La música es sinónimo de libertad y el alimento del amor, por eso no podria entender la vida sin ella, seria un error. Llopdelblues
En este Blog voy a intentar que sea un sitio donde compartir, entretener y dar a conocer esa música que tanto amamos.
Marc es un programa de la televisión británica presentado por el el cantante de T. Rex Marc Bolan. Producido en Manchester por Granada Television para la red ITV .
Producido por Muriel Young y dirigido por Nicholas Ferguson, tuvo una duración de seis episodios semanales en el otoño de 1977, antes de que algunos de estos shows se emitieran Bolan habia fallecido en un accidente automovilístico el día 16 de septiembre de ese año. Mostrar la música pop , dando la oportunidad de exhibir nuevas bandas de musica punk , incluyendo a Generation X, The Jam and Eddie and the Hot Rods. Marc Bolan interpreta al menos tres canciones cada semana, una mezcla de nuevas versiones de sus viejos éxitos y pistas frescas - mientras los invitados se intercalaban -. No todos eran tan notables como los arriba mencionados, aunque también incluían a Roger Taylor, baterista de la banda de rock Queen, en una aparición en TV que se podria consdierar como un hecho muy poco frecuente. También se les unió un grupo de baile llamado el palpitar del corazón.
En el último episodio destaca una actuación de Bolan con su amigo David Bowie. Como anécdota explicar que en ella se produjo un incidente al tropezar Bolan con un cable de micrófono y caer del escenario.
El último concierto fue grabado el 07 de septiembre de 1977, pero no se emitió hasta después funeral el (20 de septiembre de 1977), que también asistieron David Bowie y Rod Stewart, entre otros amigos de Bolan.
Una compilación editada destaca con actuaciones de T. Rex sólo fue lanzada en el Reino Unido en DVD en 2005.
Os dejo cinco de los seis programas emitidos y que he encontrado en la red, por cierto que el sonido y la imagen son de excelente calidad, al final de esta entrada también podemos oír una emisión del programa de Rtve "La Madeja" donde nos hablan de este Marc Bolan, el príncipe del glam, menudo, moreno y muy coqueto, fue una estrella fugaz que subió hasta lo más alto y se desvaneció de golpe. Su estilo, sin embargo, deja una huella que llega hasta nuestros días.
1.Sing Me A Song - Marc Bolan with T. Rex
2.All Around The World I've Been Looking - The Jam
3.I Love To Boogie - Marc Bolan with T. Rex
4.Cool Wind From The North - Stephanie
5.No Russians In Russia - Radio Stars
6.Heart Throb's Dance (You Made Me Believe In Magic/ DCR)
7.Celebrate Summer - Marc Bolan with T. Rex
8.You Have What It Takes - Showaddywaddy
9.Jeepster - Marc Bolan with T. Rex
Show 2 31 August 1977
1.Show credits
2.Celebrate Summer - Marc Bolan with T. Rex
3.Hearts Throb dance (Roots Rock/ Desmond Decker)
4.If I Can Just Through Tonight - Alphalpha
5.You Made Me Believe In Magic - Bay City Rollers
6.New York City - Marc Bolan with T. Rex
7.Ride A White Swan - Marc Bolan with T. Rex
8.Just A Little Tenderness - Mud
9.People In Love - 10cc
10.Endless Sleep - Marc Bolan with T. Rex
Show 3 7 September 1977
1.Sing Me A Song - Marc Bolan with T. Rex
2.Groove A Little - Marc Bolan with T. Rex
3.Looking After Number One - The Boomtown Rats
4.You're My Baby - Jamie Wild
5.Let's Dance - Marc Bolan with T. Rex
6.Hearts Throbs Dance (Celebrate Summer/ Marc Bolan with T. Rex)
7.Get Your Love Right - Alan David
8.Quark Strangeness and Charm - Hawkwind
9.Hot Love - Marc Bolan with T. Rex
Show 4 14 September 1977
1.Show credits
2.New York City - Marc Bolan with T. Rex
3.Idolizer- Denis Conly
4.To Lane - Steve Gibbons Band
5.I Love To Boogie - Marc Bolan with T. Rex
6.Endless Sleep - Marc Bolan with T. Rex
7.Confessing - Robin Askwith
8.I Wanna Testify - Roger Taylor (Queen)
9.Dandy In The Underground - Marc Bolan with T. Rex
Show 5 21 September 1977
1.Sing Me A Song - Marc Bolan with T. Rex
2.Sunshine Of Your Love - Rosetta Stone
3.Heart Throbs Dance (Get On)
4.Bring Back The Love - Blue
5.Celebrate Summer - Marc Bolan with T. Rex
6.No Russians In Russia - Radio Stars
7.Dancing In The Moonlight - Thin Lizzy
8.Get It On - Marc Bolan with T. Rex
Show 6 28 September 1977
1.Show credits
2.Deborah - Marc Bolan with T. Rex
3.Your Generation - Generation X
4.I'm A Fighter - Lip Service
5.Heart Throb's Dance - Ain't it Strange)
6.Groove A Little - Marc Bolan with T. Rex
7.Ride A White Swan - Marc Bolan with T. Rex
8.Heart Throb's Dance (I Haven't Stopped Dancing Yet)/ Gonzalez (band)
9.Do Anything you Want To Do - Eddie and the Hot Rods
10.Heroes - David Bowie
11.Instrumental Jam with David Bowie and Marc Bolan & T. Rex
Banda surgida del Sur de Londres en los años 60 dentro del género de la psicodelia británica. Inicialmente el nombre del grupo era el de los Apaches, formada por Tim du Feu, Mike Brancaccio y Philip Fox y su amigo Ray Nye. Nye dejó la banda en 1965 y otro amigo se unió en su lugar Terry Schindler.
Grabaron uno de los mejores discos de rock psicodélico de la historia e iniciaron su andadura como conjunto mod a comienzos de los años 60 con el nombre de The Drag Set, The Open Mind fue un grupo inglés sin demasiada fortuna en su momento y una banda de culto entre los coleccionistas de discos por un vigor instrumental de infusión lisérgica realmente excitante.
Tras firmar por Phillips debutaron en 1969 en single con “Horses and Chariots/Before my time”, vinilo proseguido por “Magic Potion/Cast a spell”.
El tema “Magic Potion” es una de las mejores canciones psicodélicas jamás escrita (no demasiado aireada en las radios a causa de su presunto mensaje de drogas), incluida en su Lp “The Open Mind” (1969), una gema producido por Fritz Fryer, antiguo miembro del grupo británico de beat británico Four Pennies, quien produciría posteriormente a bandas como Steamhammer, Prelude o Motörhead.
El grupo, ante la ausencia de éxito, terminó separándose a comienzos de los años 70. A pesar de su escasez de material grabado, The Open Mind han demostrado su gran influencia en el género de rock psicodélico.
No os perdáis la ocasión de poder disfrutar de esta Poción Mágica
Esta noche he decidido dedicar una entrada a esta bella canción y que es una de mis favoritas de Pink Floyd, es una de esas canciones que describe al ser humano como pocas y nos hace ver que a veces las decisiones que tomamos no siempre son tan fáciles como nos creíamos. Seguro que todos desearíamos que alguien a quien quisimos estuviese aquí ..... cierra los ojos y escucha la canción.
Con el sonido lejano del punteo de una guitarra a modo de sonido radio comienza "Wish you were here". Una canción nostálgica que habla de lo ambiguo de las personas, de la vida, de lo complicado que es distinguir entre bueno y malo. Al comienzo de Pink Floyd Syd Barrett era el que más claro parecía tener las cosas, pero al final el mal camino produjo que fuera el que peor acabó. Sin embargo Roger Waters termina explicando en la canción a Syd Barret, que al final, los dos se encuentran en la misma situación, encerrados en un mundo que no entienden, hastiados y cansados, siempre con los mismos miedos. Roger Waters deseando que Syd Barret estuviese con él, pues así por lo menos se tendrían el uno al otro. Pura filosofía de amor.... Wish you were Here, canción incombustible que emociona sobremanera. Dicen que la perfección no existe y si existiera quizás no lo seria todo, siempre tendría que existir algo mas... algo de pasión, arrebato, delirio, entusiasmo, vehemencia, vida y mas....pero esta canción se acerca mucho a todo eso..... Y eso más que practicarse se debe sentir, se da el caso curioso que durante la grabacion, Barret se presentó en los estudios el 5 de junio mientras se grababa. A la banda le costó reconocerle por el peso ganado y su cambio de aspecto.
Con el sonido lejano del punteo de una guitarra a modo de sonido radio comienza "Wish you were here". Una canción nostálgica que habla de lo ambiguo de las personas, de la vida, de lo complicado que es distinguir entre bueno y malo. Al comienzo de Pink Floyd Syd Barrett era el que más claro parecía tener las cosas, pero al final el mal camino produjo que fuera el que peor acabó. Sin embargo Roger Waters termina explicando en la canción a Syd Barret, que al final, los dos se encuentran en la misma situación, encerrados en un mundo que no entienden, hastiados y cansados, siempre con los mismos miedos. Roger Waters deseando que Syd Barret estuviese con él, pues así por lo menos se tendrían el uno al otro. Pura filosofía de amor.... Wish you were Here, canción incombustible que emociona sobremanera. Dicen que la perfección no existe y si existiera quizás no lo seria todo, siempre tendría que existir algo mas... algo de pasión, arrebato, delirio, entusiasmo, vehemencia, vida y mas....pero esta canción se acerca mucho a todo eso..... Y eso más que practicarse se debe sentir, se da el caso curioso que durante la grabacion, Barret se presentó en los estudios el 5 de junio mientras se grababa. A la banda le costó reconocerle por el peso ganado y su cambio de aspecto.
Entonces,entonces crees que sabes distinguir
El paraíso del infierno
Los cielos azules del dolor
¿Puedes diferenciar un campo verde
De un riel de metal frío?
¿Una sonrisa, de una mascara?
Piensas que puedes diferenciar....
¿Te han traído para negociar
Tus héroes por fantasmas?
¿ Cenizas calientes,por arboles?
¿Aire caliente por una brisa suave?
¿El confort frio, por el cambio?
¿Cambiaste un papel de extra en la guerra,por uno protagónico en la celda?
Como deseo,como deseo que estuvieras aquí!!
Somos ,somos simplemente dos almas perdidas,nadandd en una misma pecera, años,tras año.
La Electric Light Orchestra y dentro de un estilo que podríamos considerar como rock progresivo y sinfonico nos dejaron este fantástico disco. Lynne se iba asentando más en su nueva función de líder y de creador de canciones y producción, pero aquí se iba a demostrar de que madera estaba hecho el grupo, y los nuevos hits que cosechan son Showdown, Ma Ma MaBelle y New World Rising entre otros. Existió una versión orquestada de un tema clásico de Edward Grieg llamado In The Hall Of The Mountain King, hay que oírlo, es impresionantemente bueno. A través de este trabajo empezó el reconocimiento a la banda, y luego dio una gira y presentación de este álbum en USA, el público se volcó más al grupo no ocurriendo lo mismo en UK. Podría decirse que fueron fieles al estilo progresivo y sinfónico hasta su nuevo trabajo llamado Eldorado, editado en 1974. A través de este disco se hicieron fuertes en el mercado de USA, con los clásicos: Can’t Get It Out Of My Head, Eldorado (Overture y Finale) y Laredo Tornado. Eran baladas y rock orquestado, sencillas melodías que hacían que fuese una historia contada con música de fondo y que en alguna entrada anterior ya comente. Esta es la versión del 2006
01."Ocean Breakup/King of the Universe" – 4:07
02."Bluebird Is Dead" – 4:42
03."Oh No Not Susan" – 3:07
04."New World Rising/Ocean Breakup (Reprise)" – 4:05
05."Showdown" – 4:09 (Not included in original UK release)
06."Daybreaker" – 3:51
07."Ma-Ma-Ma Belle" – 3:56
08."Dreaming of 4000" – 5:04
09."In the Hall of the Mountain King" (Edvard Grieg) – 6:37
Bonus Tracks
10."Auntie (Ma-Ma-Ma Belle)" (Take 1) – 1:19
11."Auntie (Ma-Ma-Ma Belle)" (Take 2) – 4:05
12."Mambo (Dreaming of 4000)" (Take 1) – 5:05
13."Everyone's Born to Die" – 3:43
14."Interludes" (Previously unreleased) – 3:40
On the Third Day es el tercer álbum de estudio de la banda británica Electric Light Orchestra, publicado en 1973, así como el primer álbum sin la participación de Roy Wood.
La segunda parte de On the Third Day fue grabada durante las sesiones del anterior álbum de la Electric Light Orchestra, ELO 2, si bien a diferencia de su antecesor contiene canciones de menor duracción, mas cercanas al estereotipo del rock. En contraste, las cuatro primeras canciones de On the Third Day fueron unidas a modo de una suite musical. El violinista Mik Kaminski hizo su debut en el álbum reemplazando a Wilfred Gibson, si bien Gibson participó en la grabación de las canciones que conforman la cara B. Al mismo tiempo, el violonchelista Colin Walker abandonó la formación, dejando a Mike Edwards como único chelista del grupo.
En comparación con los anteriores trabajos de la Electric Light Orchestra, y a excepción de ELO 2, On the Third Day puede ser considerado el trabajo más cercano al rock progresivo en tanto que incluye arreglos instrumentales elaborados y complicadas transiciones entre los temas que conforman el álbum. El sintetizador moog se puede escuchar de forma destacada en varios temas, particularmente como instrumento principal en "Daybreaker"
On the Third Day fue el último trabajo en el que Jeff Lynne intentó recrear el sonido orquestal en un estudio de grabación doblando las pistas de audio para solos de cello y violín. En su siguiente trabajo de estudio, Eldorado, Lynne contrató una orquesta real. Por otra parte, Marc Bolan tocó la guitarra en "Ma-Ma-Ma Belle" y "Dreaming of 4000", así como en "Everyone's Born to Die", que no fue publicado hasta la reedición del álbum en 2006.
En septiembre de 2006, On the Third Day fue remasterizado y reeditado por Epic/Legacy con temas extra y con la portada original del álbum, obra de Hipgnosis.
Seguimos con los Rolling, esta vez con una actuación histórica y es que después de un tiempo lejos de los escenarios, la banda volvió a tocar en un show gratuito, fue un 5 de julio de 1969. Los Rolling Stones actuaron frente a un público de 300.000 personas en Hyde Park, el mítico parque londinense. Dos días antes, Brian Jones, exguitarrista de la banda, había muerto ahogado en la piscina de su casa , así que el espectáculo se convirtió en una especie de homenaje y, a la vez, en el renacer de la banda, que comenzó su segunda etapa dorada con Mick Taylor en la guitarra. Por suerte la cadena de Telivison Granada estaba allí para poder inmortalizar este evento que puede considerarse unos de los mas multitudinarios en la historia del rock en Inglaterra.
Seguro que hoy sera un día de aquellos en que todos nos felicitamos por esos 50 años de la música de los Rolling Stones, basta con navegar por la red para ver infinidad de entradas que nos recuerdan este aniversario y es que todos queremos contribuir al reconocimiento de la mejor banda de la historia de la música rock, por supuesto LLopdelblues tampoco podía dejar pasar la ocasión de poner su granito de arena y desear que nuestros Rolling sigan muchos años mas. ¡¡¡Felicidades!!!
nbsp;
El legendario club londinense Marquee fue testigo de un hecho histórico el 12 de julio de 1962, cuando sobre su escenario se subían un grupo de jóvenes que cambiarían la historia de la música: Los Rolling Stones.
Muchos historiadores y melómanos toman a su primer concierto en el Marquee como la fecha fundacional de la banda británica que utilizó el nombre de "Rollin` Stones" (aún sin la "g") en referencia a un tema de Muddy Waters.
Ese día subieron al escenario Mick Jagger y Keith Richards, ambos de 18 años, Brian Jones (20) a la segunda guitarra, Dick Taylor (19) al bajo e Ian Stewart (23) en los teclados y Tony Chapman en batería.
Pocas semanas después Chapman recomendó a su amigo Bill Wyman para el bajo ante la salida de Dick Taylor, mientras que Carlo Little ingresó unas semanas en los parches.
Richards y Brian Jones estaban obsesionados con el baterista de jazz Charlie Watts que tocaba en el grupo de Alexis Korner, Blues Incorporated, y lograron convencerlo luego de varias reuniones.
Después de su concierto en el Marquee se convirtieron en la banda residente del Crawdaddy Club de Richmond y tocaban cada domingo.
La creciente asistencia al Crawdaddy llamó la atención del periodista Peter Jones, quien recomendó al grupo a Andrew Loog Oldham, publicista de The Beatles.
Oldham los fichó para ser su manager y consiguió que el Beatle George Harrison los recomendara la sello Decca Records para sus primeros discos.
Por esos días entraron a los estidios Olimpic de Londres, con Oldham como productor, y allí grabaron un cover del tema "Come On" de Chuck Berry, con la canción de Muddy Waters "I Want to Be Loved", que fue editado el 7 de junio de 1963.
Así nacía una banda que trazaría un camino histótrico en el rock y que en especial en la Argentina es creadora de un estilo rock "stone o rollinga", pero también de una forma de vestirse y una actitud.
En 1970, Moody Blues estaba en su auge creativo y comercial. Después de reinventarse, partiendo del R&B original para obtener un sonido más sofisticado, lanzó cinco álbumes entre 1967 y 1970, de los cuales cuatro llegaron al top 5 de las listas de popularidad británicas (dos de ellos llegaron al liderar la lista). Tuvo un éxito similar en los EE.UU., donde cuatro álbumes llegaron al top 20. A finales de agosto de 1970, después de lanzar el disco "A Question Of Balance", Moody Blues subió al escenario del Isle Of Wight Festival, ante una audiencia estimada en más de medio millón de personas, esta es su actuación, espero que os guste.
01. Threshold Of A Dream
02. Return To The Island
03. Isle Of Wight Pop Festival 1970
04. Tear Down The Fences
05. Early Beginnings: Bo Diddley
06. The Mellotron
07. Psychedelia And Change
08. Introduction To The Concert
09. Gypsy
10. Tuesday Afternoon
11. Never Comes The Day
12. Tortoise And The Hare
13. Question
14. The Sunset
15. Melancholy Man
16. Nights In White Satin
17. Legend Of A Mind
18. Encore: Ride My See-Saw
19. Reflections
20. Late Lament
The Moody Blues es un quinteto de músicos británicos que se formó en Birmingham en 1964. Su primera voz fue Denny Laine, que más adelante sería compañero de Paul McCartney en Wings. También participaban en el grupo Graeme Edge (batería), Ray Thomas (flauta y voz), Clint Warwick (bajo, voz) y Mike Pinder (teclados).
Sus comienzos fueron como una banda de R&B típica de la Inglaterra de la época y sacan su primer single Steal Your Heart Away en septiembre. No fue hasta su segundo single Go Now whit the Moody Blues cuando prueban las mieles del éxito y ventas, lo que les permite salir de gira, hacer las americas y editar su primer LP The Magnificent Moodys (Go Now en norteamérica).
Tras el primer disco, Denny Laine cedió su sitio a Justin Hayward (guitarra y voz) y también se incorporó al grupo John Lodge (bajo). Su segundo trabajo, Days of future passed (1967), representó un enorme cambio en los planteamientos musicales y un enorme éxito. Hoy es considerado uno de los mejores discos de la historia habiéndose reeditado en multitud de ocasiones.
La concepción del disco fue un cúmulo de aciertos y casualidades. La casa discográfica buscaba una versión Rock de la sinfonía de Dvorak "El nuevo mundo". Pretendían con ello potenciar y rentabilizar los nuevos aparatos estéreo de los estudios. Los Moody Blues, sin conocimiento de la discográfica y con la buena vista del productor, Tony Clark, lo convirtieron en una obra personal (con la orquesta perfectamente ensamblada); un álbum conceptual que fue el disco más representativo de lo que en esos años se llamó Rock Psicodélico.
Otros discos de éxito fueron On the Thresold of a Dream (1969), Question of Balance (1970) o, su último gran éxito Long Distance Voyager (1981). El resto es historia, con los Moody Blues funcionando hasta el siglo XXI, con cambios (Pinder abandonó la banda, Thomas se retiró de la música) y reconversiones, pero convertidos en unos clásicos del Rock (si no Dinosaurios del Rock). Aunque son mejor conocidos, hoy, por su excitante música y profunda lírica, los álbumes y sencillos de la era psicodélica de The Moody Blues empezaron como temas de R&B y formaron parte de la Invasión Británica.
La historia de The Moody Blues empezó en Birmingham, Inglaterra dónde fue una de las bandas más exitosas de ese tiempo, llamándose entonces The Riot and The Rebels (1962), siendo sus fundadores Ray Thomas (Armónica y Vocalista) y Mike Pinder (Teclados y Vocalista). Pinder deja la banda, primero para una actuación con Jackie Lynton y luego para realizar su servicio militar en el ejercito. En mayo de 1963, él y Thomas se reúnen nuevamente y forman un grupo llamado The Krew Cats. Este era un grupo bastante bueno y consiguen algunos contratos en el continente, especialmente en Alemania, dónde las bandas rock inglesas eran la euforia de los jóvenes teutones. En su retorno a la Isla Británica en noviembre de 1963, todo el paisaje musical inglés estaba ocupado por 250 grupos, todos ellos rivalizan por las actuaciones, en quizás una docena de Clubes o “Pubs”. Thomas y Pinder deciden formar un grupo profesional, y para eso se dan a la tarea de reclutar a otros miembros de algunos de los grupos más exitosos que trabajan en Birmingham. Esto incluyó a Denny Laine (Guitarra y vocalista), Graeme Edge (Batería), y Clint Warwick (Bajo y vocalista), la suma de los integrantes da cinco elementos y de esto resulta el nacimiento de un grupo que dejaría huella en la historia del Rock “The Moody Blues”. Hacen su debut en Birmingham, Inglaterra en Mayo de 1964. Rápidamente son contemplados por Tony Secunda, un representante de estrellas de Rock, del cual contratan sus servicios y se convierte en su manager. Inmediatamente contratan una larga gira que concluye con un contrato en el Marquee Club, de Londres, del que se deriva un arreglo con la disquera Inglesa Decca Records, cuando el grupo tenía todavía escasamente seis meses de formación.
El primer sencillo del grupo, "Steal Your Heart Away" lanzado en septiembre de 1964, no llega a figurar en el Hit Parade Británico. Su siguiente sencillo "Go Now", realizados en noviembre de 1964, cumplió con todas las expectativas del grupo y más, alcanzando el primer lugar en Inglaterra. En América, se coloca en el número 10. El deseo de la banda es continuar en la línea de éxitos, pero era más fácil decirlo que hacerlo. A pesar de sus esfuerzos por escribir otro Hit y acceder al mercado americano, después de esta versión de “Go Now”, The Moody Blues, no volvió a tener otro éxito parecido. A finales de la primavera de 1965, la frustración es palpable dentro de la Banda. El grupo decide hacer su cuarto sencillo, "From the Bottom of My Heart", un experimento con un sonido diferente, desafortunadamente, el sencillo termino en el número 22 del Hit Parade Británico, en mayo de 1965. Finalmente la rutina de recorrer camino sin éxito acumula las tensiones que enfrentaba el grupo y esto es demasiado para Warwick que sale de la banda en la primavera de 1966, en agosto del mismo año Laine había salido también. Warwick es remplazado por la John Lodge, y posteriormente se suma Justin Hayward, dos piezas fundamentales en el futuro de la Banda.
The Moody Blues reagrupados se proponen, antes que nada, mantenerse a flote financieramente, y deciden tocar principalmente en Europa, grabando ocasionalmente un sencillo. El despegue esperado se da cuando Deram Records, un sello de Decca Label, en 1967, decide que necesita un disco de larga duración para promover su nuevo equipo de sonido "Deramic Stereo". The Moody Blues es escogido para el proyecto propuesto, y les encargan elaborar los arreglos de una versión en Rock de una pieza clásica llamada Dvorak’s New World Symphony, inmediatamente ellos convencen al Productor y al Ingeniero del Staff, abandonar el material propuesto y permitir al grupo usar una serie de sus propias composiciones que denominaban “Un día arquetípico, de la mañana a la noche”. Estos aceptan y usando las cintas de la nueva música realizada por la Banda, con arreglos de orquesta sinfónica ejecutados por el conductor Peter Knight, se realizo el álbum Days of Future Passed (1967), el cual se volvió un hito en la historia del grupo. La mezcla de Rock y los sonidos clásicos era nueva, al principio confundió a la compañía disquera, pero se convenció y el Disco fue producido y sacado a la venta. Este álbum, y sus "Nights in White Satin" y "Tuesday Afternoon”, enganchadas armónicamente en el álbum, dieron como consecuencia el siguiente disco In Search of the Lost Chords (1968), en este nuevo proyecto la banda desecha la orquesta en favor del Mellotron, que rápidamente se volvió parte del sonido de la Banda. El año de 1969 salen a la luz dos nuevos discos On the Threshold of a Dream (1969) y To Our Children’s Children’s, Children (1969), el grupo se encuentra a sí mismo realizando algo importante, y así lo sienten ellos mismos. Trabajan en el estudio con un nuevo proceso llamado overdubbing, con el ellos empiezan a crear música que correspondía realmente al trabajo de 20 o 30 integrantes de The Moody Blues.
La Banda se encuentra en una etapa de metamorfosis e inician una nueva vida con el disco Question of Balance (1970), donde el grupo toma la decisión de tocar en conciertos, reduciendo su dependencia del sistema overdubbing dejando la responsabilidad del trabajo en el grupo y haciendo más pesado su sonido. Resultado de esta decisión es el disco denominado Every Good Boy Deserves Favour (1971) tal vez uno de los mejores álbumes del grupo, al cual le sigue Seventh Sojourn (1972). La tensión de los Tours de presentación y el trabajo de grabación de cinco firmes años, empieza a pasar la factura, y al término de una extensa gira internacional la banda decide tomar un descanso que finalmente dura otros cinco años más. Durante este lapso de tiempo sin reunión del grupo, Hayward y Lodge, grabaron un álbum a dúo que tuvo mucho éxito Blue Jays (1975), mientras que los demás miembros de la banda realizaron únicamente Discos sencillos.
Para 1977 el grupo decide reunirse para grabar nuevamente, sin embargo Pinder, que se había cambiado a vivir a California durante el receso de la Banda, únicamente se une con ellos para grabar el álbum Octave (1978), pero no participa en las giras de presentación del mismo, siendo sustituido en ellas por el músico Patrick Moraz, un excelente tecladista, que realiza su trabajo con mucho éxito. Con este álbum “The Moody Blues” se vuelve a trepar a las listas del Hit Parade en ambos continentes. El grupo sigue la inercia temporal de trabajo con un nuevo disco llamado Long Distance Voyager (1981), más popular y de mas éxito que el anterior; continuaron con The Present (1983) un trabajo bien recibido por los fans del grupo, pero por este tiempo un cisma estaba empezando a desarrollarse entre la Banda y la comunidad crítica. Aunque ellos continuaron alcanzando los niveles medios de las listas de popularidad, e incluso ascendieron razonablemente cerca de la cima con el sencillo de Hayward "In Your Wildest Dreams" (1986), que es completado en álbum de larga duración por The Other Side of Life (1986) un disco realizado por todo el grupo. A finales de los años ochenta, The Moody Blues transitaba al borde de su energía musical, ellos se percibían como un grupo nostálgico que ya había cumplido sus mejores épocas, pero teniendo un publico muy numeroso, aun así sacan a la luz un álbum mas denominado Sur La Mer (1988).
La magia se apodera de ellos nuevamente y la década de los noventa nos volvió a dar mas de la música de The Moody Blues y la inician con Keys of the Kingdom (1991). En 1994 una recopilación en un juego de cuatro CD’s llamado Traveller Time (1994) fue lanzado por su disquera. Un nuevo esfuerzo fructifica con un disco llamado Strange Times (1999), al que le siguió un álbum grabado en un concierto en vivo que el grupo dio en el Royal Albert Hall (2000) que los colocó al fin en el sitio de honor que merecían, al ser reconocidos por toda la comunidad musical Inglesa y mundial, y, finalmente el año 2001 nos ofrecieron su más reciente grabación que recibió el nombre de Journey to Amazing Caves (2001) un álbum de música muy fina y que nos indica que la fuerza y el poder de la magia de The Moody Blues continua. En la primavera de 1997 PolyGram lanzo remasterizados y actualizó versiones de todos los clásicos del grupo, de álbumes editados a finales de los 60’s y 70’s, con el sonido radicalmente mejorado y las nuevas notas que ofrecen las recolecciones por los miembros de grupo.
Este es una canción de aquellas que no puedes dejar en el olvido, un tema de la epoca de Velvet Underground, más concretamente de su álbum Loaded y que Lou Reed en su etapa en solitario la mantuvo convirtiendola en un clásico en todos sus conciertos.
La Intro con la guitarra con un riff inconfundible nos trasnporta a una historia simple de esas que hacen triste la existencia ... compadeciéndose de la dulce Jane
Dulce Jane
De pie en la esquina
Una maleta en la mano
Jack con la faja puesta
Y Jane con chaleco
Y yo, yo estoy en una banda de rock and roll
Paseando en un Stutz Bearcat, tío
¿Sabes? aquellos eran otros tiempos
Todos los poetas estudiaban las reglas del verso
Y las señoras ponían los ojos en blanco
Dulce Jane, dulce Jane, dulce Jane
Os voy a decir algo, Jack es un banquero
Y Jane es una empleada
Y los dos ahorran dinero
Y cuando vuelven a casa del trabajo
Se sientan junto al fuego
En la radio suena
Un poco de música clásica
La marcha de los soldados de madera
Todos protestáis, chicos
Podéis oír a Jack decir
Dulce Jane, dulce Jane, dulce Jane
A algunos les gusta salir a bailar
Y otros tienen que trabajar
Escuchadme ahora
Incluso hay malas madres
Que os dirán que todo es sucio
Sabéis que en realidad las mujeres nunca se desmayan
Y que los canallas siempre guiñan el ojo
Y que los niños son los únicos que se sonrojan
Y que la vida es sólo para morir
Pero nadie que tuviera un corazón
Cambiaría de opinión y lo rompería
Y nadie que haya interpretado su papel
Cambiaría de idea y lo odiaría
Dulce Jane, dulce Jane, dulce Jane
Vino y rosas celestiales
Parecen susurrarme cuando sonríes
Vino y rosas celestiales
Parecen susurrarme cuando sonríes
La, la, la, la, la, la
Dulce Jane, dulce Jane, dulce Jane
The Velvet Underground - Sweet Jane (Live 1969)
Lou Reed - Sweet Jane from Rock n Roll Animal
"Sweet Jane" es una canción de The Velvet Underground, parte del álbum de estudio Loaded (1970). La canción fue escrita por el líder de la banda, Lou Reed, quien continuó incorporando la canción en sus actuaciones en vivo años después como artista en solitario. Cuando Loaded fue lanzado en 1970, el puente de la canción fue editado a parte. El box set Peel Slowly and See y la reedición Loaded: Fully Loaded Edition restauró la parte descartada. La canción también aparece en los álbums Live at Max's Kansas City; 1969: The Velvet Underground Live; Peel Slowly and See; Live MCMXCIII; Loaded: Fully Loaded Edition; American Poet; Rock 'n' Roll Animal; Live: Take No Prisoners; Live in Italy; The Concert for the Rock and Roll Hall of Fame; Rock and Roll: an Introduction to The Velvet Underground; Live on Letterman: Music from The Late Show y Berlin: Live At St. Ann's Warehouse.
La versión de "Sweet Jane" en el 1969: The Velvet Underground Live es una versión temprana con una simple progresión (tres acordes en lugar de cuatro acordes) y con letra notablemente diferente. Fue grabada durante octubre y noviembre de 1969. La progresión de acordes consiste en tres básicos acordes mayores sobre dos compases, en Re, (Re-La), Sol, (Sol-La), Re, usados ambos en la estrofa y en el estribillo. En lugar de una intro de estrofa estándar, esta versión empieza con con lo que más tarde sera usado como una pieza de transición al puente, usando los mismos acordes que en la estrofa pero con melodía diferente ("Anyone who ever had a heart wouldn't turn around and break it"). Después de un estribillo, hay dos compases en re, seguidos por el puente, que consiste en dos progresiones: Re Do menor Sol La Si Si (x2), sobre el cual los versos "Heavenly wine and roses" son cantados, seguido por Mi Si Re La (x2), acompañado por "la-la-la...". La coda de la canción que sigue es como el estribillo.
Roxy Music live at the Paris Theatre in London, recorded for the BBC and broadcast on 16 September 1972.
Roxy Music ha destacado en el universo musical tanto por la presencia escénica de Brian Ferry, el vocalista de la banda, como por el innovador olfato musical de Eno, está es una grabación de 35 minutos de Roxy Music, tocando en vivo en el teatro de París, Londres, en 1972, este concierto fue transmitido por la radio de la BBC en septiembre del mismo año.
Este periodo es para mi el momento mas álgido de la banda antes de decantarse por un estilo de música mas comercial, vale la pena oír esta grabacion, que la disfrutéis.
1. The Bob (Medley) (00:09)
2. The Bogus Man Part 2 (6:00)
3. Sea Breezes (10:54)
4. Virginia Plain (18:19)
5. Chance Meeting (22:15)
6. Re-Make/Re-Model (28:15)
Roxy Music fue una banda de glam y art rock del Reino Unido y que se formo a comienzos de los 70. Sus integrantes eran Bryan Ferry (voz y teclados), Phil Manzanera (guitarra), Andy MacKay (sasofon), Paul Thompson (bateria, des de 1971 a 1980, y des de 2011), Brian Eno (sintetizadores, hasta 1973), Graham Simpson (bajo hasta 1972) y Eddie Jobson (sintetizador, violin, des de 1973 hasta 1976). Colin Good se ocupa de los teclados des de 2001.
El primer single de la banda fue “Virginia Plain/ The Numberer que llego a ocupar el cuarto puesto de las listas britanicas. La banda llego a conseguir mucha popularidad en su pais y en el resto de Europa, pero en los Estados Unidos obtuvo muy buenas vriticas y se convirtio en un grupo de culto. Su primer album Roxy Music (1972) introdujo un sonido original y muy proximo al glam. Fue entonces cuando Simpson deja la banda y es substituido por John Gustafson.
Después de grabar su segundo album “For Your Pleasure (1973) , Eno también decide dejar el grupo por problemas de creatividad con Ferry y fue reemplazado por Eddie Johnson. El mismo año se publica Stranded con un sonido mas elegante y mas decadente, con baladas. De este disco sale “Street Life” y un tema musicalmente muy nuevo para la época “Amazona” El siguiente álbum fue “Country Life” (1974), con dos singels muy importantes “All I want is You” y “The thrill of it all”. Siren salio en 1975 para producir “Love Is The Drug”. Este álbum introdujo elementos mas bailables y próximos a la música disco. Después de la gira de este ultimo disco la banda se disuelve temporalmente.
En 1979 el grupo vuelve a reunirse para sacar al mercado “Manifesto”, un álbum mas convencional que los anteriores. De el se extrajeron dos sencillos “Angel Eyes”, una de la canciones percusoras de la música dance, y “Dance Away” que nos mostraba el nuevo estilo que ofrecia la banda. La diversidad musical fue lo que marco el siguiente álbum de Roxy Music, “Flesh And Blood” (1980), con canciones como “Over You”, “The Same” , “Old Scene” y “Old Scene” y “On The Radio”.
En 1981 grabaron una version del tema de John Lennon “jealous Guy” a raiz del asesinato del artista a finales del año anterior. Su álbum “Avalon” salio en 1982 y fue el ultimo disco del grupo. Destacan los singels “More Than This” y la balada de “Avalon” .
La banda se separo un año después. Roxy Music se volvieron a unir el año 2001 para salir de gira pero sin Eno que fue una de las figuras mas emblematicas de la banda.
En el año 2004 la revista Rolling Stone les coloco en el numero 98 de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.
