Coleccion Posters de Led Zeppelin - 1

Esta es una colección de Posters de Led Zeppelin que he encontrado en la red y que ire compartiendo con vosotros

"Like A Rolling Stone", nuevo video de Bob Dylan

Casi 50 años después de su composición y a tiempo para promocionar el lanzamiento de un set con toda su discografía, Bob Dylan ha creado un original vídeo para su clásico "Like a Rolling Stone". 

 Bob Dylan siempre ha ido un paso adelante en cuestión de vídeos musicales. A mediados de los sesenta se sacó de la manga el concepto de “lyrics-video” para acompañar a “Subterranean Homesick Blues” y, ahora, ha llevado la idea de un vídeo interactivo en el que a través del "zapping on line" se pueden ver dieciséis diferentes canales de televisión que cantan la canción en "playback".

El vídeo imita una aparato de TV en el que puedes cambiar entre diversos canales dónde aparecen personas “cantando” la letra de la canción mientras recrean programas de la televisión norteamericana. Entre ellos se encuentran shows reales como “Pawn Stars”, "The Price Is Right" o “Maron”, un programa de deportes de la ESPN, dibujos animados para niños, un programa de noticias financieras, un programa de cocina, un magazine de moda y una teletienda. La aparición más sorprendente, sin embargo, es la del rapero Danny Brown, al que podemos ver comiendo pizza en la calle y balanceándose en un columpio.

El hecho de poder “cambiar de canal” en cualquier momento hace que cada uno de los visionados del vídeo sea distinto. La única constante es que todos los personajes que aparecen lo hacen recintando la letra de la canción en todo momento. Los posibilidades son infinitas y la sensación, alucinante.

Pulsa aqui para ver el video

30 dias de dulce muerte

Para los seguidores de Grateful Dead, entre los me encuentro yo, tenemos la oportunidad de descargar cada dia durante el mes de noviembre una cancion en formato de MP3, lo qual nos permitira disponer de 30 pistas de audio liberadas de este magnifico grupo. 

30 dias de dulce muerte

Grateful Dead.

D.A. Pennebaker sobre el Pop Monterey Festival del año 1967

Esta es una pequeña parte del documental realizado por D.A. Pennebaker sobre el Pop Monterey Festival del año 1967, son casi dos horas de pelicula donde podemos ver alguna de las actuaciones que tuvieron lugar en un festival que marco el principio del verano del amor y estimuló a que la decada de los 60 fuera considerada como la mas creativa e influyente de la historia de la música contemporanea.

The Association- "Along Comes Mary"

Simon and Garfunkel- "Homeward Bound" 3:55 "Sound of Silence" 6:46

Country Joe and the Fish- "Not So Sweet Martha Lorraine" 10:00

Al Kooper- "Wake Me, Shake Me" 15:20

The Butterfield Blues Band- "Driftin' Blues" 22:50

Quicksilver Messenger Service- "Dino's Song" 27:34

The Electric Flag- "Wine" 30:51" 

The Byrds- "Chimes of Freedom" 33:40 "He Was A Friend of Mine" 37:36 "Hey Joe" 40:30

Laura Nyro- "Poverty Train" 42:55

Jefferson Airplane- "Somebody To Love" 48:24 

The Blues Project- "Flute Thing" 52:29

Big Brother and the Holding Co. w/ Janis Joplin "Combination of the Two" 1:03:07

The Buffalo Springfield- "For What It's Worth" 1:08:57

The Who- "Substitute" 1:12:30 "Summertime Blues" 1:16:19 "A Quick One" 1:19:57

The Mamas and The Papas- "Straight Shooter" 1:28:14 "Somebody Groovy" 1:32:00 "I Call Your Name" 1:34:53 

(Hilarious antics of Mama Cass) 1:38:46 "Monday, Monday" 1:40:36

Scott McKenzie- "San Francisco" 1:44:30

The Mamas and The Papas and Scott McKenzie- "Dancin' in the Street" 1:48:05

El Monterey International Pop Music Festival (Festival Internacional de Música Pop de Monterey) se llevó a cabo del 16 al 18 de junio de 1967. Más de 200.000 personas asistieron, y es a menudo considerado como el precursor de Woodstock. El LSD fue muy abundante en el evento, bajo el nombre de "Purple Monterey".

Fue celebrado en el Monterey County Fairgrounds en Monterey, California. El festival fue planeado por John Phillips de The Mamas & the Papas, el productor Alan Pariser, y el publicista Derek Taylor. El festival incluyó, en su lista de artistas, a los miembros de The Beatles y The Beach Boys.

San Francisco fue el epicentro de la llamada "contracultura". Los jóvenes viajaban allí a vivir un estilo de vida alternativo destinado a aumentar la libertad personal, viviendo en armonía colectiva. Esta transformación de los ideales y la vida se exploró a través de la psicodelia, la luz, el arte, la música y drogas como la marihuana y el LSD. El Festival de Monterey Pop se incorporó al estilo de vida de San Francisco y la contracultura, y es generalmente considerado como uno de los inicios del "Verano del Amor" de 1967.

Los artistas tocaron de forma gratuita y la totalidad de los ingresos fueron donados a la caridad, con la excepción de Ravi Shankar, a quien se le pagó U$S 3.000 por su larga estadía. Más de 200.000 personas asistieron al festival. Reservar un lugar costaba U$S 6,50 por cada noche de presentación, mientras que la entrada al campo adyacente tenía un costo de U$S 1,00. El festival se considera en general (junto con el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dos semanas antes de su lanzamiento) como la cumbre del "Verano del Amor."

El festival se convirtió en legendario por ser una de las primeras grandes apariciones de Jimi Hendrix (que fue contratado por la insistencia de Paul McCartney) y de The Who. También fue la primera gran actuación pública de Janis Joplin, quien apareció como miembro de Big Brother and The Holding Company, y de Otis Redding, con el respaldo de Booker T. & The MG's. Redding moriría sólo unos meses más tarde.

Hendrix, inspirado por Pete Townshend, rompió su guitarra y terminó su presentación en Monterey rendido de rodillas frente a ella, vertiendo líquido de encendedor y prendiéndole fuego.

Muchos ejecutivos de compañías discograficas estuvieron presentes (mediante el pago de U$S 150 por cada uno de sus asientos en una zona especial justo debajo del escenario), y varios de los artistas consiguieron contratos de grabación a partir de su actuación en el festival. Columbia Records contrató a Big Brother y The Holding Company, mientras que Jerry Wexler aprovechó el festival para promover la carrera de Otis Redding.

Asimismo Eric Burdon y The Animals cantaron una canción sobre el festival titulada "Monterey", que incluía un párrafo de una canción de The Byrds, "Renaissance Fair", "I Think thay maybe I´m dreamin" ("Creo que tal vez estoy soñando"). En la canción, Burdon menciona a los siguientes artistas que actuaron en Monterey: The Byrds, Jefferson Airplane, Ravi Shankar, Jimi Hendrix, The Who, Hugh Masekela, The Grateful Dead, y The Rolling Stones, así como al miembro de estos últimos, Brian Jones ("His Majesty Prince Jones smiled as he moved among the crowd", "Su Majestad el Príncipe Jones sonreía mientras se movía entre la multitud"). Jones no realizó ninguna actuación. Los instrumentos utilizados en la canción imitaban los estilos de los músicos mencionados.

También actuaron otros artistas, entre ellos el cantante de blues Lou Rawls, la cantautora Laura Nyro y el sudafricano trompetista de jazz Hugh Masekela. Muchos grupos de rock actuaron por primera vez, entre ellos The Association, Buffalo Springfield, Country Joe and the Fish, Moby Grape y Quicksilver Messenger Service. Las bandas de Blues-rock estaban bien representadas, entre ellas estuvieron Canned Heat, The Paul Butterfield Blues Band, The Steve Miller Band y The Blues Project. El grupo The Mamas & the Papas tocó en el acto de clausura del festival, además de presentar las actuaciones de varios artistas. Su miembro John Phillips fue quien ayudó a organizar el evento.

Varios artistas se destacaron por su ausencia. Varias razones se dieron para la cancelación del grupo The Beach Boys, como una admisión de que no pueden competir junto a grandes actos, y una fisura entre Brian Wilson y el resto de la banda sobre su fracaso para completar Smile, el sucesor de Pet Sounds. Al músico Donovan le fue negado un visado para entrar en los Estados Unidos a causa de una redada antidroga en 1966. Captain Beefheart y The Magic Band fueron también invitados a presentarse pero, según las notas de la reedición en CD de su álbum "Safe As Milk", la banda al parecer rehusó la oferta debido a la insistencia del guitarrista Ry Cooder, quien consideró que el grupo no estaba preparado. Aunque los Rolling Stones no tocaron, su fundador y guitarrista Brian Jones apareció en el escenario para presentar a Hendrix. Jones era conocido como "rey de la fiesta". De acuerdo con Eric Clapton, Cream (la banda) no se presentó debido a que el manager de la banda quería algo más impactante para su debut en Estados Unidos. Dionne Warwick y The Impressions fueron anunciados en algunos de los primeros carteles para el evento, pero Warwick se retiró debido a un problema de alojamiento del fin de semana: había reservado alojamiento en el Hotel Fairmont y pensó que si se cancelaba esa actuación, afectaría de manera negativa a su carrera. The Kinks fueron invitados, pero no pudieron obtener una visa de trabajo para entrar en los EE.UU. debido a una disputa con la Federación Americana de Músicos.

Monterey fue el primer festival de Rock multitudinario promovido masivamente a nivel mundial (el primer festival de rock fue la Feria Fantasy & Magic Mountain Music Festival en la cumbre del monte Tamalpais en el condado Marin, el 2 y 3 de junio) y se convirtió en el modelo para las futuros festivales, sobre todo Woodstock -- Aunque a diferencia de Woodstock, fue un acontecimiento sin ánimo de lucro, y Monterey con sus diversas filmaciones y grabaciones sonoras siguen obteniendo ingresos para la Fundación sin fines de lucro "Festival de Monterey".

El festival fue objeto de una aclamada película documental titulada Monterey Pop, de DA Pennebaker. Se ha publicado el DVD de la Criterium Collection. Además, muchos álbumes han salido a la venta con la música del Festival. Lo más notable son los videos en conjunto de Otis Redding y Jimi Hendrix, The Grateful Dead, Jefferson Airplane y Ravi Shankar. En 1997, una caja con cuatro CD fue puesta a la venta con la actuación de la mayoría de los artistas.

A pesar de que Monterey fue el primer gran festival de música, la música predominante fue el rock, y la idea de los grandes festivales al aire libre que duraban varios días consecutivos no era nueva. En América ya se contaba con los famosos tres días de Festival de Jazz de Newport que se había iniciado en la década de 1950 y que ha proporcionado algunos momentos inmortales, entre ellos legendarias actuaciones de Duke Ellington, Louis Armstrong, Thelonious Monk y Muddy Waters. Su espectáculo hermano, el Newport Folk Festival, fue un evento anual para el movimiento popular durante los primeros años de los sesenta. Tras el modelo de Newport, también se realizaron shows de folk y festivales de jazz en la costa occidental, celebrada en Monterey en California.

Pero estos acontecimientos tuvieron audiencias relativamente pequeñas, limitada también por la naturaleza de la música que presentó y por la forma en que se lo difundió al público en general. El aspecto más significativo del festival de Monterey Pop fue que se creó un nuevo esquema para los grandes festivales de música al aire libre.

El escritor de música Rusty DeSoto sostiene que en la música pop, la historia tiende a minimizar la importancia de Monterey en favor del "más grande, más alto perfil y más decadente" festival de Woodstock, celebrado dos años más tarde. Pero, como él señala:

"Monterey Pop fue un acontecimiento: fue el primer verdadero festival de rock nunca antes celebrado, con el debut de bandas que conformarían la historia del rock y que afectarían a la cultura popular desde esos días. La County Fairgrounds en Monterey, California ha sido el hogar del folk, jazz y blues durante muchos años. Pero el fin de semana del 16 al 18 de junio de 1967 era la primera vez que se utilizó para mostrar la música rock."

Monterey fue un gran acontecimiento, incluso por los estándares de hoy -con una asistencia diaria que llegó a un máximo de 50.000 y más de 200.000 personas en total, las que asistieron a lo largo de los tres días- además no hubieron víctimas, ni heridos, ni de sobredosis, ni violencia y no se realizaron detenciones. El jefe de la Policía adjunto de Monterey fue citado diciendo "Hemos tenido más problemas en las convenciones del PTA".

El Festival fue un triunfo de la organización y la cooperación, posterior a éste fueron pocos los festivales que la han tenido, y es doblemente notable habida cuenta de que nunca antes se había montado un Festival así.

Lou Adler: "Yo he estado en el negocio de la música desde 1957, y trabajé en todo tipo de auditorios en calidad de directivo. Yo estaba demasiado familiarizado con la forma en que los artistas y personas eran maltratados - los vestuarios eran inodoros, no había un restaurante abierto para el momento en que el espectáculo terminaba, los alojamientos no existían: 'Oh, lo siento, el chico se olvidó de reservarlos', y todo el resto de cosas. "Así que nuestra idea en Monterey era proporcionar lo mejor en todo -equipos de sonido, habitaciones, donde comer, alojamientos, medios de transporte- los servicios que nunca se habían previsto para el artista antes de Monterey"... "Hemos establecido un campamento, en una construcción para el personal, se estableció un centro de comunicaciones, y se les asignó un equipo armado con transmisores para recorrer todo el recinto ferial."... "El grupo encargado del transporte lo hemos organizado e incluye no sólo los coches y los conductores en todos los actos, también motonetas, motos, bicicletas, cualquier otra cosa que se necesite para moverse. Tuvimos limpieza de las áreas, las artes y un comité para supervisar las cabinas y pantallas."... "Hemos creado un sitio para una clínica de primeros auxilios, porque sabíamos que habría la necesidad de supervisión médica en caso de que se encuentren problemas relacionados con las drogas. No queríamos personas en problemas y que necesitaran atención médica sin tratar, tampoco queríamos que sus problemas arruinaran el show o que de cualquier forma perturbara a las otras personas o que se llegara a interrumpir la música." Si alguien tenía problemas, era necesario que su atención se hiciera tan pronto como fuera posible, el Dr. Bowersocks de Monterey estuvo a cargo del centro de tratamiento médico. En una entrevista, dijo el voluntario de primeros auxilios que el equipo estuvo listo y a tiempo, citando en relación a la comunicación y las técnicas empleadas para atender durante el concierto a los asistentes que estuvieran mal debido a las sustancias que ingirieran. "Hemos creado nuestra propia seguridad, bajo la supervisión de David Wheeler. Con Wheeler como enlace, nuestra seguridad colaboró con la policía de Monterey. Las autoridades policiales locales, al igual que las personas que vinieron al Festival nunca se dieron cuenta de todo lo que se hizo para su seguridad. Nunca esperamos que el espíritu de "Música, amor y flores" nos tomara el pulso hasta el punto en que se dejaran cosas al azar". Para casi cada situación el festival de Monterey era una "primera vez". A pesar de que la audiencia era predominantemente de color blanco, el proyecto de Monterey fue verdaderamente multicultural y cruzó todas las fronteras musicales, mezclando folk, blues, jazz, soul, R & B, rock, psicodelia, pop y géneros clásicos, con un desfile establecido de estrellas como The Mamas y The Papas, Simon & Garfunkel y The Byrds, junto a nuevos actos pioneros del Reino Unido, EE.UU., Sudáfrica y la India.

El festival inició la carrera de muchos de los que se desempeñaron allí, algunos de ellos prácticamente estrellas de la noche a la mañana. Algunos de estos artistas, intérpretes o ejecutantes incluyeron a The Who y Jimi Hendrix (ambos ya sensacionales en el Reino Unido y Europa, pero prácticamente desconocidos en los EE.UU.), Janis Joplin, Laura Nyro, Canned Heat, Otis Redding, Steve Miller y el indio y maestro de la cítara Ravi Shankar. En el festival, Jimi Hendrix ofreció un espectáculo indescriptible de "Wild Thing". Al terminar su acto, Hendrix golpeó su guitarra contra el escenario, la roció con líquido de encendedor, y le prendió fuego. Esto produjo sonidos imprevistos y esta actuación contribuyó a su creciente popularidad en los EE.UU.[4]. Sobre Janis Joplin también puede ser correlacionada su presentación en Monterrey con el éxito que tuvo posteriormente. Después del festival, ella se convirtió en una artista cada vez mayor a nivel nacional y vendió tantos albumes que ganó dos discos de oro, en especial con "I Got Dem Ol 'Kozmic Blues"

También es muy significativo el hecho de que en el Festival de Monterey no hubiera ninguna distinción racial, aquí las figuras blancas y negras, es decir, los artistas intérpretes o ejecutantes de diferentes razas, estaban uno al lado del otro. Entre los muchos estrenos, Monterey fue la primera vez en que estrellas como Otis Redding se presentaban frente a una gran audiencia predominantemente blanca en su país de origen. Su presentación fue fundamental para romper con los prejuicios de la audiencia general. Sin embargo, hubieron algunos problemas raciales, en particular entre el músico Jimi Hendrix y la banda The Who. Antes del festival, los artistas habían alegado no estar de acuerdo sobre el orden de ejecución. Incluso después del festival, todavía había tensión. En el aeropuerto, Pete Townshend (guitarrista de The Who) intentó hablar con Hendrix y dijo: "Escucha, sin resentimientos. Me encantaría que me enseñaras alguno de tus fraseos de guitarra". El crítico de rock Charles Shaar Murray informó que Hendrix respondió "Sí? Y yo firmo autógrafos por ti, blanquito".

Monterrey fue también el primer gran evento que mezcló los actos de los principales centros de música regional en los EE.UU. -San Francisco, Los Angeles, Chicago, Memphis y Nueva York- y es la primera vez que muchas de estas bandas se habían reunido con otras en persona. Particularmente fue un importante lugar de encuentro entre bandas del Área de la Bahía y Los Angeles que tendían a verse mutuamente con un cierto grado de sospecha -no era ningún secreto la baja estima que tenía Frank Zappa por algunas de las bandas de San Francisco- y hasta ese momento las dos escenas se habían desarrollado por separado y a lo largo de líneas bastante distintas. Paul Kantner, de la Jefferson Airplane, dijo: "La idea de que San Francisco se estaba anunciando fue un poco de libertad de la opresión.".

Varios artistas se destacaron por su no aparición entre ellos la cancelación de última hora de The Beach Boys, quienes asimismo habían participado estrechamente en la organización del festival. Aunque ahora es un asunto de especulación, se puede argumentar que una aparición en Monterrey, interpretando su repertorio más reciente como "Good Vibrations", habría sido un crucial paso adelante en su transición de surf-pop a banda de rock.

Monterrey también marcó un importante cambio de guardia en la música británica. The Who y Eric Burdon & The New Animals representó al Reino Unido, mientras que The Beatles y The Rolling Stones brillaron por su ausencia. The Beatles, por entonces se habían retirado de las giras (su gira estadounidense de 1966, había sido empañada por una reacción en contra de un comentario de John Lennon sobre la popularidad de la banda en relación a Jesucristo) y los Stones no pudieron obtener su visa debido al reciente arresto por drogas de Mick Jagger y Keith Richards. El Stone Brian Jones se peseaba a través de la multitud, resplandeciente en psicodélica gala, y apareció brevemente en el escenario para presentar a Jimi Hendrix. Tal como resultó, pasaron dos años antes de una nueva gira de los Stone, para entonces Jones ya había fallecido, y The Beatles nunca más salieron de gira. The Who ocupó entonces el lugar y se convirtió en el acto en vivo cumbre del Reino Unido de la época.

Un aspecto sumamente importante es que pocas veces se menciona es que que Monterrey fue también el primer concierto de rock a beneficio -todos los artistas actuaron sin cobrar (excepto Shankar), y a cuarenta años del festival, películas, fotos, grabaciones y otros materiales aún generan ingresos para Fundación sin fines de lucro MIPF.

Otra de sus grandes "primicias" fue el innovador sistema de sonido, diseñado y construido por el ingeniero de audio Abe Jacob, quien comenzó su carrera haciendo sonido en vivo de bandas de San Francisco, y pasó a convertirse en un destacado diseñador de sonido para teatros de EE.UU., entre sus muchos logros fueron los innovadores sistemas de sonido de las producciones escénicas de Hair y Jesus Christ Superstar en Nueva York.

Aunque la información técnica es limitada, el innovador sistema de sonido de Jacob para Monterrey fue el progenitor de todos los grandes del PA que le siguieron. Se trata de un factor clave en el éxito del festival y fue muy apreciado por los artistas - en la película de Monterrey, David Crosby puede ser visto claramente diciendo "Gran sistema de sonido!" a su compañero de banda Chris Hillman al comienzo de la prueba de sonido de The Byrds. Nada como esto se había intentado antes, como el organizador del festival Lou Adler recordó: "... hemos empezado de cero. Cuando nos mudamos al recinto ferial de Monterey diez días antes del festival, nada estaba allí, ni siquiera un buen escenario para albergar la especie de amplificación que venía y tuvimos que construir los sistemas de altavoces directamente en el sitio. "

Otra faceta interesante del Festival es el hecho de que los pioneros de la música electrónica Paul Beaver y Bernie Krause colocaron un puesto para demostrar el nuevo sintetizador de música electrónica desarrollado por Robert Moog. Beaver y Krause había comprado uno de los primeros sintetizadores Moog en 1966 pero habían pasado infructusamente un año intentando interesar a alguien en Hollywood para que lo usen. Ellos decidieron establecer un puesto en el Monterey Pop Festival en 1967, y a través de su demostración, ganaron el interés de los bandas como The Doors, The Byrds, The Rolling Stones, Simon & Garfunkel y otros. Esto rápidamente se transformó en un flujo constante de negocios y el excéntrico Beaver pronto fue uno de los sesionistas más ocupados de la época participando entre otros en la banda sonora de "Rosemary's Baby", él y Krause obtuvieron un contrato con Warner Brothers.

A pesar de que el festival Monterey Pop fue el escenario de numerosas "primicias", quizás el hecho más importante al respecto fue la visión de futuro de los organizadores al tomar la decisión de filmar y grabar todo el festival. Se contrató a Wally Heider para grabar todas las actuaciones con su móvil de estudio con cintas de ocho pistas, y se contrató al cineasta DA Pennebaker para hacer la película. Se trató de un conjunto enormemente afortunado. El móvil de estudio de Heider les dio acceso a los mejores equipos de grabación remota entonces disponibles, gracias al cual muchos discos por el valor del material ya han sido editados. En Pennebaker (que recientemente ha hecho el legendario documental de Dylan No mirar hacia atrás) tenían quizás al mejor creador de documentales de su tiempo, alguien que tiene un verdadero interés y comprensión de la música popular, así como el acceso a las nuevas cámaras portátiles de 16mm color equipadas para grabar sonido sincronizado. Por lo tanto muchos de los momentos mágicos del festival fueron capturados para la posteridad.

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Una de las mejores portadas del rock: “Some Girls” The Rolling Stones

Una de las mejores portadas del rock: “Some Girls” The Rolling Stones

The Rolling Stones también han sentido esa extraña fascinación en más de una ocasión. Tal vez la imagen más recordada en la que posaron como mujeres sea la que sirvió para ilustrar la contraportada de la edición estadounidense del single ‘Have you seen your mother, baby, standing in the shadow?’ (1966), fotografía que les hizo Jerry Schatzberg. Pero no fue la única.

En 1978, en el momento álgido tanto del punk como de la música disco, The Rolling Stones, como muchos de sus contemporáneos musicales, parecían completamente irrelevantes, lo que ponía en peligro su posición en el mundo de la música. Mick Jagger, espoleado por esta provocación, tomó las riendas. Con la incorporación de Ronnie Wood y la decisiva influencia de la ciudad de Nueva York, el grupo grabó uno de sus mejores discos que, al mismo tiempo, se convirtió también en uno de sus mayores éxitos.

A la hora de elaborar su portada, el grupo quiso también apostar por algo nuevo, así que inauguraron su colaboración con Peter Corriston, quien sería también el diseñador de sus siguientes tres discos; de hecho, ganó un Grammy por el diseño de “Tatto you” (1981). Corriston había estudiado en la Escuela de Arte de Filadelfia y ya había diseñado varias portadas antes de trabajar con la banda, siendo la más conocida la del álbum “Physical graffiti” de Led Zeppelin en 1975.

Según Peter Corriston, el concepto para la cubierta le llegó cuando Mick Jagger le llamó desde París pidiéndole que asumiera el encargo, comentándole  que el título que estaban barajando para el disco era “Lies” (Mentiras). Corriston, que siempre había sido un ávido seguidor de las campañas publicitarias, encontró en la revista “Jet”, dirigida a la población de color, justo el material que buscaba: en un anuncio de pelucas vio las suficientes mentiras y falsas promesas como para inspirarle. Asociado con la predisposición inglesa de los hombres a vestirse de mujer, le pareció la combinación perfecta.

Con aquellas especificaciones un tanto vagas de Mick Jagger, Peter Corriston contrató al ilustrador Hubert Kretzschmar, un estudiante de arte alemán recién llegado a la ciudad de Nueva York, para que le ayudase a hacer realidad su visión. Entre ambos dispusieron cuatro franjas de colores diferentes con cinco retratos de modelos con pelucas tomadas de viejos anuncios de los años sesenta. Debajo constaban distintas denominaciones empleadas para cada peluca, así como su precio. A ese texto añadirían, antes de la publicación del disco, los títulos de las canciones, una vez decidido cuáles irían finalmente en el álbum. Los rostros de las modelos fueron recortados y troquelados, quedando su hueco en blanco. La intención era colocar distintas imágenes en la funda interior que se pudieran contemplar a través de los huecos, una vez insertada esta dentro de la cubierta exterior.

Según Kretzschmar, en la portada combinó el tipo de trabajo que había estado haciendo a mediados de los setenta con una técnica de collage que empleaba habitualmente y en la que utilizaba fragmentos y trozos de cabezas, así como combinaciones de diferentes elementos gráficos. Al mismo tiempo, incorporó recortes ya impresos en los que Peter Corriston había estado trabajando a partir del anuncio de la peluca de la revista Jet.

Para la funda interior, ambos empezaron utilizando aleatoriamente fotografías publicitarias de estrellas de cine de Hollywood. A alguna de esas instantáneas añadieron también retratos ya existentes de los componentes de The Rolling Stones destinadas a los medios de comunicación, que fueron convenientemente coloreados, deteniéndose específicamente en los labios de los componentes del quinteto. Según Mick Jagger, la idea era que cuando se quitase la funda interior del disco se tuviese otra visión diferente a la que se observaba a través del troquelado.

Finalmente, tras probar distintas combinaciones, en la parte frontal de la funda interior aparecieron, de izquierda a derecha y de arriba abajo, Montgomery Clift, Marilyn Monroe, Keith Richards, Charlie Watts, Desi Arnez, Lucille Ball, Red Buttons, Charlie Watts, Eartha Kitt, Bill Wyman, Mick Jagger, Jayne Mansfield, Keith Richards, Brigitte Bardot, Jane Fonda, Ronnie Wood, Lee Majors, Farrah Fawcett, Joan Collins, Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman, Henry Fonda, Mick Jagger, Charlie Watts, un perro, Raquel Welch, Ronnie Wood, George Harrison, Charlie Watts y Elizabeth Taylor.

Por su parte, en el reverso de esa misma funda situaron imágenes de Mickey Deans, Judy Garland, Ronnie Wood, Ross Hunter, Keith Richards, Joan Crawford, Bill Wyman, Elizabeth Taylor, Charlie Watts, Brigitte Bardot, Sacha Distel, Bill Wyman, Marilyn Monroe, Groucho Marx, Mick Jagger, Tony Curtis, Liza Minnelli, Mick Jagger, Joey Heatherton, Nathan Phillips, Charlie Watts, Ronnie Wood, Dirk Bogarde, Gina Lollobrigida. Milko Skofic Jr., Hedy Lamarr, Mick Jagger, Paul Newman, Ronnie Wood, Rita Hayworth, Glenn Ford, Ronnie Wood, Liza Minnelli, Keith Richards y Glenn Ford.

De todas formas, conviene hacer constar que nadie conserva las pruebas originales, por lo que no es posible confirmar totalmente que estas sean exactamente las celebridades incluidas en la funda. Han sido los seguidores de la banda los que han intentado identificarlos a lo largo de estos años. Con toda probabilidad, todos los que aparecen en el anverso han sido identificados correctamente; por el contrario, respecto al reverso sigue habiendo diversas dudas, especialmente respecto a las imágenes que podrían corresponder a Nathan Phillips y Glenn Ford.

Por difícil que parezca, en su momento nadie se encargó de obtener los derechos de las imágenes antes del lanzamiento del álbum, aunque todos los que tuvieron algo que ver con la portada tuvieron dudas razonables sobre si deberían hacerlo. El único que creía que era necesario conseguirlos fue Keith Richards, mientras que los diseñadores opinaban que era un trabajo fútil al tratarse de fotografías de dominio público.

En última instancia, fue Mick Jagger quien tomó la decisión de seguir adelante sin obtener esos derechos. Una vez publicado el disco, comenzaron los problemas: Lucille Ball, Farrah Fawcett, Liza Minnelli (en representación propia y de su madre Judy Garland), Raquel Welch y los herederos de Marilyn Monroe amenazaron con emprender acciones legales en contra del grupo y su discográfica. Por lo tanto, aquello que en un principio había sido una idea ocurrente acabó convirtiéndose en un trago amargo para el grupo.

La primera edición tuvo que ser retirada de la circulación y rápidamente se preparó otra para evitar las demandas. En la segunda se retiraron todas las personas retratadas, hubieran expresado su oposición a aparecer o no en el disco, a excepción de los componentes de la banda. Aquellos retratos fueron reemplazados por rectángulos de colores chillones con dos frases (“Perdonen por nuestra apariencia”. “Funda en reconstrucción”) escritas con una tipografía no muy distante de la empleada por el naciente estilo punk. No obstante, al dispararse las ventas del disco, aquella solución en principio temporal pasó a ser definitiva.

Otras figuras públicas que no habían aparecido en la funda accedieron a formar parte de un nuevo boceto de la misma. De esta forma, Kretzschmar preparó una tercera versión modificada que incluía, entre otros, a Carly Simon, Linda Ronstadt, Britt Ekland o Jimmy Carter, pero que no llegó a ver la luz por lo que pudiera pasar. Años después, la reedición en compacto de 1986 mostraba una cuarta versión en la que se habían pintado a mano los rostros de las mujeres, ya sin troquelado.

Consecuente con el concepto de la carátula, en la contraportada de “Some girls” apareció una parodia de un anuncio de sujetadores. Entre su texto se encontraban los créditos del álbum y citas falsas e irónicas relacionadas con los miembros de la banda en su papel de mujer. Estas eran las definiciones que incluía de cada uno de los componentes del grupo:

-Mick Jagger: “Probablemente Mick es la mujer con más éxito de la radio y ha estado muy cerca de casarse. Ya tenía el hombre, le gustaba mucho pero, por desgracia, se deshizo de él: no podía soportar sacrificar su carrera”.

-Keith Richards: “La elusiva sueca (“Quiero estar sola”) se ha estado escondiendo del mundo durante años. Una relación frustrada con John Gilbert y la trágica muerte de Mauritz Stiller, el único amor real de Richards, la ha convertido en una ermitaña”.

-Ron Wood: “La querida de los deslumbrantes años 20 tenía hordas de hombres a sus pies, jadeando por sus favores. Los que conocen bien Hollywood insisten en que su gran belleza y popularidad hacían imposible que hombre alguno consiguiera impresionarla. Nadie lo logró”.

-Bill Wyman: “Elegante, atractiva, confidente de la sociedad internacional –a la que ella regala fiestas extraordinarias y excitantes–, Bill solo carece de un atributo para ser la mujer perfecta: no le gustan los hombres. Nunca le han gustado”.

-Charlie Watts: “Esta talentosa y hermosa chica del espectáculo, modelo y actriz, no ha encontrado un hombre que cumpla con sus rigurosos requisitos para ser su marido. Dice la cautelosa Watts: “No me arrepiento… Prefiero estar sola que triste”.

Nacida de ideas vagas, creada un tanto al azar en el estudio de sus responsables, la portada se convertiría en un icono de la época, tanto como para que otros artistas la tomaran como modelo. Entre otros, The Rolling Bidochons (“Sales gueules”, 1990, y “Roger”, 1990), Lyres (“Some Lyres”, 1994),  Rock City Morgue (“Some ghouls”, 2002), The League Bowlers (“Some balls”, 2003) o Opium Jukebox (“Sticky banghra”, 2011) se inspiraron en “Some girls” para las cubiertas de sus respectivos discos.

Era aquella una imagen audaz, una parodia al estilo de Andy Warhol que arremetía sin piedad contra la cultura de la celebridad. La idea quedó plasmada en una afortunada y brutal mirada al mundo de los famosos que aparecen una y otra vez en los medios de comunicación y al rol que tienen en todo ello los paparazzi, un mundo en el que por entonces Mick Jagger estaba plenamente integrado, aunque fuese a su pesar. “Some girls” representaba exactamente esa irónica imagen que el grupo parece haber perseguido varias décadas.

Fuente 

                                                                

Miss You (0:00), 

When the Whip Comes Down (4:48), 

Just My Imagination (9:09), 

Some Girls (13:48), 

Lies (18:25), 

Far Away Eyes (21:36), 

Respectable (26:00), 

Before They Make Me Run (29:08), 

Beast of Burden (32:33), 

Shattered (36:58).

Audio

Unas ilustraciones graficas de Jimi Hendrix

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