:

Oh, Louie Louie, oh no
Get her way down low
Oh, Louie Louie, oh baby
Get her down low

A fine little girl a-waiting for me
She's just a girl across the way
We'll take her and park all alone
She's never a girl I lay at home

At night at ten I lay her again
Fuck you girl, oh all the way
Oh my bed and I lay her there
I meet a rose in her hair

She's got a rag on I'll move above
It won't be long she'll slip it off
I'll take her in my arms again
I'll tell her I'll never leave again

La letra era continuamente modificada por el grupo en sus actuaciones, añadiendo variaciones con alto contenido sexual que hacían las delicias de los jóvenes de la época. Como podéis suponer, las ventas del single se multiplicaron, como también se multiplicaron las numerosas versiones del tema, cada versión con su toque picante y cañero en la letra, manteniendo el resto de la estructura de la canción.

Como no podía ser de otra manera, estos acontecimientos llegaron a oídos de las autoridades, ni mas ni menos que el F.B.I., amparándose en una curiosa ley denominada ITOM (Interstate Transportation of Obscene Material) inició una investigación con el fin de determinar si el tema Louie Louie contenía mensajes obscenos que pudieran desestabilizar la estricta moral del momento. La investigación duro aproximadamente 30 meses, en los cuales los agentes del F.B.I. recopilaron unas 50 letras diferentes basadas en el original de Berry, a cual mas cañera, pero no pudieron hacerse con la letra interpretada por The Kingsmen, ya que como antes he comentado, escrita carecía de significado, pero al interpretarla, el juego fonético hacía que adquiriera sentido.

Investigaron a los componentes de The Kingsmen, en particular a su cantante Jack Ely, al que llegaron a acusar formalmente de fomentar la obscenidad, incluso citaron al propio Richard Berry para que explicara el “sentido obsceno” de su letra. Incluso una copia de la versión de The Kingsmen fue tratada en los laboratorios centrales del F.B.I. , sin que se pudiera llegar a una conclusión clara. El caso se cerró definitivamente.

Estas son algunas de mis versiones preferidas :

The Sonics - Louie Louie

Iggy Pop - Louie Louie - Live

The Kinks - Louie Louie

Motorhead - Louie Louie

Eric Burdon - Louie Louie

Tráiler de George Harrison: Living in the Material World

2011-10-26T23:00:00.005+02:00

¿Qué queda por contar de los Beatles? el director Martin Scorsese ahonda en la todavía desconocida trayectoria artística y biográfica de George Harrison en un documental que nos lleva a un emotivo recorrido por el patrimonio artístico de una estrella que prosiguió con éxito una carrera en solitario, y que tendrá su presentación en España durante el Festival de San Sebastián en la sección Zabaltegi Especiales entre el 16 y el 24 de septiembre y cuyo tráiler se ha estrenado este miércoles en la página web del fallecido músico.

El “Here Comes the Sun” que se escucha en el tráiler de ‘George Harrison: Living in the Material World’ es una de las melodías que representan la figura del músico, compositor del tema. Tratándose del menos popular de Los Beatles (no por ello menos Beatle), el documental sobre George Harrison y algunos momentos clave de su trayectoria que llega diez años después de su muerte de la mano de Martin Scorsese se trata, al menos a primera vista, de una nueva mirada a una las bandas más influyentes de la historia de la música y a un personaje en particular. "Legendario, silencioso, desconocido, visionario", así se describe al artista como adelanto del film.

Scorsese, todo un aficionado a la música desde su juventud, vuelve a inmiscuirse en ese territorio después del 'No Direction Home: Bob Dylan' (2005) o de los Rolling Stones en ‘Shine a light’. El director ha entrevistado para este nuevo reto en su filmografía a Paul McCartney, Eric Idle o Eric Clapton y, por medio de una buena cantidad de material de archivo, también aparecen en la cinta John Lennon, Yoko Ono, Ringo Starr o Phil Spector.

Puede que este documental nos ayude a cononocer mejor a George Harrison, el guitarrista en la sombra, de quien se dice que fue el alma que mantuvo unido al grupo, tal vez sea el menos conocido y puede que el mas querido.

Evil Ways - Santana

2011-10-24T20:39:00.003+02:00

La banda de Santana se fundo en 1967 en la ciudad de San Francisco, pero su sonido poco tenia que ver con el Flower Power ( movimiento hippie que nació en California en 1966 para protestar en contra de la Guerra de Vietnam ), era un grupo de rock latino y basado sobre todo en la guitarra de Carlos Santana, que por cierto tiene en su haber un total de ocho premios Gremmy en los últimos años. Después de la primera audición del grupo para un promotor de conciertos, les dijo que no lograrían entrar en la escena musical de esos años tocando esa fusión de de jazz latino, el señor se equivoco, pues sucedió mas bien lo contrario, y es que el contraste de su música con otros grupos llamó la atención del publico, sobre todo después de actuar en el festival de Woodstock de 1969. Inmediatamente después Sanatana grabó su álbum debut, incluyendo su primer single "Evil Ways" el cual alcanzó el puesto número 9 en las listas americanas , esta canción cuenta con Gregg Rolie en la voz principal y el órgano Hammond, y por supuesto un notorio solo de guitarra de Carlos Santana. La crítica recibió el disco con grandes alabanzas (la revista Rolling Stone, llegó a decir que Santana hacía por la música latina lo que Chuck Berry había hecho por el blues). Aquí os dejo el vídeo de "Evil Ways"

The Ventures, los reyes del Surf

2011-10-23T17:19:00.029+02:00

The Ventures surge en la década de los sesenta cuando dos jóvenes guitarristas, Bob Bogle y Don Wilson, inician un grupo musical al que años más tarde se les unirían el baterista Mel Taylor y el bajista Nokie Edwars, dando como resultado una de las bandas instrumentales más populares en Estados Unidos, Inglaterra y Japón.
Su estilo y la música es ciertamente única y muchos de los mejores musicos de los 60 y 70 reconocen su influencia. Con una carrera de casi 50 años sus registros son espectaculares, 100 millones de discos vendidos, 14 canciones en lo mas alto de las listas de muchos paises, más 37 LPs publicados junto a un sonido, estilo y su forma de interpretar las guitarras les permiten el ser considerados como una de las bandas mas influyente de la música contemporanea y creadores de la música Surf. Ingresaron al Salón de la Fama del Rock en 2008, me encanta Hawaii 5-0

Estos son algunos de sus exitos

Apache.

Batman Theme.
Guitar Twist.
Hawaii Five-0.
Riders In The Sky.
Percolator.
Pipeline.
Pulp Fiction.
Raunchy.
Sleepwalk.
The Enless Summer.
The Twilight.
James Bond.
Walk,Dont T Run.

Hace algunos años en una entrevista, Eddie Van Halen, indiscutiblemente uno de los mejores guitarristas en su estilo, hizo hincapié en que su carrera no se hubiera realizado si en los comienzos de su acercamiento a la música no hubiera escuchado un tema llamado Walk don’t run (Camina, no corras), interpretado por un grupo instrumental llamado The Ventures.

Cuenta Eddie que la canción la tocaba todos los días durante varias horas hasta que le saliera igual a la grabación, y fue así que se animó a dedicarse a la guitarra. Para mucha gente joven el nombre de The Ventures quizás no diga nada, pero quiero contarles sobre esta banda formada básicamente como dúo a finales de los años 50’s en Seattle, Washington.

Don Wilson y Bob Bogle se conocieron trabajando para una compañía constructora, compartieron su interés en la guitarra y comenzaron a tocar juntos. Ocasionalmente usaron un baterista y tocaban varias horas de temas conocidos mas un poco de música country. Conocieron a Nokie Edwards mientras hacían un show local de televisión y lo invitaron a unirse a ellos en el bajo. Posteriormente conocen al baterista Howie Johnston en un local nocturno y el grupo se completó.

Luego de varios nombres en el camino se quedaron como The Ventures. Siempre tuvieron confianza en su música y decidieron comenzar su propio sello Blue Horizon Records, más tarde alcanzarían distribución nacional con Dolton Records al lanzar el instrumental Walk don’t run y ser difundidos por la más grande estación de Rock & Roll (KJR) de Seattle.

Bob y Don recuerdan cómo la legendaria canción llegó a ellos: “La encontramos en un álbum de Chet Atkins. Cuando comenzamos a aprender a tocar, empezamos a comprar discos de guitarra para escucharlos. Fue en un álbum llamado Hi Fi in Focus. Un guitarrista de Jazz llamado Johnny Smith escribió la canción pero nunca habíamos escuchado su versión. Dice que el título se lo puso por una señal que vio en el subterráneo de Nueva York. Si pones la versión de Chet Atkins junto a la nuestra, no la reconocerías siendo la misma canción, él tocaba con un estilo muy avanzado”.

“Cuando la grabamos, fuimos al único estudio que existía entonces en Seattle. Era considerado un estudio comercial donde tenía dos grabadoras Ampex de dos canales. Su nombre era Joe Boles y lo llamaban Boles Studio. Pusimos la rítmica y la batería en una pista, y el bajo y la primera en la otra, ¡y eso fue lo que conseguimos!”.

Con un tema éxito en su crédito, los muchachos fueron a grabar su primer álbum titulado apropiadamente Walk don’t run. Era una mezcla de temas éxitos y material original, una fórmula que emplearían a través de su carrera.

Si logran conseguir la portada de este primer álbum, les cuento que no son The Ventures los que aparecen ahí porque cuando hicieron el primer disco no había ninguna foto de ellos, ya que estaban en gira. En su lugar usaron una fotografía de gente que trabajaba en el almacén en los bajos de la compañía de discos Liberty, su distribuidora a nivel nacional e internacional. Les pusieron anteojos oscuros y los tomaron como cayéndose encima del equipo de sonido, y pusieron además una modelo caminando en la parte de enfrente para que nadie notara sus caras. En 1964, hicieron una parodia de la portada antigua cuando lanzaron el Walk don’t run Volumen II, y esos sí eran ellos en la portada.

Para hablar de The Ventures necesitaríamos muchas bitácoras pero quiero recordarles para terminar, que entre el legado histórico que dejaron en la música, The Ventures fueron los primeros en usar la distorsión (Fuzz Box) el 23 de Febrero de 1963 en el tema “The 2000 lb Bee”.

The Easybeats en la TV australiana

2011-10-22T17:42:00.019+02:00

The Easybeats fue una banda de rock and roll de Sídney, Australia, fundada a finales de 1964 y disuelta a finales de 1969 y son recordados como la mayor agrupación australiana en la década de los 60 y la primera de dicho género pop de ese país en lograr un hit a nivel internacional, con su clásico de 1966 "Friday on My Mind" (previamente el grupo folk-pop , The Seekers, tuvieron éxito internacional en 1965 con otro estilo musical). Aunque no pudieron repetir el gran éxito que lograron en su país adoptivo (Australia), si tuvieron una importante repercusión en Europa con su enérgico pop rock de garaje con influencias rhythm and blues, pop barroco y música psicodélica.
Esta es parte de una actuacion de la banda en un famoso programa de la TV australiana llamado Bandstand que se proyecto en ese pais de 1958 a 1972 en los estudios de TCN en Sidney, el video presenta un pequeño defecto de sincronización de la voz con el audio, seguro que las hermosas chicas go-gos lo compensaran sobradamente.

The Easybeats

A pesar de que la alineación de The Easybeats no era íntegramente australiana (aunque ante la historia se califique como de ese país), si fue muy influenciada por la migración europea hacia la sociedad de Australia de la post-guerra.
Los cinco miembros fundadores fueron originarios de familias que migraron a dicha nación desde Europa: el cantante Stevie Wright (1948-Leeds) y el baterista Gordon "Snowy" Henry Fleet (1946-Liverpool) son provenientes de Inglaterra; el guitarrista rítmico y pianista George Young (1947-Glasgow) es nacido en Escocia; el guitarrista principal Harry Vanda (1947-La Haya) y el bajista Dick Diamonde (1947-Hilversum) originarios de los Países Bajos.

La composición de los temas en su casi totalidad correspondió a la creatividad del dúo Young-Vanda. Wright también contribuyó en una buena parte de las canciones.
Ellos coincidieron en la escena musical de Sydney cuando eran estudiantes, lugar donde hicieron una breve carrera inspirados en bandas británicas de moda de la época, y utilizaron por algún tiempo el nombre de "Starfighters", hasta adoptar el definitivo "The Easybeats", nombre sugerido por Snowy.
Después de definir su sonido y construir un nombre reconocido alrededor de Sydney, a finales de 1964 el grupo fue contratado por Albert Productions, y, bajo la licencia de la división australiana de la etiqueta EMI Parlophone y con Ted Albert como productor, escribió y grabó 20 canciones originales, con un sonido fresco y vigente con las tendencias musicales.

Su mayor éxitoThe Easybeats para 1965 fueron un fenómeno en su país natal y editaron su primer LP llamado Easy, en septiembre de ese mismo año. Se considera un buen album en el cual se nota su influencia por el beat británico. En este disco destacan "For My Woman", "She's so Fine", la balada "Girl on my Mind" y el tema compuesto por Snowy "I'm Gonna Tell Everybody".
Durante 1965 y 1966 el grupo edita un éxito tras otro en Australia, con sencillos como "Wedding Ring", "Sad and Lonely and Blue", "Women", "Come and See Her", "I'll Make You Happy", "Sorry", entre otros y también edita los LP's It's 2 Easy y Volume 3.
En un inicio, las composiciones fueron primariamente escritas por Stevie Wright en colaboración con George Young, con características copiadas del sonido de Liverpool, en particular de sus primeros álbumes.
"For My Woman", su sencillo debut, se lanzó en marzo de 1965, en un estilo de un punk bolero de garage, presentando a Wright en una especie de lamento o agonía, acompañado por un ritmo cadencioso blues en las partes de guitarra, aspecto que recuerda a los Kinks en sus inicios.
“She´s So Fine”, su segundo sencillo, salió a la venta dos meses después, llegando al número 1 en listas de su país.
Su primer álbum, llamado Easy salió a la venta en septiembre de 1965, altamente influenciado por los Hollies (especialmente en el estilo musical de la guitarra de Tony Hicks), y en menor grado, inspirado en Los Beatles.
La combinación de la potente voz de Wright, y la energía instrumental de sus compañeros, hicieron de Easy uno de los mejores álbumes que llegaran con la Invasión Británica. Aún hoy en día se sigue editando oficialmente fuera de Australia.
Esta situación los convirtió en los verdaderos reyes del rock and roll de su nación, para el verano de 1965, con 8 temas en el Top Ten de sencillos, en sólo año y medio.
Su segundo y tercer álbumes It´s 2 Easy y Volume 3, fueron bastante similares en su concepción al anterior, aunque a partir del segundo, la banda decide hacer un cambio en las composiciones. Es bastante probable que si no se cambiara la dupla compositora Wright/Young los temas habrían sido bastante similares, hasta mediados de 1966, cuando cambian a Vanda y Young, que realizaron mayores experimentaciones y complejidades en el estilo y sonido.

The Easybeats ya son nombrados popularmente como los Beatles australianos, pero su manager, un tipo sagaz y ambicioso, quería que sus chicos triunfaran también internacionalmente, con todo esto el grupo viajó a finales de 1966 a Londres, Inglaterra, donde grabaron junto al famoso productor Shel Talmy un tema que arrasaría y se convertiría en un clásico de los años 60, el monumental "Friday on My Mind". La canción fue grabada bajo la etiqueta United Artists Records y lanzada en Estados Unidos el 17 de noviembre de 1966. "Friday on My Mind" fue el tema principal del álbum del mismo nombre, publicado hasta mayo de 1967 en el Reino Unido, Alemania y Estados Unidos. Para el resto del mundo, se incluyó previamente en enero de 1967 en su primer recopilatorio, The Best of The Easybeats + Pretty Girl.

Esta canción, atribuida a Vanda y Young sería un rotundo éxito llegando al número 1 en Australia, al 6 en el Reino Unido y al 16 en los Estados Unidos. También sería un éxito en media Europa (Top 10 en Alemania, Países Bajos, Francia e Italia), y llegó a vender más de un millón de copias alrededor del mundo. Esta será la única canción con la que se les conoció en América, curiosamente asociada a la corriente denominada como “Invasión Británica”.
Dentro de las versiones más conocidas, se cuenta la de David Bowie, que la incluyó en su álbum Pin Ups (1973), mientras que en 1977 la banda punk London introdujo el tema en su EP Summer of Love para MCA Records
Otros temas brillantes del LP son "Remember Sam", "Happy is the Man" y "Pretty Girl". En 1967 editaron un sencillo llamado "Heaven and Hell" el cual es censurado en Estados Unidos y en las radios inglesas. Este contratiempo los obligó a cambiar una línea de la canción, aunque no impidió que permaneciera inadvertida para el gran público. "Heaven and Hell" nunca apareció en un álbum de estudio oficial, a excepción de recopilaciones de éxitos posteriores.
The Easybeats estuvo siete meses en Inglaterra entre 1966 y 1967, escribiendo nuevas y más ambiciosas canciones dirigidas a nuevas audiencias, más notablemente en Alemania, donde fueron recibidos con entusiasmo que rivalizaba con sus presentaciones australianas. Posteriormente, hicieron algunas apariciones en vivo en algunas cadenas de televisión europeas.
La banda regresó a Australia en mayo de 1967 para un tour nacional, marcado por el punto máximo de su popularidad. Desgraciadamente, éste fue el último éxito importante que lograron en su carrera, para luego retornar a su base de operaciones en Londres a finales de ese mismo año.
En 1968 el grupo edita su obra maestra, el álbum Vigil, en el cual Vanda y Young alcanzan el nivel de genios compositivos. Destacan "Good Times", "Hello How Are You", "Come in You'll Get a Pneumonia" y "Land of Make Relieve".
Sin embargo, la banda empezó a perder coherencia en su sonido original y los miembros empezaron a tener diferencias entre sí. Durante este período de extrema experimentación y complejidad musical, destacan temas de gran originalidad y distintos a lo que se escuchaba en la escena rock del momento.

Al año siguiente, el grupo endurece su sonido y se centra más en un Rock ácido, muy propio de finales de los 60. Con este estilo editan su último LP Friends, con temas como "Rock and Roll Boogie", "Who are my Friends", "Can't Find a Love" y "St. Louis" que sería su último single, el cual estaría en las listas americanas.
Para mediados de 1969, The Easybeats eran una sombra de lo que fueron, y su música dejó de ser interesante para muchos fans. Con un trabajo muy similar al de los Tremeloes, bastante agradable pero nada comparable con la clase de sus grabaciones, apenas dos años atrás.
El batería Snowy Fleet había dejado el grupo en 1967 por razones familiares y había sido sustituido por Tony Cahill, al igual que Dick Diamonde, sustituido brevemente por Brad Jefferson en el bajo.
Sus excelentes composiciones no terminaron de calar en el público británico y aún en menor medida en el de Estados Unidos, y su último disco no tuvo las ventas esperadas.
La banda regresó a Australia definitivamente para un tour final, después de que Harry Vanda y George Young decidieran escribir canciones separadamente para otras agrupaciones de su país.
Tras esto el grupo se separó a finales de 1969. Vanda y Young se dedicaron a producir a músicos como AC/DC, John Paul Young (artífíces del hit "Love Is In The Air"), y al propio Stevie Wright. Muchos años más tarde este dúo compositivo se estableció como Flash And The Pan, y conseguirían un éxito local con "Waiting For The Train".
Stevie Wright formó en 1969 la banda Rochette y representó el musical australiano de Jesus Christ Superstar entre 1971 y 1973.
En abril de 1974 coescribió, junto a sus dos ex-compañeros de The Easybeats su álbum debut como solista, Hard Road, que llegó al número 5 en su país, y contenía su mayor éxito “Evie”, que llegó al número 2.
Otras bandas que conformó fueron All Stars, The Stevie Wright Band y Hard Rain. Su carrera estuvo marcada y limitada por el abuso de las drogas, hasta retirarse oficialmente de los escenarios en 1992, por motivos de salud.
Para el año 1986, The Easybeats con sus miembros originales se reunieron para realizar una serie de conciertos por Australia, para nunca volver a encontrarse. La exitosa gira nacional duró 6 meses, a partir de octubre de dicho año.
Fuente

The Easybeats en la TV australiana

Muere Barry Feinstein, verdadero icono de la fotografia de los años 60

2011-10-22T15:00:00.014+02:00

Hoy navegando por la red he leido que el fotógrafo Barry Feinstein murió en la madrugada del jueves en un hospital de Nueva York por causas naturales, tenía 80 años. En las décadas de los sesenta y setenta, Feinstein retrató a las principales figuras del rock. Sus fotografías ilustraron las portadas de discos como “The Times They Are A-Changin’”, de Bob Dylan; “Pearl”, de Janis Joplin; “Beggars Banquet”, de los Rolling Stones; o “All Things Must Pass”, de George Harrison. En 1966 acompañó a Bob Dylan en su gira eléctrica. Eric Clapton, Miles Davis, Marlon Brando, Marlene Dietrich, Frank Sinatra, Steve McQueen, Judy Garland, John F Kennedy y Richard Nixon son algunos de los artistas y políticos que también posaron para Feinstein. Uno de sus últimos trabajos fue el cartel del documental de Martin Scorsese “No Direction Home”, de 2005.

"Hacer fotografía editorial tiene mucho que ver la suerte", dijo una vez en una entrevista para una retrospectiva de su trabajo en Los Angeles en la galería Morrison Hotel en Nueva York, seguro que el tenia mucha de esa suerte pues nos ha dejado maravillosas fotografias.

Feinstein es el tercer gran fotógrafo de la escena del rock de los años 60 que nos deja en los últimos dos años, después de que Jim Marshall nos lo hiciera en marzo del año pasado a la edad de 74 años y Robert Whitaker el mes pasado a los 71, grandes artistas de la imagen y que han tenido su sitio en este Blog.

Estas son algunas de sus fotografias :

Fotografias Barry Freinstein.

Stairway to Heaven - Led Zeppelin

2011-10-18T16:11:00.014+02:00

Un gran tema y una gran banda, Los Zeppelin lograron verdaderos exitos en su carrera (1969-1980), con unos musicos excepcionales como Jimmy Page, un guitarrista que había participado como sesionista en cientos de grabaciones y es considerado uno de los guitarristas de rock más inspirados que existieron.
Robert Plant, un cantante nuevo y poseedor de un estilo sorprendente y una gran voz, John Paul Jones, uno de los músicos más completos de Inglaterra, que tocaba el bajo, la guitarra, la mandolina, el piano, Los teclados y la flauta, y John Bonham uno de los baterias mas personales de sus epoca.
Ellos nos regalaron este tema que empieza con lentas, armoniosas y delicadas notas, con una voz increible de Robert Plant, la creatividad en la guitarra de Jimmy Page con un excelente "solo de guitarra", la habilidad de John Bonham en la bateria, el sólido marcado del ritmo de Paul Jones en el bajo, ellos lograron que su tema "Stairway to Heaven" fuera considerado como uno de los mejores temas de la historia de la música.

"Stairway to Heaven" (Escalera hacia el cielo) es una canción del grupo de rock británico Led Zeppelin, compuesta por el guitarrista Jimmy Page y el cantante Robert Plant e incluida en el cuarto trabajo de estudio de la banda, Led Zeppelin IV. Está considerada por muchos como uno de los puntos culminantes de la historia del rock. Es una de las canciones más solicitadas en las emisoras de radio de los EE. UU., aunque no se ha publicado nunca en sencillo. El enorme éxito de la canción y la negativa de la banda a editar esta canción en sencillo ha podido contribuir a que Led Zeppelin IV sea uno de los álbumes más vendidos de la historia. No está enteramente claro si el título de la canción está inspirado en el título de una película. En las famosas revistas Guitar World y Rolling Stone, el solo de guitarra en La menor creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia, también la marca de instrumentos Gibson colocó este como el mejor en su lista de "Los Mejores 50 solos de la historia".

"Stairway to Heaven" fue publicada el 8 de noviembre de 1971 en el disco Led Zeppelin IV, el cuarto trabajo de la banda. Las malas críticas recibidas por Led Zeppelin III hicieron que Page no incluyese ni el título del álbum, ni el nombre de la banda, ni el logo de Atlantic Records en la portada: "Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: '¡Saquemos un álbum sin título!' De ese modo, a la gente le gustaría o nada". En esta portada aparece el cuadro de un hombre cargado de leña con desconchados en las paredes. En una de las viviendas que se observan al fondo de la imagen aparece la frase: "Alguien muere de hambre cada día" en un cartel blanco. En el interior del álbum aparecen cuatro símbolos que se corresponden con cada uno de los miembros de la banda, y la representación de El Ermitaño, una de las cartas del tarot que otorga sabiduría, autosuficiencia y precaución. De estos cuatro símbolos, todos tienen su explicación excepto el relacionado con Page, sobre el que hay varias teorías acerca de su significado, aunque ninguna de ellas fue nunca confirmada por el guitarrista inglés.

La canción, al igual que la mayor parte de las canciones del álbum, fue compuesta en Headley Grange, una mansión de estilo victoriano sin electricidad pero con buena acústica situada en la ciudad inglesa de Hampshire. De acuerdo con Page, la música fue escrita por él a través de un largo período de tiempo y habría comenzado a idearse en Bron-Yr-Aur, una cabaña semiabandonada del interior de Gales en la que la banda grabó el álbum Led Zeppelin III. Después de acabada la composición completamente, fue grabada en diciembre de 1970 en los estudios Island de Londres.

Plant describe el proceso de la creación de la letra en Headley Grange: "Yo estaba sentado con Page en frente del fuego en Headley Grange. Page había compuesto algunas notas y entonces las tocó para mí. Tenía lápiz y papel y por alguna razón me sentía de muy mal humor. Entonces de repente mi mano comenzó a escribir las palabras. Sólo me senté ahí y observé las letras, y cuando las oí casi salté de mi asiento".

En esta letra aparece mencionada una dama de la que no se conoce su identidad. Page, al ser preguntado por ella, respondía que ella es Julie Condon, no se sabe si de modo sarcástico o veraz. Algunas fuentes citan a esta mujer como la Reina de Mayo, la que suele presidir las fiestas de primavera, aunque Plant daría una explicación al respecto: "Lo que es, es el comienzo de la primavera, cuando los pájaros hacen sus nidos, cuando empiezan la esperanza y el nuevo año. Y no tiene nada que ver con esas cosas raras que se leen en América".

Acusaciones de satanismo"Stairway to Heaven" ha sido acusada de contener mensajes satánicos cuando se reproduce hacia atrás aproximadamente en la mitad de la canción, dando como resultado el siguiente mensaje: "Oh here’s my sweet Satan. The one whose little path would make me sad, whose power is Satan. He’ll give you 666, there was a little toolshed where he made us suffer, sad satan". Este mensaje, en su traducción al español, significa:

Oh aquí está mi dulce Satán. Aquel cuyo estrecho camino me hiciera triste, cuyo poder es de Satan. Él te dará 666, había un pequeño cobertizo donde él nos hacia sufrir, triste Satán".
Esta afirmación fue negada por los miembros de la banda. Robert Plant, cantante y compositor de la letra de la canción, manifestó:

"En primer lugar, ¿A quién se le hubiese ocurrido eso? Tienes que tener mucho tiempo libre para siquiera considerar que alguien pueda hacer eso. Y especialmente con 'Stairway to Heaven', estábamos tan orgullosos de ella, y sus intenciones son tan positivas. La sola idea me parece sucia, pero es muy americano, en ningún otro sitio del mundo nadie se lo ha planteado o se han preocupado por ello. Si los mensajes al revés funcionasen todos los discos llevarían 'compra este álbum' escondido".
Por su parte, después de la polémica formada alrededor de la banda por sus supuestas connotaciones ocultas, la discográfica Swan Song Records, fundada por la banda en 1974, negó todas estas acusaciones comunicando que sus vinilos "sólo giran hacia delante".

La comunidad científica se puso del lado del grupo inglés al admitir que es imposible descifrar un mensaje grabado al revés al escucharlo hacia delante. Sin embargo, la controversia consiguió superar estas acusaciones, ya que la letra de "Stairway to Heaven" es en algunas partes confusa, de las que no se ha conseguido aún extraer su significado completo. Sin embargo, la conexión entre la pieza y el satanismo adquiere fuerza al ser Jimmy Page un seguidor del ocultista Aleister Crowley, creador de la secta del Iluminismo Científico. El guitarrista británico compró la mansión de Crowley, Boleskine House, en el año 1970, situada en la orilla del lago Ness, en la que Crowley realizó rituales oscuros y orgías basadas en el sexo y en la ingesta de drogas. Cabe destacar, además, que Page poseía una librería llamada Equinox, nombre tomado de la revista homónima en la que Crowley divulgaba sus enseñanzas. En esta tienda, Page ofrecía material relacionado con el oscurantismo en general, pero tuvo que abandonarla después de introducirse en el mundo de la música. Tal fue la afición del guitarrista por Crowley que nombró a la compañía discográfica que creó en 1974, Swan Song Records, según uno de los pseudónimos que empleaba el oscurantista británico. En estos libros, Crowley enseñaba a sus seguidores cómo leer y hablar hacia atrás fluidamente.

No obstante, no se sabe con seguridad que Page realizase rituales oscuros durante su estancia en Led Zeppelin, aunque emplease Boleskine House para organizar desenfrenadas fiestas, al igual que su antiguo propietario. Al contrario de la creencia popular, "Stairway to Heaven" no fue compuesta en esta mansión, sino que fue ideada en un principio en Bron-Yr-Aur, una cabaña abandonada en el interior de Gales que fue acondicionada por el grupo para grabar el disco Led Zeppelin III. La canción fue finalizada en Headley Grange, Hampshire, y grabada en los estudios Island de Londres en diciembre de 1970.

Las posteriores tragedias que sufrieron los miembros de la banda suscitaron rumores satánicos alrededor de esta canción, que resultó ser una de las más conocidas de la banda. Además del supuesto mensaje escondido en la grabación de la pista, la leyenda cobró fuerza con la muerte del hijo de Plant, Karac Pendra, de una extraña infección estomacal, lo que unido al accidente que sufrió el vocalista en la isla de Rodas pocos años después provocó que se extendiese el rumor acerca de la conexión entre estos sucesos y la relación hacia el ocultismo de Page. Este rumor cobró aún más fuerza con la muerte tras coma etílico del baterista John Bonham en Boleskine House, que desembocó en la separación de sus integrantes.

Varias teorías, entre la que destaca la del profesor de la facultad de psicología de la Universidad de Londres Christopher French, afirman que la audición de fragmentos sin sentido o ambiguos, como es el caso de "Stairway to Heaven" en su reproducción hacia atrás, se basa en un efecto psicológico llamado pareidolia, según el cual se perciben estímulos cuyo significado es poco claro en sensaciones perfectamente definidas. Este fenómeno también está detrás de los avistamientos de OVNIs o de la supuesta imagen del diablo en el humo provocado por los atentados del 11-S.

No es ésta la única canción acusada de contener mensajes satánicos ocultos. Temas famosos como "Another One Bites the Dust" de Queen, "Imagine" de John Lennon, "Hotel California" de The Eagles, "Break on Through (To the Other Side)" de The Doors o "Revolution 9" de The Beatles fueron y son sospechosas de contener mensajes que fomentan el consumo de drogas, el satanismo o la violencia.

A pesar de que "Stairway to Heaven" no fue nunca editada en formato sencillo, alcanzó rápidamente un sonado éxito dentro y fuera del Reino Unido, y Led Zeppelin IV consiguió situarse como el cuarto disco más vendido de la historia con más de 23 millones de copias sólo en los Estados Unidos[16] (aún hoy vende más de 4.000 copias a la semana). Los primeros trazos del éxito comenzaron en la primera presentación en directo de la canción, el 5 de marzo de 1971 en el Ulster Hall de Belfast. En ella, después de escuchar la canción, el público se quedó en silencio, lo que hizo que Plant, ante esta situación, le dijese al resto de miembros del grupo: "Creo que vamos a eliminar esta canción del disco". Sin embargo, segundos después la congregación prorrumpió en aplausos pidiendo que se volviese a interpretar. Aunque esta anécdota nunca ha sido confirmada por los integrantes de la banda, la canción se convirtió en un fijo en los conciertos de la formación.[4] En un documental sobre la banda, John Paul Jones dijo que la audiencia ese día no estaba tan impresionada porque querían oír las canciones famosas, como "Whole Lotta Love".

Este tema es actualmente el más reproducido en las emisoras de radio de los Estados Unidos, habiendo sido solicitado en las radios de todo el mundo más de tres millones de veces. Su partitura es la más vendida en la historia de la música rock, con más de 1.2 millones de ejemplares.
Fuente

Letra en español

Hay una dama quien asegura que todo lo que brilla es oro
Y está comprando una escalera al cielo
Y cuando ella llega allí sabe si las tiendas están cerradas
Con una palabra ella puede obtener lo que vino a buscar

Mmmm.. oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Hay una señal en la pared pero ella quiere estar segura
Y sabes que a veces las palabras tienen dos significados
En el árbol por el riachuelo hay un pájaro que canta y dice
Que a veces todos nuestros pensamientos son un presentimiento

Mmmm... oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Hay un sentimiento que tengo cuando miro hacia el oeste
Y mi espíritu clama por salir
En mis pensamientos he visto anillos de humo a través de los árboles
Y las voces de aquellos que están parados mirando

Mmmm... oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Y se susurra que pronto, si nosotros llamamos la melodía
Entonces el flautista nos llevará a razonar
Y un nuevo día amanecerá para aquellos que están de pie
Y el bosque hará eco de risas

Y me hace preguntarme
Si hay bullicio en tu vallado
No te alarmes ahora
Es solo limpieza de primavera para la Reina de Mayo

Si hay dos caminos por donde puedes ir
Pero en la larga carrera
Aún hay tiempo para cambiar tu ruta

Tu cabeza está zumbando y no se irá porque no sabes
Que el flautista te está llamando a que te unas a él
Querida dama, no puedes oír el viento soplar y tu sabías
Tu escalera está en el viento susurrante

Y mientras nosotros seguimos bajo el camino
Nuestras sombras mas grandes que nuestras almas
Allí camina una dama que todos conocemos
Quien resplandece luz blanca y quiere mostrar
Como todo aún se convierte en oro
Y si tu escuchas muy atento
La melodía vendrá a ti al fin
Cuando todo es uno y uno es todo
Ser una piedra y no para rodar
Woe oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Hay una dama quien asegura que todo lo que brilla es oro
Y está comprando una escalera al cielo
Y cuando ella llega allí sabe si las tiendas están cerradas
Con una palabra ella puede obtener lo que vino a buscar

Y está comprando una escalera al cielo, uh uh uh.

Esta es una de las interpretaciones en directo de esta magnifica canción

Posters por la paz

2011-10-18T15:40:00.011+02:00

¿ Que hacemos nosotros cada dia por la Paz ?

Pensemos un segundo en los muertos, culpables e inocentes, en los mutilados, en los heridos, en los traumatizados, en los hogares destrozados, en el despilfarro de dinero, en el abuso por parte de unos, en las heridas que no cierran y el odio y el rencor que se siembra, el ejemplo que damos a las nuevas generaciones, la destrucción de tanto esfuerzo, en el hambre, en la pobreza, la contaminación, las minas y muerte y dolor que sigue apareciendo mucho tiempo después, en el largo camino a recorrer para recuperar una nación o una región.

No podemos detener una guerra, pero podemos luchar por un mundo mejor, no podemos evitar la violencia de género. Pero podemos aprender a respetar a los demás. No podemos acabar con las injusticias. Pero podemos ser justos. No podemos impedir que haya ricos y pobres. Pero podemos ser generosos. Si a la paz no a las guerras, os dejo unas imagenes de unos posters con mensajes pacifistas.

Posters por la paz.

Woodstock, la canción

2011-10-15T11:03:00.007+02:00

"Woodstock" . Es una canción acerca de la Música y el Arte de Woodstock de 1969, Joni Mitchell escribió la canción de lo que había escuchado de su entonces novio, Graham Nash , sobre el festival. Ella siempre lamento no haber asistido, todo se debió a que su representante le convenció para aparecer en el Show de tv Dick Cavett, perdiendo así la oportunidad de estar presente en uno de los festivales mas famosos de la historia de la música

Ella escribió esta canción en una habitación de un hotel de Nueva York, después de ver las noticias y los reportajes en la televisión del famoso festival. La canción más tarde pasó a ser un de los éxitos de Crosby, Stills, Nash and Young y Matthews Southern Comfort , este último alcanzando el puesto número 1 en la lista de singles del Reino Unido durante tres semanas en octubre de 1970, y número 11 en el Billboard Hot 100 . David Crosby, en una entrevista en el documental de Joni Mitchell: Woman del corazón y la mente , dijo que Mitchell había capturado el sentimiento y la importancia del festival de Woodstock mejor que nadie que había estado allí.

Letra
I came upon a child of God
He was walking along the road
When I asked him where are you going
This he told me
I'm going down to Yasgur's farm
Think I'll join a rock and roll band
I'll camp out on the land
I'll try and set my soul free

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

Then can I walk beside you
I have come here to lose the smog
And I feel just like a cog in something turning
Well maybe it's the time of year
Or maybe it's the time of man
And I don't know who I am
But life's for learning

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

By the time I got to Woodstock
They were half a million strong
Everywhere there was songs and celebration
And I dreamed I saw the bombers
Riding shotgun in the sky
Turning into butterflies
Above our nation

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

Ian Matthews es un histórico del Folck- Rock con una calidad reconocida. Trabajó con Fairport Convention en sus primeras producciones (su incorporación parece que se produjo en la misma época que la de Sandy Denny). Cuando Fairport se orientó más hacia la música de raices céticas y británicas, Ian formó su propia banda: Matthews Southern Comfort, más orientada hacia el folck-rock o country progresivo. Se marchó a EE.UU y allí ha desarrollado la mayor parte de su carrera. Sus posteriores discos los produce con su nombre: Ian Mathews.
Tiene una voz increible y sus arreglos son sumamente agradables al oido. En fin, lo mejor es oirlo y disfrutarlo con esta maravilla de canción, buen fin de semana amigos

"Atom Heart Mother" el quinto album de Pink Floyd

2011-10-10T20:16:00.008+02:00

Que os puedo decir de Pink Floyd, que es un mito ... que es magia celestial, que suenan como los ángeles , la verdad es que me faltan palabras para poder definir a esta gran banda de Rock, ya han pasado 41 años desde que Pink Floyd lanzó "Atom Heart Mother" en octubre de 1970, creo que se merecen que recordemos este acontecimiento y que mejor que unos vídeos donde podemos ver como la banda interpreta el tema que da lugar al nombre de este disco que fue todo un éxito en el Reino Unido, ya que encabezó las listas, pero que sólo alcanzó el número 55 en los EE.UU.. seguro que merecieron mas como así sucedió en la reedicion de 1994. Pero dejando esa introducción de lado, Atom Heart Mother es considerado por muchos una de las creaciones más grandes de la banda.

"Atom Heart Mother" es el quinto álbum de la banda británica Pink Floyd. Un trabajo que muestra un alejamiento del rock psicodélico para entrar en el sinfónico y el progresivo

Corría el año 1970 y la banda sostenía el sonido que años antes había logrado. Con la separación de Syd Barrett, los integrantes de la banda deciden seguir la carrera cuesta arriba.

La primera canción del disco llamada Atom Heart Mother, una composición musical en donde se muestra la perspicacia de los sonidos de cada uno de los integrantes. Este tema ocupa el primer lado entero del LP, repitiendo patrones de la banda por largas composiciones instrumentales. Esta pieza no iba a ser orquestada originalmente. Hasta el momento en que reunieron todo el trabajo realizado, la idea de orquestarla no surgió. Ron Geesin se encargó de la orquestación, y tuvo serios problemas con la banda. Abandonó el proyecto sin que fuera completado, y lo finalizó John Aldiss. Originalmente se iba a llamar The Amazing Pudding, pero era un título que no los convencía, Ron Geesin les sugirió a la banda que leyeran el diario para ver si les inspiraba un nombre. Nick Mason encontró una noticia sobre una mujer embarazada que había sido sometida a una operación de corazón, y tenía un marcapasos atómico, el título de la nota era Atom Heart Mother. El tema y el disco fueron bautizados. La canción está divida en partes debido a que en el momento en que fue editada se cobraban derechos de autor dependiendo de la cantidad de temas del disco.

Seguido a este se encuentra "If", canción acerca de la amistad y con quizá alguna referencia a Barrett.
A continuación la titulada "Summer '68", escrita por Richard Wright, es una crítica al estilo de vida de los músicos del rock, considerado por muchos fans como la mejor canción del disco. Cuenta con una extraña aportación orquestral un final suave.
Luego, venía la canción "Fat Old Sun" que poseía sonidos del blues escrita por "David Gilmour",de una letra dulce y coronada por un característico solo de guitarra al final.
Finalizando el disco se encontraba la canción "Alan's Psychedelic Breakfast", que se traduce como "El desayuno psicodélico de Alan"canción que combina pasajes instrumentales con sonidos de desayuno, y grabado en la cocina del propio Mason.En la canción se aprecian tres partes diferentes, con sonidos como cereales volcandose en un cuenco y huevos friendose.
En la tapa del disco se puede ver a una vaca en un campo. No contiene texto. La banda quería que la tapa de este disco fuera lo menos "Pink Floyd" y psicodélica posible. Hablaron con Storm Thorgerson, diseñador de la misma, y se dirigió a un área rural y fotografió lo primero que vio. Lulubelle III es el nombre de la vaca.
El disco fue grabado entre marzo y agosto de 1970, en los Estudios Abbey Road. Fue producido por Pink Floyd. El ingeniero de sonido fue Peter Bown, asistido por Alan Parsons. Fue editado en LP el 10 de octubre de 1970. Alcanzó el número 1 en las listas de Reino Unido y el número 55 en Estados Unidos. Fue certificado disco de oro en Estados Unidos en marzo de 1994. Una versión remasterizada digitalmente fue editada en disco compacto en 1994 en Reino Unido y en 1995 en Estados Unidos.
La edición original en LP contiene grabada en el surco final del disco, el ruido de una gota al caer, cuando el disco termina, al no levantarse la púa, se escucha caer una gota infinitamente.
En la re-edición en disco compacto de 1994 el disco viene acompañado de una tarjeta con dos recetas para desayuno, una en alemán y la otra en inglés. Las recetas parecen ser una especie de broma o exageración, las mismas incluyen por ejemplo: 1 camello mediano, 1 huevo, 250 cabezas de ajo, 1 cordero de primavera, etc.
Fuente
Heart Mother Suite aun se pueden apreciar rastros de psicodelia, sin embargo muy escasos, a lo largo de los 24 minutos de duración de la pieza nos encontramos con diferentes arreglos orquestados, que convierten esta pieza en un rock sinfónico por momentos caótico pero hermoso.

Pink Floyd - Atom Heart Mother Part 1/3 - Live In San Francisco - 1970

Pink Floyd - Atom Heart Mother Part 2/3 - Live In San Francisco - 1970

Pink Floyd - Atom Heart Mother Part 3/3 - Live In San Francisco - 1970

Singels 1971 número 36

2011-10-09T08:37:00.008+02:00

Bee Gees - How Can You Mend a Broken Heart

"How Can You Mend a Broken Heart" (en idioma español: ¿Cómo Puedes Reparar un Corazón Roto?) es una canción de The Bee Gees lanzada en 1971. La canción fue escrita por Barry y Robin Gibb en agosto de 1970, cuando los hermanos Gibb habían vuelto a reunirse luego de un período en el cual se habían separado. Ellos declararon que originalmente habían ofrecido la canción a Andy Williams, pero a última hora los Bee Gees la grabaron con sus voces y la incluyeron en el álbum de 1971, Trafalgar.

La canción fue grabada el 28 de enero de 1971 en Londres. La parte instrumental estuvo a cargo de: Barry Gibb (guitarra), Maurice Gibb (guitarra, piano, bajo), posiblemente Alan Kendall (guitarra), y Geoff Bridgeford (Batería), con cuerdas y viento-maderas controlados y conducidos por Bill Shepherd. Los cantantes son Robin (solo en el verso de apertura, Barry (solo en el coro y el segundo verso), y Maurice (se le une a Barry y Robin en la armonía de los coros). Fue lanzado como sencillo en mayo de 1971 después del álbum. El lado B del sencillo fue una canción que no fue lanzada en álbumes, "Country Woman", escrita por Maurice Gibb, grabada el 6 de abril por Maurice (guitarra, piano, bajo), Kendall (guitarra), Bridgeford (batería), y Shepherd (cuerdas y trompeta).

Al Green realizó un cover de la canción en su álbum de 1972 Let's Stay Together. La canción fue además hecha cover por Michael Bublé en 2003, con Barry Gibb cantando en la voz de fondo, en su álbum del mismo nombre Michael Bublé. La versión de Bublé alcanzó el Top 30 de la lista "Billboard Adult Contemporary". La cantante de jazz y pianista Diana Krall no ha grabado ésta canción, pero fue interpretada por ella en su tour de 2007.

La canción falló en alcanzar el UK Singles Chart, pero fue el primer sencillo de los Bee Gees en los Estados Unidos en llegar al #1 en el Billboard Hot 100, además alcanzó el lugar #4 en el "Billboard Easy Listening Survey".

Canción

Letra
I can think of younger days when living for my life
Was everything a man could want to do
I could never see tomorrow, but I was never told about the sorrow

And how can you mend a broken heart?
How can you stop the rain from falling down?
How can you stop the sun from shining?
What makes the world go round?
How can you mend a this broken man?
How can a loser ever win?
Please help me mend my broken heart and let me live again

I can still feel the breeze that rustles through the trees
And misty memories of days gone by
We could never see tomorrow, no one said a word about the sorrow

And how can you mend a broken heart?
How can you stop the rain from falling down?
How can you stop the sun from shining?
What makes the world go round?
How can you mend this broken man?
How can a loser ever win?
Please help me mend my broken heart and let me live again ..

Video

Aretha Franklin "Lady Soul" TV-Special 1968

2011-10-06T14:38:00.015+02:00

Aretha Franklin es famosa gracias a su apodo “Lady Soul” o “Queen of soul”, lo que viene a decir que está considerada como la reina del Soul. Para muchos, Aretha Franklin es una de las artistas más influyentes de la música contemporánea. Tal es así, que ha sido influencia directa de cantantes y artistas que hoy en día son estrellas del panorama musical, como Whitney Houston, Anastacia, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, Alicia Keys, Aaron Neville, y otros muchos.

Su influencia y su consolidación como artista en los años 60, fue aprovechada para luchar contra la discriminación racial, que por aquel entonces sufrían las personas de color, así como del movimiento de liberación femenina

Disfrutemos de la legendaria Aretha Franklin, y viajemos al inicio a su gira europea de 1968 en Estocolmo, Suecia. El sonido en el Audio un poco defectuoso durante el primer minuto o así (hay que tener en cuenta despues de todo que es una cinta de 1968), en canvio la parte del concierto en video es de bastante calidad.

Swedish TV broadcast of an awesome Aretha Franklin concert in Stockholm

"(You Make Me Feel Like) A Natural Woman"

"Come Back Baby"

"Dr Feelgood (Love Is A Serious Business)"
"Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)"
"I Never Loved A Man (The Way I Love You)"
Chain Of Fools"
"Respect"

Audio

1st show on '68 Europe Tour

1. Don't Let Me Lose This Dream >
2. Soul Serenade
3. Night Life >
4. Baby, I Love You >
5. Groovin'
6. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
7. Come Back Baby
8. Dr. Feelgood (Love Is A Serious Business)
9. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)
10. I Never Loved A Man (The Way I Love You)
11. Chain Of Fools >
12. Respect

Performers:
Russell Conway: Trumpet
George Davidson: Drums
Aretha Franklin: Piano, Vocals
Carolyn Franklin: Vocals, Vocals (Background)
Gary Illingworth: Piano

Aretha Franklin es mucho más que una gran voz. Con su trabajo para el sello Atlantic a fines de los '60 y principios de los '70, "Lady Soul" se convirtió en el estándar de cantante femenina: todas las vocalistas que surgieron desde ese momento hasta ahora fueron indefectiblemente comparadas con ella. Algunas han sabido honrar su legado, pero ninguna habría de superarla en carisma y talento.
Aretha comenzó su carrera cantando gospel. Grabó su primer álbum, The gospel soul of Aretha Franklin (1956), cuando tenía 14 años. Luego, fichada por el sello Columbia, tuvo algunos hits menores durante la primera mitad de los '60, pero -disconforme con el repertorio pop que se le imponía- dejó la discográfica y firmó con Atlantic. Allí se cruzó con una figura fundamental en su carrera: el productor Jerry Wexler. Decidido a rescatar su faceta soul, Wexler le hizo grabar su primer single ("I never loved a man (the way I love you)" en el estudio Muscle Shoals con músicos vastamente curtidos en el R&B. La combinación de la voz profunda e intensa de Aretha con el irresistible groove de la Muscle Shoals Sound Rhythm Section se convirtieron en una sociedad inseparable.
A fines de los '60, gracias a hits como "Respect", "Chain of fools", "Baby I love you", "I say a little prayer" o "Think", Aretha Franklin se convirtió en una de las artistas más exitosas de los Estados Unidos. Sus álbumes I never loved a man the way I love you (1967) y Lady soul (1968) son la "biblia" del soul vocal femenino. El secreto era -además de su apasionada interpretación- la inteligente elección del material, que alternaba temas originales con clásicos del gospel, blues y covers de artistas como los Beatles y Simon & Garfunkel.
En los primeros '70 supo mantener su suceso comercial y artístico con temas como "Spanish harlem" o "Day dreaming". Luego eligió otros rumbos: grabó un disco doble (Amazing grace, 1972) en el cual volvió a sus raíces gospel, para después volcarse a un sonido más pop que no la benefició. Desde ese momento ha logrado algunos hits ocasionales, en una carrera con altibajos que, de todos modos, suele volver a la buena senda. Prueba de esto es su trabajo de 2003, So damn happy, en el que suena vigorosa y contemporánea.

41 años sin Janis Joplin

2011-10-05T18:18:00.007+02:00

Ayer tal dia como hoy se cumplieron cuarenta y un años de la muerte de Janis Joplin. La artista norteamericana, nacida en Texas el año 1943, fue uno de los símbolos más importantes de la contracultura de los años 60. Formó parte de uno de los movimientos musicales más fructíferos del siglo XX, dando a luz discos tan memorables como Big Brother & the Holding Company, grabado con dicha banda y que, según la revista Rolling Stone, está entre los 500 mejores discos de toda la historia de la música.

Bien es sabido de la adicción a la heroína de esta gran cantante, autora de temas como Cry Baby. Poco antes de su muerte salió publicado su último disco, Pearl, que contiene canciones tan brillantes como Mercedes Benz o Me And Bobby McGee. La sobredosis de heroína que la mató dejó sorprendida a mucha gente de su entorno, que creía que Janis Joplin ya no consumía. De hecho, su muerte está rodeada de gran misterio, pues no se encontraron jeringuillas y la pureza de la droga era extremadamente inusual. Su muerte, junto con la de Jim Morrison, Jimi Hendrix o Kurt Cobain, ha sido una de las más sonadas en el mundo de la música y, particularmente, en el del Rock and Roll.

Joplin escribió: "Mercedes Benz", junto con el poeta Michael McClure y Neuwirth Bob, como una crítica social de cómo la gente relaciona la felicidad con el dinero y las posesiones materiales. La canción fue escrita originalmente como una especie de comentario negativos acerca de todas aquellas personas materialistas que ponen demasiado valor a cosas como un Mercedes-Benz. La canción en gran medida refleja la opinión de Joplin sobre este mundo.

Janis Joplin (1943 - 1970), su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada gran estrella del rock.
Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Los padres de Janis habían querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.
Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales. Rechazaba el racismo y se le acusaba de «amiga de los negros». A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.
Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Luego de este suceso, volvió a la música. Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda «Big Brother and the Holding Company», logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Chip Trealls. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos.
Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds, Otis Redding. Ya entonces aspiraba «a ser algo más que la reina de los hippies». Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado…
A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: «nada que siente tan bien puede ser malo». «Sólo quiero algo de paz».
En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo.
Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. «Cosmic Blues Band» sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Rolling Stone la denominó la «Judy Garland del rock».
Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que «hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola…» Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría «ojalá no hubieras nacido».
En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar «Pearl» con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.
Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco «Pearl», que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

Rory Gallagher - The beat club sessions 1971-72

2011-10-01T08:39:00.009+02:00

Trágicamente, el guitarrista y cantante de Rory Gallagher (2 marzo 1948 a 14 junio 1995), nos abandono demasiado pronto, y aunque nos dejó un gran legado bajo, su presencia única y maravillosa se encuentra a faltar entre el gran numero de fieles seguidores en todo el mundo y entre los que se encuentra un servidor.

Rory era un alma tímida, sencilla, un hombre de pocas palabras pero de sorprendente profundidad y gran integridad. Él era un hombre que nunca pondría en peligro sus creencias musicales, dirección, o lo que él creía correcto. Un hombre que era un guitarrista mucho mejor que muchos que han logrado un éxito más comercial.

Hace ya unos años que Rory nos dejó, pero el interés y amor por el hombre y su música ha crecido enormemente, disfrutemos de esta actuación en el Beat Club.

Rory no es ajeno a las cámaras y a las luces, Rory Gallagher fue un habitual en el programa de la televisión alemana "Beat Club" en los años 70, programa en el que apareció hasta cuatro veces en un plazo de dos años, una vez con su banda "Test" en 1970 y otras tres entre 1971 y 1972 para mostrar su material de sus dos primeros álbumes en solitario, estas sesiones en The Beat Club nos permiten disfrutar de la destreza de Gallagher con su guitarra así que no perdáis la ocasión de ver con que pasión y entusiasmo actúa este famoso pistolero irlandés en el escenario.

01 - Laundromat
02 - Hands up
03 - Sinnerboy
04 - Just the smile
05 - Used to be
06 - In your town
07 - Sould've learned my lesson
08 - Crest of a wave
09 - Toredown
10 - Pistol slapper blues
11 - Don't know where I'm going
12 - Going to my hometown
13 - I could've I had religion
14 - McAvoy boogie
15 - Hoodoo man
16 - Messin' with the kid

The Rolling Stones - Philadelphia Special II - American Tour 1972

2011-09-29T18:14:00.020+02:00

Los Rolling Stones realizaron su gira americana de 1972 para apoyar la publicaciçon de su album "Exile on Main Street" que para ellos significo un impulso a un nuevo territorio para la banda, tanto musicalmente como comercialmente.

Después de meses en Francia en el exilio, Keith Richards (después de ser expulsado de Francia por cargos de drogas) se fue a Los Ángeles y allí el álbum fue mezclado y finalizado para su lanzamiento en mayo de 1972. En este punto, un recorrido en orden. Los Stones no habían visitado Estados Unidos desde su desastre de Altamont en 1969 (que dio lugar a una mayor seguridad privada aviones, limusinas, y las etapas superiores para reducir el acceso público a la banda), y siendo la banda más grande de rock y que necesitan un poco de dinero, se pusieron a armar un viaje como ningún otro. Esta excursión no se trata de cambiar el mundo-se trataba de dinero, la fama, el cinismo, la celebridad y empujando los límites de cada manera posible. El "yo" Decenio había comenzado oficialmente.

Lo que siguió en junio y julio del '72 es una leyenda. El avión privado con el logo de la lengua famosa, la glamorosa celebridad parásitos, el cuerpo de prensa de viaje, la enorme cantidad de drogas, y una muy publicitada cuatro días orgía en la mansión Playboy de Chicago son algunos de los cuentos legendarios de salir de la gira. El recorrido fue cubierto por la prensa del día, como una elección presidencial. Lo que es interesante para mí es que en este momento la inocencia de la década de 1960, que de alguna manera de rock podía cambiar el mundo, fue desaparecido por completo. Los Stones lo mató. Los Stones eran ahora una empresa totalmente formado enormes en las ofertas de dinero asociado, merchandising, y multitud de abogados, los manipuladores, y consejeros espirituales. Esta excursión no se trata de cambiar el mundo-se trataba de dinero, la fama, el cinismo, la celebridad y empujando los límites de cada manera posible. El "yo" Decenio había comenzado oficialmente. Este es el audio de uno de los conciertos de esta gira,

PhiladelphiaSpecial II Recorded live at the Spectrum Sports Arena, Philadelphia, July 20/21, 1972,
Tarrant County Convention Center, Ft. Worth, Texas, June 24, 1972 and

1. Brown Sugar [00:03:42]
2. Bitch [00:04:24]
3. Rocks Off [00:03:46]
4. Gimme Shelter [00:04:41]
5. Dead Flowers [00:04:15]
6. Happy [00:03:07]
7. Tumbling Dice [00:04:49]
8. Love In Vain [00:06:18]
9. Sweet Virginia [00:04:05]
10. You Can't Always Get What You Want [00:07:57]
11. All Down The Line [00:04:01]
12. Midnight Rambler [00:10:08]
13. Rip This Joint [00:02:10]
14. Jumping Jack Flash [00:03:34]
15. Street Fighting Man [00:04:17]
16. Tumbling Dice [00:04:29]
17. Bitch [00:04:29]

El American Tour 1972, o también llamado S.T.P. Tour (por Stones Touring Party), fue un tour muy publicitado que The Rolling Stones realizó en los Estados Unidos y Canadá entre los meses de junio y julio de 1972.

Este tour se realizó seguido al lanzamiento del álbum Exile on Main St. el 12 de mayo. Pero esto llegó mucho más allá que una gira promocional cualquiera, más bien se convirtió en un gran evento cultural pop de la época. Llegaron con la reputación de ser "La mejor banda de Rock 'n' Roll del mundo", y la atención del público se centró en sus múltiples facetas que quedaron marcadas en la conciencia popular: como proveedores de crudo R&B llenos de energía y como el epítome de la decadencia bohemia, en comparación a los extintos y relativamente sanos Beatles. Al mismo tiempo, el cantante Mick Jagger es por ahora una glamorosa celebridad, que se había trasladado al jet set de la alta sociedad. En estos aspectos se entrelaza todo, por lo que la gira ha suscitado una gran atención de los observadores de la alta y la baja cultura.

Varios periodistas destacados fueron asignados a cubrir este gran evento. Truman Capote, quien no había publicado un trabajo importante desde A sangre fría el año 1966, pero que todavía se consideraba una celebridad del más alto nivel, fue enviado a cubrir la gira para la revista Rolling Stone con una buena amiga y miembro del Clan Kennedy, la princesa Lee Radziwill y su compañero, el artista Peter Hill Beard. Capote, que estaba borracho y frecuentemente bajo los efectos de los tranquilizantes, no tuvo buena relación con el grupo y abandonaron la gira en Nueva Orleans, para sólo cubrir el último show en el Madison Square Garden de Nueva York. Capote, aburrido, no terminó su trabajo titulado provisionalmente "It Will Soon Be Here". Rolling Stone recuperó el tema entrevistando a Capote acerca de la gira en 1973. Más aceptable fue el trabajo de Terry Southern, quien cubrió el evento para el Saturday Review y era amigo del guitarrista Keith Richards. Robert Greenfield escribió un documento sobre la gira titulado S.T.P.: A Journey Through America With The Rolling Stones que fue publicado en 1974. Greenfield ya había reporteado el 1971 British Tour para la Rolling Stone y se le concedió acceso exclusivo para cubrir los susesos más íntimos de la banda, pero luego fue relegado a la "presentación de informes adicionales" por el editor Jann Wenner (Timothy Crouse vivió una situación semejante durante la elección presidencial de EE.UU. en 1972) y fue reemplazado a último minuto por Capote.

Dicha cobertura no se limita a los medios impresos. Dick Cavett realizó un especial en televisión de 1 hora antes del termino de la presentación en Nueva York y describió como el bajista Bill Wyman fumaba marihuana. Capote, que habitualmente asistía a The Tonight Show Starring Johnny Carson y a otros programas de conversación, contaba todas sus desventuras en el camino. El reportero radial de Nueva York Alex Bennett también fue enviado para cubrir la presentación del Madison Square Garden.

Los Stones siempre mostraban su reputación "chicos malos" (que no solo era una hipérbole comercial), cuestión que tenía ciertos efectos en sus fans, ya que en buena parte de la gira hubo conflictos y violencia física. En el primer show, el 3 de junio en Vancouver, British Columbia, 31 policías fueron atendidos por heridas cuando más de 2.000 aficionados intentaron bloquear el Pacific Coliseum. En San Diego, el 13 de junio hubo 60 detenciones y 15 heridos durante los disturbios. En Tucsón, Arizona, el 14 de junio, un intento por parte de 300 jóvenes de derribar las puertas hizo que la policía usara gases lacrimógenos. La banda alojó en la Mansión Playboy de Hugh Hefner, y su estancia fue descrita por muchas fuentes como "cuatro días completos de orgías". Greenfield describó esta estancia como la "Manson paranoia". Hefner, quien no asistió a ningún concierto, pidió que no se filmara detalles del paso de los Stones por la mansión.

El show continuó en julio, y también continuaron los problemas. Hubo 61 detenidos entre la multitud que asistió el 4 de julio al RFK Stadium en Washington D.C.. El 13 de julio la policía tuvo que bloquear 2.000 tickets cuando los fans trataban de obtener acceso al show de Detroit. El 13 de julio, en el Montreal Forum hubo una serie de altercados que afectaron directamente a la banda: La explosión de una van que contenía alguno de sus equipos y la falsificación de más de 3.000 tickets que habían sido vendidos, con la consecuente llegada de fans y retraso de shows. El día siguiente las cosas no mejoraron, los Stones pelearon con el fotógrafo Andie Dickerman en Rhode Island, Jagger y Richards fueron enviados a la cárcel y el show del Boston Garden se tenía que suspender. El alcalde de Boston Kevin White, temeroso con un motín por parte de los fans les dio la libertad bajo fianza, con ello el show se realizó solo con un pequeño retraso. Dickerman presentó una demanda contra la banda por £ 22230 . La visita terminó con tres noches consecutivas en el Madison Square Garden, en la primera noche hubo 10 detenciones y dos policías heridos.

En menor medida, este viaje también tuvo enfrentamientos al interior de la banda, como el de la glamorosa esposa de Mick, Bianca Jagger y la compañera de Keith Richards Anita Pallenberg. Altamont todavía afectaba a la banda, incluso Jagger y Richards llevaban consigo una .38 Police Special por los rumores de amenazas de muerte por parte de los Hell Angels. En el último tiempo, los rumores de amenazas han sido rechazados y aclarados por Mick Jagger.[1]

Bobby Keys, quien acompañó a la banda durante la gira y además participó con Buddy Holly en los 50s fue despedido en la mitad del tour siguiente por sus problemas de alcohol.

El último show, el 26 de julio, coincidió con el cumpleaños de Jagger. Fue un show relativamente tranquilo y Ahmet Ertegün organizó una fiesta de cumpleaños que contó con la presencia de Bob Dylan, Woody Allen, Andy Warhol, Capote y Zsa Zsa Gabor donde se había invitado al músico Count Basie para amenizar el evento.

Efectos posterioresMuchos de los colaboradores y asociados a los Stones no sobrevivieron a la atmósfera de la gira. Marshall Chess, colaborador de la banda y jefe de Rolling Stones Records cayó en la adicción a la heroína y perdió más de treinta libras, continuando en actividad hasta su ingreso a una clínica de desintoxicación en 1977. El rigor de los viajes también perjudicaba la frágil salud de Nicky Hopkins, que también luchaba contra su adicción a las drogas antes de someterse a un tratamiento de purificación de la Iglesia de la Cienciología. El coordinador de publicidad Gary Stromberg quedo tán mal, que fue abandonado en un bote a las orillas de la Fire Island en Nueva York. Stromberg volvería a trabajar y tendría más complicaciones durante la primera gira americana de T.Rex. El jefe de iluminación Chip Monck experimentó con un nuevo sistema, lo que resultó un fracaso y disminuyó su reputación.

GrabacionesNunca apareció un álbum en vivo de esta gira, aunque incluso habían sido diseñado el arte del disco y se habían retocado ciertas grabaciones, las disputas contractuales con Allen Klein impidieron que se lanzara el álbum.

Se hicieron dos películas de la gira. La película Ladies and Gentlemen - The Rolling Stones! nunca fue lanzada en video o DVD y solo apareció en cines el año 1974.

Robert Frank (famoso por Pull My Daisy) realizó Cocksucker Blues, un inédito documental en cine de realidad con imágenes del concierto, interacción con Warhol, el grupo de Capote, uso de drogas, Jagger masturbándose y sexo grupal. Por orden de la corte, el documental solo puede ser visto en Estados Unidos si Frank o un agente que actúe en su nombre está presente. No obstante, Cocksucker Blues ha sido ampliamente pirateada a lo largo de los años
Fuente

Rolling Stones American tour 1972

Atlantic City Pop Festival 1969

2011-09-25T13:59:00.009+02:00

El Atlantic City Pop Festival se llevó a cabo en 1969 y duro tres días, el 1, 2 y 3 de agosto, se celebró en la ciudad de Atlantic City, New Jersey, dos semanas antes del más conocido festival de Woodstock. El festival es a menudo confundido con el Atlanta International Pop Festival (1969), que tuvo lugar durante la Cuarta semana de julio 1969. El festival tuvo una audiencia de 110.000 que pagaron 6 dólares por día o 13 dólares por el abono para las tres fechas. Esta vez, el sonido y las luces estuvieron casi impecables, pues los organizadores pusieron el máximo empeño en este lado de la producción, contando con la asesoría de dos grandes empresas (Altec Lansing y Electro – Voice) para ver el tema del audio y con el gigante General Electric para la iluminación. Este marco, tecnológicamente adelantado para la época, permitió el lucimiento de los artistas que partciparon el el y que como podréis ver fue impresionante, Jefferson Airplane, el gran maestro del blues B. B. King, el grupo instrumental Booker T. And The MGs, la genial cantautora Joni Mitchell, Dr. John, Iron Butterfly, el grupo británico Procol Harum (los de “Whitter Shade of Pale”), la increíble Janis Joplin, el rey del rock and roll Little Richard, un tempranero Santana (ojo, antes de Woodstock) y Canned Heat, entre otros. Lo que daríamos para poder asistir a un concierto como este, aprovecho la entrada para pediros que si alguien sabe o conoce de alguna grabación o vídeo de este festival deje algún comentario.

* American Dream
* Aum
* Booker T. & The M.G.s
* Tim Buckley
* Paul Butterfield Blues Band
* The Byrds
* Canned Heat
* The Chambers Brothers
* Chicago (as the Chicago Transit Authority)
* Joe Cocker
* The Crazy World Of Arthur Brown
* Creedence Clearwater Revival
* Crosby, Stills & Nash
* Dr. John
* Cass Elliot
* Iron Butterfly
* Jefferson Airplane
* Janis Joplin
* BB King
* Lighthouse
* Little Richard
* Lothar and the Hand People
* Hugh Masekela
* Buddy Miles
* Joni Mitchell
* The Mothers Of Invention
* Tracy Nelson & Mother Earth
* Procol Harum
* Buddy Rich
* Biff Rose
* Santana
* Sir Douglas Quintet
* Three Dog Night
* Johnny Winter

Atlantic City Pop Promo

Apenas hay algún video de este famoso evento, os dejo este de Janis Joplin y dos enlaces, donde se puede encontrar una imformación mas completa de este festival

Atlantic Pop Festival

Rock World

The Searchers - Pura Invasión Britanica

2011-09-24T12:21:00.011+02:00

The Searchers es considerado de los primeros grupos de la escena Merseybeat de Liverpool, una de las bandas más importantes de la British Invasion y una de las pocas bandas que pudieron estar a la altura comercial de The Beatles, en aquellos años 60's.
El nombre de la banda se tomó de la película de John Ford, del mismo nombre.
The Searchers fue una de las pocas bandas que supo competir y mantenerse vigente en varias escenas al mismo tiempo como en las del Pop, Merseybeat, Folk y el Rock.
Al igual que otras bandas ya mencionadas en Mod Peru, The Searchers hasta nuestros días no ha anunciado oficialmente su separación; pese a la baja de algunos de sus miembros.
Entre sus éxitos figuran canciones como: "Sweet for my Sweet", "Sugar and Spice", "When you walk in the room", "Goodbye My Love", "Take it or leave it" y por último, "Desdemona".

The Searchers fueron uno de los mas exitosos grupos surgidos del denominado merseysound, término aplicado a los conjuntos procedentes de Liverpool a principios de los años 60; pero mientras la gran mayoría de estos grupos se dedicaban a interpretar espléndidas canciones beat, el espectro sonoro de los Searchers iba mucho mas allá gracias a sus primorosas voces y su sensacional sonido de guitarras. Se podría decir que los Searchers fueron los precursores del Folk-Rock, mucho antes que los famosísimos Byrds.

La banda tiene ya su origen en 1960, cuando se dedicaban a actuar como grupo de acompañamiento del cantante Johnny Sandon; El grupo estaba formado por John McNally a la guitarra rítmica, Tony Jackson al bajo y voz, Mike Pender a la guitarra solista y voz, y Chris Curtis a la batería. La banda decidió ponerse de nombre The Searchers en homenaje a la gran película western de John Ford.

Al igual que los Beatles, la banda pronto emigra a Alemania, donde se dedican a actuar en el Star Club de Hamburgo. Allí la banda consigue una gran popularidad. Al regresar a Inglaterra, la banda sigue actuando para continuar perfeccionado su estilo.

Su primer sencillo sale al mercado en junio de 1963 y sería el cover del tema de los Drifters "Sweet for my sweet", la fantástica versión de los Searchers se dispararía como una bala hacia al número 1 de los charts ingleses, provocando la fama del cuarteto en las islas; tan solo un mes después, la banda ya editaba su primer Lp Meet The Searchers, un trabajo notorio que además contenía el tema "Love Potion number 9", que sería editado como sencillo en Estados Unidos y se convertiría en su mayor éxito allí, llegando al número 3 de las listas Billboard y que sumaba al grupo en en el carro de la llamada British Invasion. El siguiente sencillo de la banda sería "Sugar and Spice", que se colaba en el número 3 de los charts británicos y que ayudaba a mantener la enorme popularidad en Inglaterra; en diciembre de ese año editan su segundo Lp llamado igual que su reciente single.

En 1964 vuelven otra vez al número 1 con el tema "Needles and Pins", que además tambien se vendería bien en Estados Unidos (llegando al puesto 16), esta sensacional balada ha permanecido como uno de los temas mas celebrados y recordados del conjunto de Liverpool; el éxito de la banda seguía en aumento y en abril de ese mismo año consiguen su tercer número 1 en las islas con "Don't throw your love away", que también llega al 16 en Estados Unidos.

Los exitos para el grupo continuaron: "Someday we're gonna love again" (un tema que es puro pop de primera categoría), "When you walk in the room", esta canción ya contenía unas evocadoras guitarras de 12 cuerdas que presagiaban la llegada del folk-rock un años mas tarde; este sensacional tema fue otro éxito para la banda llegando al número 3. A finales de año editan un tema ya con plenas connotaciones folk, seria la genial "What Have They Done to the Rain", donde incluyen ya una sección de violines y cuerdas arropando sus magníficas voces, el tema llegaría al número 13.

Poco después sufren la baja de Tony Jackson, que deja el grupo, su sustituto sería Frank Allen. A partir de aquí la voz solista pasaría a Mike Pender. En 1965 siguen con sus exitos: "Goodbye my Love" (número 4), "Bumble bee" (número 21 en Estados Unidos), "He's Got No Love", "When I get home" (número 35), "Take Me For What I'm Worth" (número 12) y también editan los Lps: Sounds like The Searchers y Searchers Number 4.

Los Searchers nos han dejado para el recuerdo maravillosas canciones, maravillosas voces y maravillosas guitarras, y escuchar su música por mucho tiempo que pase, siempre sera Maravilloso. estos son algunos de sus mejores temas

Eric Clapton - Live In Belfast - 2004

2011-09-24T09:01:00.009+02:00

Eric Clapton es sin duda uno de los artistas más legendarios de la música, un verdadero dios de la guitarra, ahora tenemos la oportunidad de poder disfrutar de este magnifico concierto que tuvo lugar en Belfast, Irlanda el 24 de Abril del 2004, y que fue transmitido en directo por la BBC, lo qual es sinónimo de calidad, un concierto donde nos encontramos a una Eric en plena forma durante la gira de su álbum en homenaje a Robert Johnson, esta actuación en el Arena Odiddey fue todo un evento en su momento en Irlanda, toda vez que ya habian pasado 37 años desde la primera vez que actuo en esta ciudad, no pierdas la ocasión de oír algunos de sus exitos como "Layla", "Cocaine" o "I shot the sheriff"

Eric Clapton - guitarra, voz
Nathan East - bajo, voz
Chris Stainton - teclados
Steve Gadd - bateria
Doyle Bramhall II - guitarra, voz
Billy Preston - organo Hammond , teclados, Voz
Sharon White -voces
Michelle John - voces

Let it rain
Hoochie coochie man
Walk out in the rain
Bell bottom blues
I shot the sheriff
Milkcows calf blues
When you got a friend
They're red hot
Kind hearted woman blues
Got to get better in a little while
Have you ever loved a woman
Badge
Wonderful tonight
Layla
Cocaine

The Bee Gees- 'Massachusetts'

2011-09-18T08:30:00.014+02:00

Bee Gees son tres hermanos: el cantante, el guitarrista y el principal compositor. Nacieron en Austrailia y allí consiguieron sus primeros éxitos. Al volver a Gran Bretaña, de donde eran sus padres, aumentaron la formación del grupo con un guitarrista más y un batería. “New York Mining Disaster 1941" fue le primer exito tras volver a Gran Bretaña pero poco más tarde la canción número 1 fue Massachusetts que fue escrita y compuesta por los hermanos Gibbs ( Maurice, Barry y Robin) en 1967 como parte del repertorio del segundo disco de esta banda de Manchester llamado Horizontal que fue sacado a la venta en Enero de 1968.

En el aspeto musical esta balada cuenta con la mayor parte vocal interpretada por Barry Gibb, mientras que Maurice Gibb ayuda en los coros. La parte instrumental nos trae a Barry Gibb en la guitarra rítmica, Maurice Gibb a cargo del bajo, Vince Melouney en guitarra eléctrica y a Colin Petersen en batería. Ademas cuenta con un arreglo orquestal compuesto por el trombonista y director musical Bill Shepherd.

Originalmente Barry, Robin y Maurice Gibb escribieron esta canción para la banda australiana The Seekers. Pero esta banda de música Folk rechazó la idea por encontrarla poco comercial, sin embargo Los Bee Gees demostraron que esta balada conquistaría el mundo grabandola y cosechando buenas críticas.
Pero en el año 2003, luego de la muerte de Maurice Gibb , The Seekers deciden grabar Massachusetts como homenaje a él.

Pero la canción tambien tiene una triste historia adjunta al éxito y la fama de la banda. Según declaraciones de Maurice Gibbs, poco despues de haber grabado y publicado esta balada se le acercó en una presentación el manager de The Beatles: Brian Epstein y este le dijo que la canción era hermosa y que sería, sin lugar a dudas, el éxito de ese verano. Estas palabras fueron dichas horas antes del 27 de agosto de 1967, que es el día donde misteriosamente ocurre el fallecimiento de Epstein (no se sabe si fue abuso de drogas o un suicidio).

Feel I'm goin' back to Massachusetts,
Something's telling me I must go home.
And the lights all went out in Massachusetts
The day I left her standing on her own.

Tried to hitch a ride to San Francisco,
Gotta do the things I wanna do.
And the lights all went out in Massachusetts
They brought me back to see my way with you.

Talk about the life in Massachusetts,
Speak about the people I have seen,
And the lights all went out in Massachusetts
And Massachusetts is one place I have seen.

I will remember Massachusetts...

The Who - Magic Bus

2011-09-17T08:43:00.006+02:00

Un dia como hoy hace 43 años se publico el disco "Magic Bus" de The Who, creo que uno de los secretos del éxito esta banda reside en que sus cuatro componentes: Roger Daltry (vocalista y harmónica), Pete Townshend (guitarrista, teclista y vocalista), John Entwistle (bajista y vocalista) y Keith Moon (batería), eran músicos muy buenos, auténticos virtuosos con sus instrumentos. Si a esto le añadimos su originalidad y genialidad a la hora de componer, el resultado es perfecto, tanto en las grabaciones de sus discos, como en las actuaciones en directo de sus inolvidables conciertos por todo el mundo. No puedo dejar sin mencionar a Kenny Jones, el extraordinario batería del grupo Faces, que substituyó al malogrado y desaparecido Keith Moon, víctima de las drogas y del alcohol, os dejo esta entrada para recordar la publicación de este magnifico LP con la canción que lleva su nombre.

«Magic Bus» es una canción escrita por Pete Townshend paralelamente a «My Generation» en 1965, pero no grabada por The Who hasta 1968. Es una de las canciones más populares de la banda y ha sido un elemento básico en los conciertos. El disco alcanzó el puesto 26 en el Reino Unido y el 25 en los Estados Unidos.
El arreglo de la canción utiliza un instrumento de percusión latina llamado claves. Son un par de pequeños palos de madera que hacen un distintivo tono alto al ser golpeados. El grupo previamente utilizó el mismo instrumento en la canción «Disguises», grabada en 1966.
La canción hace uso del Bo Diddley beat. La canción no fue grabada por The Who en el momento en que fue escrita, pero el manager de la banda y los editores musicales distribuyeron un demo de la canción grabado por Townshend en 1966. Una versión de la canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido en abril de 1967 por una desconocida banda llamada The Pudding, en el Reino Unido por Decca y en los EE.UU. en London's Press label. Aquel sencillo no tuvo éxito.
La canción se interpreta generalmente con un dueto, donde un «pasajero», el cantante Roger Daltrey cuando es en vivo, se sube al autobús todos los días para ver a su chica. Este, le pide al «conductor», por lo general Townshend, si puede comprar su autobús. Este inicialmente obtiene una respuesta negativa por parte del conductor, pero finalmente, le permite tener el vehículo. El pasajero promete conducirlo a la casa de su novia todos los días.

Fue tocada por primera vez en 1968 y fue parte del set list de los conciertos entre 1971 a 1976 (incluso fue interpretada en algunas actuaciones en 1969 y 1970). Hizo apariciones menos frecuente a partir de 1979. En el video podemos oir este tema que esta sacado del legendario disco "Live at Leeds" que es el primer álbum en directo del grupo británico de rock The Who, publicado en 1970 y considerado como el mejor álbum en directo de todos los tiempos. Esta versión se extiende a casi ocho minutos, con Roger Daltrey uniendose a la parte instrumental con la armónica.

The Who - Magic Bus Live at Leeds 1970

Gram Parsons & Emmylou Harris - Love Hurts

2011-09-15T08:38:00.011+02:00

Esta es una de aquellas canciones que no te deja indiferente "Love Hurts" es una canción elegante, intensa y estremecedora donde las haya. Gram Parsons la cantó con Emmylou Harris en su disco de 1974 "Grievous Angel". Y también la han cantado otros duos como Norah Jones & Keith Richards, Emmylou Harris & Elvis Costello y artistas como, Roy Orbison, Little Milton, Don McLean, Cher, Pat Boone, Nazareth y otros, como veis este es un tema que ha sido muy versionado dada la calidad que tiene.

Se dice que desde el primer momento en el que Gram Parsons escuchó la voz de Emmylou Harris, supo que tarde o temprano acabaría grabando un tema con ella. Y ese tema finalmente fue ‘Love Hurts’, una pieza que con anterioridad ya habían registrado The Everly Brothers en 1960 y Roy Orbison en 1961, sin embargo esta canción escrita por el compositor Boudleax Bryant, alcanzaría todo su esplendor al encontrarse la voces de Parsons y Harris. ‘Love Hurts’ fue incluida en el disco póstumo de Parsons Grievous Angel, grabado dos meses antes de su muerte. Según palabras de Emmylu Harris, aquel dueto fue toda una revelación para ella. “Estuve junto a él muy poco tiempo, pero durante ese periodo todo tomo sentido para mí. Hasta que no le conocí no supe qué clase de música había en mi interior y entonces supe exactamente lo que quería hacer”.

Gram Parsons sólo participó en los dos primeros discos de The Flying Burrito, para despues lanzarse en una carrera en solitario. En el verano de 1972 graba su primer disco, titulado "G. P." en el sello "Reprise" con una banda de lujo: Emmylou Harris, James Burton (a la guitarra), Rick Grech al bajo, Barry Tashian, Glen D. Hardin, y Ronnie Tutt. Gram tuvo la idea de pedir a la leyenda del Country Merle Haggard que le produjese el disco, la invitación es declinada por Haggard, por lo que es Hugh Davis quien al final se encarga. Es a finales de año cuando se lanza el disco al mercado resultando en ventas muy bajas, pero es un éxito a nivel de criticas y resultando un disco espectacular en su momento.

El público en aquellos tiempos no estaba preparado para algo tan revolucionario, si lo aceptaron la gente que provenía del rock pero no los que venian del mundo Country mas conservador y reacio a experimentos musicales de ningún tipo.

No pierden tiempo y para fotalecer las ventas y darse a conocer la banda comienza una gira por toda California al final de la cual entran en estudio de grabación de nuevo para plastificar su segundo Lp titulado "Grievous Angel", es terminado de grabar a finales del verano de 1972, tomándose unas vacaciones la banda para tomar respiro y plantearse la nueva gira.
Se van todos juntos a "Joshua Tree" en California, donde Gram Parsons da de nuevo rienda suelta a su afición por los productos alucinógenos y el alcohol, toda su vida vivió al borde del abismo, jugando al escondite con la muerte y al final esta le encontró.
El 19 de septiembre de 1973 entra en coma por sobredosis de Morfina y Tequila, rápidamente es llevado al Hospital Yucca Valley, llegando muerto al hospital.
Gram Pasons habia dejado bien claro que en caso de muerte el quería que se le incinerase, pero las leyes restrictivas al respecto en el estado de California en aquellos tiempos negaron tal posibilidad, por lo que se dispuso todo para enterrarle en Nueva Orleans, donde había familiares suyos.
Hasta el final la historia de este genio es espectacular y como colofón el episodio de su muerte es digno de una película de suspense.
Es Phil Kaufman, road manager del genio, quien entra en el hospital y roba su cadaver, nunca se pudo demostrar la participación de ningún otro miembro de la banda, pero se supone que estuvieron implicados, el cadaver lo llevan al desierto de California en la zona de "Joshua Tree", allí todos reunidos le dan fuego en ceremonia clandestina. Con el tiempo y después de detener a Kaufman por el robo y cremacion del ataud, las autoridades los desenterraron y lo llevaron a New Orleans donde reposan sus restos en contra de su propia voluntad.

Emmylou Harris nació en Birmingham, Alabama. Su padre, un oficial de los marines, fue dado como desaparecido en la guerra de Corea. Harris pasó su infancia en Carolina del Norte y Woodbridge, Virginia, donde se graduó en el Instituto Gar-Field. Allí terminó los estudios con una mención de honor debido sus excelentes resultados, esto le reportó una beca escolar que le permitió ingresar en la Universidad de Greensboro en Carolina del Norte. Fue allí donde comenzó a estudiar música de forma profesional, tocando en su tiempo libre canciones de Bob Dylan y Joan Baez. Finalmente decidió abandonar la universidad para dedicarse a conseguir una carrera musical. Eligiendo la ciudad de Nueva York como destino, Harris comenzó a tocar canciones folk en los bares y cafés de Greenwich Village (una zona de Nueva York conocida por su cultura artística y bohemia) alternando los conciertos con su trabajo de camarera, que le permitía sobrevivir y pagar las facturas.

En el año 1969 se casó con su compañero Tom Scolum, también compositor y escritor de canciones. Al año siguiente grabó su primer álbum Gliding Bird. El álbum, compuesto por cuatro canciones originales de Harris y por temas de Bob Dylan, Hank Williams, y Fred Neil, tomaba este título en honor a la canción escrita por su marido, Scolum. Años más tarde renegaría de este álbum como su primer trabajo, tomando Pieces of Sky (1975) como su primer disco"oficial".

Poco tiempo después Harris y Scolum se divorciaron. Harris se trasladó a vivir con su hija a los suburbios de Maryland.

Poco tiempo después Harris volvió al mundo de la música como parte de un trio formado por Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche en 1971, los miembros del grupo country rock The Flying Burrito Brothers se encontraban como público escuchando la actuación de Harris y sus amigos. Chris Hillman, antiguo miembro de "The Byrds" quedó tan impresionado por el talento y calidad vocal de Harris que la invitó a formar parte de su banda. Al final, Hillman optó por recomendársela a Gram Parsons, quien por entonces estaba buscando una mujer vocalista que colaborara con él en su primer álbum en solitario GP. Harris realizó una gira como miembro de la banda de Parsons, "The Fallen Angels" (Los angeles caídos), en 1973. El tour fue un éxito y ambos artistas congeniaron positivamente. A finales de ese mismo año, Parsons y Harris decidieron embarcarse en un nuevo proyecto, la grabación de un álbum de estudio llamado Grievous Angel. El disco se vio interrumpido por la trágica muerte de Parsons el 19 de septiembre de 1973, debido a una sobredosis accidental de drogas y alcohol. El disco fue puesto a la venta al año siguiente. Algunos de los temas grabados con Harris no fueron publicados hasta años después, como es el caso del álbum Sleepless Nights publicado en 1976 o del álbum Live 1973, publicado en 1982.

La situación emocional de Harris tras el fallecimiento de Parsons era delicada. La colaboración de ambos artistas es una de las más importantes en la historia de la música country y country-rock. Parsons sumergió a Harris en el verdadero mundo de la música country, presentadola a artistas como The Louvin Brothers. Tras la muerte de Parsons, Harris compuso una de sus canciones más personales, "Boulder to Birmingham", que expresaba el dolor e injusticia que le provocaba el fallecimiento de Parsons. Era, como decía la amiga de Harris, Linda Ronstadt, el comienzo de un proceso de aceptación que le ayudaría ha asimilar lo que había pasado. La pérdida de Gram Parsons también quedaría reflejada en otros temas de la artista.

I would rock my soul in the bosom of Abraham
I would hold my life in his saving grace.
I would walk all the way from Boulder to Birmingham
If I thought I could see, I could see your face.

Gram Parsons & Emmylou Harris Live

Norah Jones & Keith Richards Live

Emmylou Harris & Elvis Costello Live