The Easybeats en la TV australiana

The Easybeats fue una banda de rock and roll de Sídney, Australia, fundada a finales de 1964 y disuelta a finales de 1969 y son recordados como la mayor agrupación australiana en la década de los 60 y la primera de dicho género pop de ese país en lograr un hit a nivel internacional, con su clásico de 1966 "Friday on My Mind" (previamente el grupo folk-pop , The Seekers, tuvieron éxito internacional en 1965 con otro estilo musical). Aunque no pudieron repetir el gran éxito que lograron en su país adoptivo (Australia), si tuvieron una importante repercusión en Europa con su enérgico pop rock de garaje con influencias rhythm and blues, pop barroco y música psicodélica.
Esta es parte de una actuacion de la banda en un famoso programa de la TV australiana llamado Bandstand que se proyecto en ese pais de 1958 a 1972 en los estudios de TCN en Sidney, el video presenta un pequeño defecto de sincronización de la voz con el audio, seguro que las hermosas chicas go-gos lo compensaran sobradamente.

The Easybeats

A pesar de que la alineación de The Easybeats no era íntegramente australiana (aunque ante la historia se califique como de ese país), si fue muy influenciada por la migración europea hacia la sociedad de Australia de la post-guerra.
Los cinco miembros fundadores fueron originarios de familias que migraron a dicha nación desde Europa: el cantante Stevie Wright (1948-Leeds) y el baterista Gordon "Snowy" Henry Fleet (1946-Liverpool) son provenientes de Inglaterra; el guitarrista rítmico y pianista George Young (1947-Glasgow) es nacido en Escocia; el guitarrista principal Harry Vanda (1947-La Haya) y el bajista Dick Diamonde (1947-Hilversum) originarios de los Países Bajos.

La composición de los temas en su casi totalidad correspondió a la creatividad del dúo Young-Vanda. Wright también contribuyó en una buena parte de las canciones.
Ellos coincidieron en la escena musical de Sydney cuando eran estudiantes, lugar donde hicieron una breve carrera inspirados en bandas británicas de moda de la época, y utilizaron por algún tiempo el nombre de "Starfighters", hasta adoptar el definitivo "The Easybeats", nombre sugerido por Snowy.
Después de definir su sonido y construir un nombre reconocido alrededor de Sydney, a finales de 1964 el grupo fue contratado por Albert Productions, y, bajo la licencia de la división australiana de la etiqueta EMI Parlophone y con Ted Albert como productor, escribió y grabó 20 canciones originales, con un sonido fresco y vigente con las tendencias musicales.

Su mayor éxitoThe Easybeats para 1965 fueron un fenómeno en su país natal y editaron su primer LP llamado Easy, en septiembre de ese mismo año. Se considera un buen album en el cual se nota su influencia por el beat británico. En este disco destacan "For My Woman", "She's so Fine", la balada "Girl on my Mind" y el tema compuesto por Snowy "I'm Gonna Tell Everybody".
Durante 1965 y 1966 el grupo edita un éxito tras otro en Australia, con sencillos como "Wedding Ring", "Sad and Lonely and Blue", "Women", "Come and See Her", "I'll Make You Happy", "Sorry", entre otros y también edita los LP's It's 2 Easy y Volume 3.
En un inicio, las composiciones fueron primariamente escritas por Stevie Wright en colaboración con George Young, con características copiadas del sonido de Liverpool, en particular de sus primeros álbumes.
"For My Woman", su sencillo debut, se lanzó en marzo de 1965, en un estilo de un punk bolero de garage, presentando a Wright en una especie de lamento o agonía, acompañado por un ritmo cadencioso blues en las partes de guitarra, aspecto que recuerda a los Kinks en sus inicios.
“She´s So Fine”, su segundo sencillo, salió a la venta dos meses después, llegando al número 1 en listas de su país.
Su primer álbum, llamado Easy salió a la venta en septiembre de 1965, altamente influenciado por los Hollies (especialmente en el estilo musical de la guitarra de Tony Hicks), y en menor grado, inspirado en Los Beatles.
La combinación de la potente voz de Wright, y la energía instrumental de sus compañeros, hicieron de Easy uno de los mejores álbumes que llegaran con la Invasión Británica. Aún hoy en día se sigue editando oficialmente fuera de Australia.
Esta situación los convirtió en los verdaderos reyes del rock and roll de su nación, para el verano de 1965, con 8 temas en el Top Ten de sencillos, en sólo año y medio.
Su segundo y tercer álbumes It´s 2 Easy y Volume 3, fueron bastante similares en su concepción al anterior, aunque a partir del segundo, la banda decide hacer un cambio en las composiciones. Es bastante probable que si no se cambiara la dupla compositora Wright/Young los temas habrían sido bastante similares, hasta mediados de 1966, cuando cambian a Vanda y Young, que realizaron mayores experimentaciones y complejidades en el estilo y sonido.

The Easybeats ya son nombrados popularmente como los Beatles australianos, pero su manager, un tipo sagaz y ambicioso, quería que sus chicos triunfaran también internacionalmente, con todo esto el grupo viajó a finales de 1966 a Londres, Inglaterra, donde grabaron junto al famoso productor Shel Talmy un tema que arrasaría y se convertiría en un clásico de los años 60, el monumental "Friday on My Mind". La canción fue grabada bajo la etiqueta United Artists Records y lanzada en Estados Unidos el 17 de noviembre de 1966. "Friday on My Mind" fue el tema principal del álbum del mismo nombre, publicado hasta mayo de 1967 en el Reino Unido, Alemania y Estados Unidos. Para el resto del mundo, se incluyó previamente en enero de 1967 en su primer recopilatorio, The Best of The Easybeats + Pretty Girl.

Esta canción, atribuida a Vanda y Young sería un rotundo éxito llegando al número 1 en Australia, al 6 en el Reino Unido y al 16 en los Estados Unidos. También sería un éxito en media Europa (Top 10 en Alemania, Países Bajos, Francia e Italia), y llegó a vender más de un millón de copias alrededor del mundo. Esta será la única canción con la que se les conoció en América, curiosamente asociada a la corriente denominada como “Invasión Británica”.
Dentro de las versiones más conocidas, se cuenta la de David Bowie, que la incluyó en su álbum Pin Ups (1973), mientras que en 1977 la banda punk London introdujo el tema en su EP Summer of Love para MCA Records
Otros temas brillantes del LP son "Remember Sam", "Happy is the Man" y "Pretty Girl". En 1967 editaron un sencillo llamado "Heaven and Hell" el cual es censurado en Estados Unidos y en las radios inglesas. Este contratiempo los obligó a cambiar una línea de la canción, aunque no impidió que permaneciera inadvertida para el gran público. "Heaven and Hell" nunca apareció en un álbum de estudio oficial, a excepción de recopilaciones de éxitos posteriores.
The Easybeats estuvo siete meses en Inglaterra entre 1966 y 1967, escribiendo nuevas y más ambiciosas canciones dirigidas a nuevas audiencias, más notablemente en Alemania, donde fueron recibidos con entusiasmo que rivalizaba con sus presentaciones australianas. Posteriormente, hicieron algunas apariciones en vivo en algunas cadenas de televisión europeas.
La banda regresó a Australia en mayo de 1967 para un tour nacional, marcado por el punto máximo de su popularidad. Desgraciadamente, éste fue el último éxito importante que lograron en su carrera, para luego retornar a su base de operaciones en Londres a finales de ese mismo año.
En 1968 el grupo edita su obra maestra, el álbum Vigil, en el cual Vanda y Young alcanzan el nivel de genios compositivos. Destacan "Good Times", "Hello How Are You", "Come in You'll Get a Pneumonia" y "Land of Make Relieve".
Sin embargo, la banda empezó a perder coherencia en su sonido original y los miembros empezaron a tener diferencias entre sí. Durante este período de extrema experimentación y complejidad musical, destacan temas de gran originalidad y distintos a lo que se escuchaba en la escena rock del momento.

Al año siguiente, el grupo endurece su sonido y se centra más en un Rock ácido, muy propio de finales de los 60. Con este estilo editan su último LP Friends, con temas como "Rock and Roll Boogie", "Who are my Friends", "Can't Find a Love" y "St. Louis" que sería su último single, el cual estaría en las listas americanas.
Para mediados de 1969, The Easybeats eran una sombra de lo que fueron, y su música dejó de ser interesante para muchos fans. Con un trabajo muy similar al de los Tremeloes, bastante agradable pero nada comparable con la clase de sus grabaciones, apenas dos años atrás.
El batería Snowy Fleet había dejado el grupo en 1967 por razones familiares y había sido sustituido por Tony Cahill, al igual que Dick Diamonde, sustituido brevemente por Brad Jefferson en el bajo.
Sus excelentes composiciones no terminaron de calar en el público británico y aún en menor medida en el de Estados Unidos, y su último disco no tuvo las ventas esperadas.
La banda regresó a Australia definitivamente para un tour final, después de que Harry Vanda y George Young decidieran escribir canciones separadamente para otras agrupaciones de su país.
Tras esto el grupo se separó a finales de 1969. Vanda y Young se dedicaron a producir a músicos como AC/DC, John Paul Young (artífíces del hit "Love Is In The Air"), y al propio Stevie Wright. Muchos años más tarde este dúo compositivo se estableció como Flash And The Pan, y conseguirían un éxito local con "Waiting For The Train".
Stevie Wright formó en 1969 la banda Rochette y representó el musical australiano de Jesus Christ Superstar entre 1971 y 1973.
En abril de 1974 coescribió, junto a sus dos ex-compañeros de The Easybeats su álbum debut como solista, Hard Road, que llegó al número 5 en su país, y contenía su mayor éxito “Evie”, que llegó al número 2.
Otras bandas que conformó fueron All Stars, The Stevie Wright Band y Hard Rain. Su carrera estuvo marcada y limitada por el abuso de las drogas, hasta retirarse oficialmente de los escenarios en 1992, por motivos de salud.
Para el año 1986, The Easybeats con sus miembros originales se reunieron para realizar una serie de conciertos por Australia, para nunca volver a encontrarse. La exitosa gira nacional duró 6 meses, a partir de octubre de dicho año.
Fuente

The Easybeats en la TV australiana

Muere Barry Feinstein, verdadero icono de la fotografia de los años 60

Hoy navegando por la red he leido que el fotógrafo Barry Feinstein murió en la madrugada del jueves en un hospital de Nueva York por causas naturales, tenía 80 años. En las décadas de los sesenta y setenta, Feinstein retrató a las principales figuras del rock. Sus fotografías ilustraron las portadas de discos como “The Times They Are A-Changin’”, de Bob Dylan; “Pearl”, de Janis Joplin; “Beggars Banquet”, de los Rolling Stones; o “All Things Must Pass”, de George Harrison. En 1966 acompañó a Bob Dylan en su gira eléctrica. Eric Clapton, Miles Davis, Marlon Brando, Marlene Dietrich, Frank Sinatra, Steve McQueen, Judy Garland, John F Kennedy y Richard Nixon son algunos de los artistas y políticos que también posaron para Feinstein. Uno de sus últimos trabajos fue el cartel del documental de Martin Scorsese “No Direction Home”, de 2005.

"Hacer fotografía editorial tiene mucho que ver la suerte", dijo una vez en una entrevista para una retrospectiva de su trabajo en Los Angeles en la galería Morrison Hotel en Nueva York, seguro que el tenia mucha de esa suerte pues nos ha dejado maravillosas fotografias.

Feinstein es el tercer gran fotógrafo de la escena del rock de los años 60 que nos deja en los últimos dos años, después de que Jim Marshall nos lo hiciera en marzo del año pasado a la edad de 74 años y Robert Whitaker el mes pasado a los 71, grandes artistas de la imagen y que han tenido su sitio en este Blog.

Estas son algunas de sus fotografias :

Fotografias Barry Freinstein.

Stairway to Heaven - Led Zeppelin

Un gran tema y una gran banda, Los Zeppelin lograron verdaderos exitos en su carrera (1969-1980), con unos musicos excepcionales como Jimmy Page, un guitarrista que había participado como sesionista en cientos de grabaciones y es considerado uno de los guitarristas de rock más inspirados que existieron.
Robert Plant, un cantante nuevo y poseedor de un estilo sorprendente y una gran voz, John Paul Jones, uno de los músicos más completos de Inglaterra, que tocaba el bajo, la guitarra, la mandolina, el piano, Los teclados y la flauta, y John Bonham uno de los baterias mas personales de sus epoca.
Ellos nos regalaron este tema que empieza con lentas, armoniosas y delicadas notas, con una voz increible de Robert Plant, la creatividad en la guitarra de Jimmy Page con un excelente "solo de guitarra", la habilidad de John Bonham en la bateria, el sólido marcado del ritmo de Paul Jones en el bajo, ellos lograron que su tema "Stairway to Heaven" fuera considerado como uno de los mejores temas de la historia de la música.

"Stairway to Heaven" (Escalera hacia el cielo) es una canción del grupo de rock británico Led Zeppelin, compuesta por el guitarrista Jimmy Page y el cantante Robert Plant e incluida en el cuarto trabajo de estudio de la banda, Led Zeppelin IV. Está considerada por muchos como uno de los puntos culminantes de la historia del rock. Es una de las canciones más solicitadas en las emisoras de radio de los EE. UU., aunque no se ha publicado nunca en sencillo. El enorme éxito de la canción y la negativa de la banda a editar esta canción en sencillo ha podido contribuir a que Led Zeppelin IV sea uno de los álbumes más vendidos de la historia. No está enteramente claro si el título de la canción está inspirado en el título de una película. En las famosas revistas Guitar World y Rolling Stone, el solo de guitarra en La menor creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia, también la marca de instrumentos Gibson colocó este como el mejor en su lista de "Los Mejores 50 solos de la historia".

"Stairway to Heaven" fue publicada el 8 de noviembre de 1971 en el disco Led Zeppelin IV, el cuarto trabajo de la banda. Las malas críticas recibidas por Led Zeppelin III hicieron que Page no incluyese ni el título del álbum, ni el nombre de la banda, ni el logo de Atlantic Records en la portada: "Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: '¡Saquemos un álbum sin título!' De ese modo, a la gente le gustaría o nada". En esta portada aparece el cuadro de un hombre cargado de leña con desconchados en las paredes. En una de las viviendas que se observan al fondo de la imagen aparece la frase: "Alguien muere de hambre cada día" en un cartel blanco. En el interior del álbum aparecen cuatro símbolos que se corresponden con cada uno de los miembros de la banda, y la representación de El Ermitaño, una de las cartas del tarot que otorga sabiduría, autosuficiencia y precaución. De estos cuatro símbolos, todos tienen su explicación excepto el relacionado con Page, sobre el que hay varias teorías acerca de su significado, aunque ninguna de ellas fue nunca confirmada por el guitarrista inglés.

La canción, al igual que la mayor parte de las canciones del álbum, fue compuesta en Headley Grange, una mansión de estilo victoriano sin electricidad pero con buena acústica situada en la ciudad inglesa de Hampshire. De acuerdo con Page, la música fue escrita por él a través de un largo período de tiempo y habría comenzado a idearse en Bron-Yr-Aur, una cabaña semiabandonada del interior de Gales en la que la banda grabó el álbum Led Zeppelin III. Después de acabada la composición completamente, fue grabada en diciembre de 1970 en los estudios Island de Londres.

Plant describe el proceso de la creación de la letra en Headley Grange: "Yo estaba sentado con Page en frente del fuego en Headley Grange. Page había compuesto algunas notas y entonces las tocó para mí. Tenía lápiz y papel y por alguna razón me sentía de muy mal humor. Entonces de repente mi mano comenzó a escribir las palabras. Sólo me senté ahí y observé las letras, y cuando las oí casi salté de mi asiento".

En esta letra aparece mencionada una dama de la que no se conoce su identidad. Page, al ser preguntado por ella, respondía que ella es Julie Condon, no se sabe si de modo sarcástico o veraz. Algunas fuentes citan a esta mujer como la Reina de Mayo, la que suele presidir las fiestas de primavera, aunque Plant daría una explicación al respecto: "Lo que es, es el comienzo de la primavera, cuando los pájaros hacen sus nidos, cuando empiezan la esperanza y el nuevo año. Y no tiene nada que ver con esas cosas raras que se leen en América".

Acusaciones de satanismo"Stairway to Heaven" ha sido acusada de contener mensajes satánicos cuando se reproduce hacia atrás aproximadamente en la mitad de la canción, dando como resultado el siguiente mensaje: "Oh here’s my sweet Satan. The one whose little path would make me sad, whose power is Satan. He’ll give you 666, there was a little toolshed where he made us suffer, sad satan". Este mensaje, en su traducción al español, significa:

Oh aquí está mi dulce Satán. Aquel cuyo estrecho camino me hiciera triste, cuyo poder es de Satan. Él te dará 666, había un pequeño cobertizo donde él nos hacia sufrir, triste Satán".
Esta afirmación fue negada por los miembros de la banda. Robert Plant, cantante y compositor de la letra de la canción, manifestó:

"En primer lugar, ¿A quién se le hubiese ocurrido eso? Tienes que tener mucho tiempo libre para siquiera considerar que alguien pueda hacer eso. Y especialmente con 'Stairway to Heaven', estábamos tan orgullosos de ella, y sus intenciones son tan positivas. La sola idea me parece sucia, pero es muy americano, en ningún otro sitio del mundo nadie se lo ha planteado o se han preocupado por ello. Si los mensajes al revés funcionasen todos los discos llevarían 'compra este álbum' escondido".
Por su parte, después de la polémica formada alrededor de la banda por sus supuestas connotaciones ocultas, la discográfica Swan Song Records, fundada por la banda en 1974, negó todas estas acusaciones comunicando que sus vinilos "sólo giran hacia delante".

La comunidad científica se puso del lado del grupo inglés al admitir que es imposible descifrar un mensaje grabado al revés al escucharlo hacia delante. Sin embargo, la controversia consiguió superar estas acusaciones, ya que la letra de "Stairway to Heaven" es en algunas partes confusa, de las que no se ha conseguido aún extraer su significado completo. Sin embargo, la conexión entre la pieza y el satanismo adquiere fuerza al ser Jimmy Page un seguidor del ocultista Aleister Crowley, creador de la secta del Iluminismo Científico. El guitarrista británico compró la mansión de Crowley, Boleskine House, en el año 1970, situada en la orilla del lago Ness, en la que Crowley realizó rituales oscuros y orgías basadas en el sexo y en la ingesta de drogas. Cabe destacar, además, que Page poseía una librería llamada Equinox, nombre tomado de la revista homónima en la que Crowley divulgaba sus enseñanzas. En esta tienda, Page ofrecía material relacionado con el oscurantismo en general, pero tuvo que abandonarla después de introducirse en el mundo de la música. Tal fue la afición del guitarrista por Crowley que nombró a la compañía discográfica que creó en 1974, Swan Song Records, según uno de los pseudónimos que empleaba el oscurantista británico. En estos libros, Crowley enseñaba a sus seguidores cómo leer y hablar hacia atrás fluidamente.

No obstante, no se sabe con seguridad que Page realizase rituales oscuros durante su estancia en Led Zeppelin, aunque emplease Boleskine House para organizar desenfrenadas fiestas, al igual que su antiguo propietario. Al contrario de la creencia popular, "Stairway to Heaven" no fue compuesta en esta mansión, sino que fue ideada en un principio en Bron-Yr-Aur, una cabaña abandonada en el interior de Gales que fue acondicionada por el grupo para grabar el disco Led Zeppelin III. La canción fue finalizada en Headley Grange, Hampshire, y grabada en los estudios Island de Londres en diciembre de 1970.

Las posteriores tragedias que sufrieron los miembros de la banda suscitaron rumores satánicos alrededor de esta canción, que resultó ser una de las más conocidas de la banda. Además del supuesto mensaje escondido en la grabación de la pista, la leyenda cobró fuerza con la muerte del hijo de Plant, Karac Pendra, de una extraña infección estomacal, lo que unido al accidente que sufrió el vocalista en la isla de Rodas pocos años después provocó que se extendiese el rumor acerca de la conexión entre estos sucesos y la relación hacia el ocultismo de Page. Este rumor cobró aún más fuerza con la muerte tras coma etílico del baterista John Bonham en Boleskine House, que desembocó en la separación de sus integrantes.

Varias teorías, entre la que destaca la del profesor de la facultad de psicología de la Universidad de Londres Christopher French, afirman que la audición de fragmentos sin sentido o ambiguos, como es el caso de "Stairway to Heaven" en su reproducción hacia atrás, se basa en un efecto psicológico llamado pareidolia, según el cual se perciben estímulos cuyo significado es poco claro en sensaciones perfectamente definidas. Este fenómeno también está detrás de los avistamientos de OVNIs o de la supuesta imagen del diablo en el humo provocado por los atentados del 11-S.

No es ésta la única canción acusada de contener mensajes satánicos ocultos. Temas famosos como "Another One Bites the Dust" de Queen, "Imagine" de John Lennon, "Hotel California" de The Eagles, "Break on Through (To the Other Side)" de The Doors o "Revolution 9" de The Beatles fueron y son sospechosas de contener mensajes que fomentan el consumo de drogas, el satanismo o la violencia.

A pesar de que "Stairway to Heaven" no fue nunca editada en formato sencillo, alcanzó rápidamente un sonado éxito dentro y fuera del Reino Unido, y Led Zeppelin IV consiguió situarse como el cuarto disco más vendido de la historia con más de 23 millones de copias sólo en los Estados Unidos[16] (aún hoy vende más de 4.000 copias a la semana). Los primeros trazos del éxito comenzaron en la primera presentación en directo de la canción, el 5 de marzo de 1971 en el Ulster Hall de Belfast. En ella, después de escuchar la canción, el público se quedó en silencio, lo que hizo que Plant, ante esta situación, le dijese al resto de miembros del grupo: "Creo que vamos a eliminar esta canción del disco". Sin embargo, segundos después la congregación prorrumpió en aplausos pidiendo que se volviese a interpretar. Aunque esta anécdota nunca ha sido confirmada por los integrantes de la banda, la canción se convirtió en un fijo en los conciertos de la formación.[4] En un documental sobre la banda, John Paul Jones dijo que la audiencia ese día no estaba tan impresionada porque querían oír las canciones famosas, como "Whole Lotta Love".

Este tema es actualmente el más reproducido en las emisoras de radio de los Estados Unidos, habiendo sido solicitado en las radios de todo el mundo más de tres millones de veces. Su partitura es la más vendida en la historia de la música rock, con más de 1.2 millones de ejemplares.
Fuente

Letra en español

Hay una dama quien asegura que todo lo que brilla es oro
Y está comprando una escalera al cielo
Y cuando ella llega allí sabe si las tiendas están cerradas
Con una palabra ella puede obtener lo que vino a buscar

Mmmm.. oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Hay una señal en la pared pero ella quiere estar segura
Y sabes que a veces las palabras tienen dos significados
En el árbol por el riachuelo hay un pájaro que canta y dice
Que a veces todos nuestros pensamientos son un presentimiento

Mmmm... oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Hay un sentimiento que tengo cuando miro hacia el oeste
Y mi espíritu clama por salir
En mis pensamientos he visto anillos de humo a través de los árboles
Y las voces de aquellos que están parados mirando

Mmmm... oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Y se susurra que pronto, si nosotros llamamos la melodía
Entonces el flautista nos llevará a razonar
Y un nuevo día amanecerá para aquellos que están de pie
Y el bosque hará eco de risas

Y me hace preguntarme
Si hay bullicio en tu vallado
No te alarmes ahora
Es solo limpieza de primavera para la Reina de Mayo

Si hay dos caminos por donde puedes ir
Pero en la larga carrera
Aún hay tiempo para cambiar tu ruta

Tu cabeza está zumbando y no se irá porque no sabes
Que el flautista te está llamando a que te unas a él
Querida dama, no puedes oír el viento soplar y tu sabías
Tu escalera está en el viento susurrante

Y mientras nosotros seguimos bajo el camino
Nuestras sombras mas grandes que nuestras almas
Allí camina una dama que todos conocemos
Quien resplandece luz blanca y quiere mostrar
Como todo aún se convierte en oro
Y si tu escuchas muy atento
La melodía vendrá a ti al fin
Cuando todo es uno y uno es todo
Ser una piedra y no para rodar
Woe oh oh oh oh
Y está comprando una escalera al cielo

Hay una dama quien asegura que todo lo que brilla es oro
Y está comprando una escalera al cielo
Y cuando ella llega allí sabe si las tiendas están cerradas
Con una palabra ella puede obtener lo que vino a buscar

Y está comprando una escalera al cielo, uh uh uh.

Esta es una de las interpretaciones en directo de esta magnifica canción

Posters por la paz

¿ Que hacemos nosotros cada dia por la Paz ?

Pensemos un segundo en los muertos, culpables e inocentes, en los mutilados, en los heridos, en los traumatizados, en los hogares destrozados, en el despilfarro de dinero, en el abuso por parte de unos, en las heridas que no cierran y el odio y el rencor que se siembra, el ejemplo que damos a las nuevas generaciones, la destrucción de tanto esfuerzo, en el hambre, en la pobreza, la contaminación, las minas y muerte y dolor que sigue apareciendo mucho tiempo después, en el largo camino a recorrer para recuperar una nación o una región.


No podemos detener una guerra, pero podemos luchar por un mundo mejor, no podemos evitar la violencia de género. Pero podemos aprender a respetar a los demás. No podemos acabar con las injusticias. Pero podemos ser justos. No podemos impedir que haya ricos y pobres. Pero podemos ser generosos. Si a la paz no a las guerras, os dejo unas imagenes de unos posters con mensajes pacifistas.

Posters por la paz.

Woodstock, la canción

"Woodstock" . Es una canción acerca de la Música y el Arte de Woodstock de 1969, Joni Mitchell escribió la canción de lo que había escuchado de su entonces novio, Graham Nash , sobre el festival. Ella siempre lamento no haber asistido, todo se debió a que su representante le convenció para aparecer en el Show de tv Dick Cavett, perdiendo así la oportunidad de estar presente en uno de los festivales mas famosos de la historia de la música


Ella escribió esta canción en una habitación de un hotel de Nueva York, después de ver las noticias y los reportajes en la televisión del famoso festival. La canción más tarde pasó a ser un de los éxitos de Crosby, Stills, Nash and Young y Matthews Southern Comfort , este último alcanzando el puesto número 1 en la lista de singles del Reino Unido durante tres semanas en octubre de 1970, y número 11 en el Billboard Hot 100 . David Crosby, en una entrevista en el documental de Joni Mitchell: Woman del corazón y la mente , dijo que Mitchell había capturado el sentimiento y la importancia del festival de Woodstock mejor que nadie que había estado allí.

Letra
I came upon a child of God
He was walking along the road
When I asked him where are you going
This he told me
I'm going down to Yasgur's farm
Think I'll join a rock and roll band
I'll camp out on the land
I'll try and set my soul free

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

Then can I walk beside you
I have come here to lose the smog
And I feel just like a cog in something turning
Well maybe it's the time of year
Or maybe it's the time of man
And I don't know who I am
But life's for learning

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

By the time I got to Woodstock
They were half a million strong
Everywhere there was songs and celebration
And I dreamed I saw the bombers
Riding shotgun in the sky
Turning into butterflies
Above our nation

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

We are stardust, we are golden
And we've got to get ourselves back to the garden

Ian Matthews es un histórico del Folck- Rock con una calidad reconocida. Trabajó con Fairport Convention en sus primeras producciones (su incorporación parece que se produjo en la misma época que la de Sandy Denny). Cuando Fairport se orientó más hacia la música de raices céticas y británicas, Ian formó su propia banda: Matthews Southern Comfort, más orientada hacia el folck-rock o country progresivo. Se marchó a EE.UU y allí ha desarrollado la mayor parte de su carrera. Sus posteriores discos los produce con su nombre: Ian Mathews.
Tiene una voz increible y sus arreglos son sumamente agradables al oido. En fin, lo mejor es oirlo y disfrutarlo con esta maravilla de canción, buen fin de semana amigos

"Atom Heart Mother" el quinto album de Pink Floyd

Que os puedo decir de Pink Floyd, que es un mito ... que es magia celestial, que suenan como los ángeles , la verdad es que me faltan palabras para poder definir a esta gran banda de Rock, ya han pasado 41 años desde que Pink Floyd lanzó "Atom Heart Mother" en octubre de 1970, creo que se merecen que recordemos este acontecimiento y que mejor que unos vídeos donde podemos ver como la banda interpreta el tema que da lugar al nombre de este disco que fue todo un éxito en el Reino Unido, ya que encabezó las listas, pero que sólo alcanzó el número 55 en los EE.UU.. seguro que merecieron mas como así sucedió en la reedicion de 1994. Pero dejando esa introducción de lado, Atom Heart Mother es considerado por muchos una de las creaciones más grandes de la banda.

"Atom Heart Mother" es el quinto álbum de la banda británica Pink Floyd. Un trabajo que muestra un alejamiento del rock psicodélico para entrar en el sinfónico y el progresivo

Corría el año 1970 y la banda sostenía el sonido que años antes había logrado. Con la separación de Syd Barrett, los integrantes de la banda deciden seguir la carrera cuesta arriba.

La primera canción del disco llamada Atom Heart Mother, una composición musical en donde se muestra la perspicacia de los sonidos de cada uno de los integrantes. Este tema ocupa el primer lado entero del LP, repitiendo patrones de la banda por largas composiciones instrumentales. Esta pieza no iba a ser orquestada originalmente. Hasta el momento en que reunieron todo el trabajo realizado, la idea de orquestarla no surgió. Ron Geesin se encargó de la orquestación, y tuvo serios problemas con la banda. Abandonó el proyecto sin que fuera completado, y lo finalizó John Aldiss. Originalmente se iba a llamar The Amazing Pudding, pero era un título que no los convencía, Ron Geesin les sugirió a la banda que leyeran el diario para ver si les inspiraba un nombre. Nick Mason encontró una noticia sobre una mujer embarazada que había sido sometida a una operación de corazón, y tenía un marcapasos atómico, el título de la nota era Atom Heart Mother. El tema y el disco fueron bautizados. La canción está divida en partes debido a que en el momento en que fue editada se cobraban derechos de autor dependiendo de la cantidad de temas del disco.

Seguido a este se encuentra "If", canción acerca de la amistad y con quizá alguna referencia a Barrett.
A continuación la titulada "Summer '68", escrita por Richard Wright, es una crítica al estilo de vida de los músicos del rock, considerado por muchos fans como la mejor canción del disco. Cuenta con una extraña aportación orquestral un final suave.
Luego, venía la canción "Fat Old Sun" que poseía sonidos del blues escrita por "David Gilmour",de una letra dulce y coronada por un característico solo de guitarra al final.
Finalizando el disco se encontraba la canción "Alan's Psychedelic Breakfast", que se traduce como "El desayuno psicodélico de Alan"canción que combina pasajes instrumentales con sonidos de desayuno, y grabado en la cocina del propio Mason.En la canción se aprecian tres partes diferentes, con sonidos como cereales volcandose en un cuenco y huevos friendose.
En la tapa del disco se puede ver a una vaca en un campo. No contiene texto. La banda quería que la tapa de este disco fuera lo menos "Pink Floyd" y psicodélica posible. Hablaron con Storm Thorgerson, diseñador de la misma, y se dirigió a un área rural y fotografió lo primero que vio. Lulubelle III es el nombre de la vaca.
El disco fue grabado entre marzo y agosto de 1970, en los Estudios Abbey Road. Fue producido por Pink Floyd. El ingeniero de sonido fue Peter Bown, asistido por Alan Parsons. Fue editado en LP el 10 de octubre de 1970. Alcanzó el número 1 en las listas de Reino Unido y el número 55 en Estados Unidos. Fue certificado disco de oro en Estados Unidos en marzo de 1994. Una versión remasterizada digitalmente fue editada en disco compacto en 1994 en Reino Unido y en 1995 en Estados Unidos.
La edición original en LP contiene grabada en el surco final del disco, el ruido de una gota al caer, cuando el disco termina, al no levantarse la púa, se escucha caer una gota infinitamente.
En la re-edición en disco compacto de 1994 el disco viene acompañado de una tarjeta con dos recetas para desayuno, una en alemán y la otra en inglés. Las recetas parecen ser una especie de broma o exageración, las mismas incluyen por ejemplo: 1 camello mediano, 1 huevo, 250 cabezas de ajo, 1 cordero de primavera, etc.
Fuente
Heart Mother Suite aun se pueden apreciar rastros de psicodelia, sin embargo muy escasos, a lo largo de los 24 minutos de duración de la pieza nos encontramos con diferentes arreglos orquestados, que convierten esta pieza en un rock sinfónico por momentos caótico pero hermoso.

Pink Floyd - Atom Heart Mother Part 1/3 - Live In San Francisco - 1970



Pink Floyd - Atom Heart Mother Part 2/3 - Live In San Francisco - 1970



Pink Floyd - Atom Heart Mother Part 3/3 - Live In San Francisco - 1970

Singels 1971 número 36

Bee Gees - How Can You Mend a Broken Heart

"How Can You Mend a Broken Heart" (en idioma español: ¿Cómo Puedes Reparar un Corazón Roto?) es una canción de The Bee Gees lanzada en 1971. La canción fue escrita por Barry y Robin Gibb en agosto de 1970, cuando los hermanos Gibb habían vuelto a reunirse luego de un período en el cual se habían separado. Ellos declararon que originalmente habían ofrecido la canción a Andy Williams, pero a última hora los Bee Gees la grabaron con sus voces y la incluyeron en el álbum de 1971, Trafalgar.

La canción fue grabada el 28 de enero de 1971 en Londres. La parte instrumental estuvo a cargo de: Barry Gibb (guitarra), Maurice Gibb (guitarra, piano, bajo), posiblemente Alan Kendall (guitarra), y Geoff Bridgeford (Batería), con cuerdas y viento-maderas controlados y conducidos por Bill Shepherd. Los cantantes son Robin (solo en el verso de apertura, Barry (solo en el coro y el segundo verso), y Maurice (se le une a Barry y Robin en la armonía de los coros). Fue lanzado como sencillo en mayo de 1971 después del álbum. El lado B del sencillo fue una canción que no fue lanzada en álbumes, "Country Woman", escrita por Maurice Gibb, grabada el 6 de abril por Maurice (guitarra, piano, bajo), Kendall (guitarra), Bridgeford (batería), y Shepherd (cuerdas y trompeta).

Al Green realizó un cover de la canción en su álbum de 1972 Let's Stay Together. La canción fue además hecha cover por Michael Bublé en 2003, con Barry Gibb cantando en la voz de fondo, en su álbum del mismo nombre Michael Bublé. La versión de Bublé alcanzó el Top 30 de la lista "Billboard Adult Contemporary". La cantante de jazz y pianista Diana Krall no ha grabado ésta canción, pero fue interpretada por ella en su tour de 2007.

La canción falló en alcanzar el UK Singles Chart, pero fue el primer sencillo de los Bee Gees en los Estados Unidos en llegar al #1 en el Billboard Hot 100, además alcanzó el lugar #4 en el "Billboard Easy Listening Survey".

Canción


Letra
I can think of younger days when living for my life
Was everything a man could want to do
I could never see tomorrow, but I was never told about the sorrow

And how can you mend a broken heart?
How can you stop the rain from falling down?
How can you stop the sun from shining?
What makes the world go round?
How can you mend a this broken man?
How can a loser ever win?
Please help me mend my broken heart and let me live again

I can still feel the breeze that rustles through the trees
And misty memories of days gone by
We could never see tomorrow, no one said a word about the sorrow

And how can you mend a broken heart?
How can you stop the rain from falling down?
How can you stop the sun from shining?
What makes the world go round?
How can you mend this broken man?
How can a loser ever win?
Please help me mend my broken heart and let me live again ..

Video

Aretha Franklin "Lady Soul" TV-Special 1968

Aretha Franklin es famosa gracias a su apodo “Lady Soul” o “Queen of soul”, lo que viene a decir que está considerada como la reina del Soul. Para muchos, Aretha Franklin es una de las artistas más influyentes de la música contemporánea. Tal es así, que ha sido influencia directa de cantantes y artistas que hoy en día son estrellas del panorama musical, como Whitney Houston, Anastacia, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, Alicia Keys, Aaron Neville, y otros muchos.

Su influencia y su consolidación como artista en los años 60, fue aprovechada para luchar contra la discriminación racial, que por aquel entonces sufrían las personas de color, así como del movimiento de liberación femenina

Disfrutemos de la legendaria Aretha Franklin, y viajemos al inicio a su gira europea de 1968 en Estocolmo, Suecia. El sonido en el Audio un poco defectuoso durante el primer minuto o así (hay que tener en cuenta despues de todo que es una cinta de 1968), en canvio la parte del concierto en video es de bastante calidad.

Swedish TV broadcast of an awesome Aretha Franklin concert in Stockholm

"(You Make Me Feel Like) A Natural Woman"



"Come Back Baby"


"Dr Feelgood (Love Is A Serious Business)"
"Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)"
"I Never Loved A Man (The Way I Love You)"
Chain Of Fools"
"Respect"

Audio

1st show on '68 Europe Tour

1. Don't Let Me Lose This Dream >
2. Soul Serenade
3. Night Life >
4. Baby, I Love You >
5. Groovin'
6. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
7. Come Back Baby
8. Dr. Feelgood (Love Is A Serious Business)
9. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)
10. I Never Loved A Man (The Way I Love You)
11. Chain Of Fools >
12. Respect

Performers:
Russell Conway: Trumpet
George Davidson: Drums
Aretha Franklin: Piano, Vocals
Carolyn Franklin: Vocals, Vocals (Background)
Gary Illingworth: Piano

Aretha Franklin es mucho más que una gran voz. Con su trabajo para el sello Atlantic a fines de los '60 y principios de los '70, "Lady Soul" se convirtió en el estándar de cantante femenina: todas las vocalistas que surgieron desde ese momento hasta ahora fueron indefectiblemente comparadas con ella. Algunas han sabido honrar su legado, pero ninguna habría de superarla en carisma y talento.
Aretha comenzó su carrera cantando gospel. Grabó su primer álbum, The gospel soul of Aretha Franklin (1956), cuando tenía 14 años. Luego, fichada por el sello Columbia, tuvo algunos hits menores durante la primera mitad de los '60, pero -disconforme con el repertorio pop que se le imponía- dejó la discográfica y firmó con Atlantic. Allí se cruzó con una figura fundamental en su carrera: el productor Jerry Wexler. Decidido a rescatar su faceta soul, Wexler le hizo grabar su primer single ("I never loved a man (the way I love you)" en el estudio Muscle Shoals con músicos vastamente curtidos en el R&B. La combinación de la voz profunda e intensa de Aretha con el irresistible groove de la Muscle Shoals Sound Rhythm Section se convirtieron en una sociedad inseparable.
A fines de los '60, gracias a hits como "Respect", "Chain of fools", "Baby I love you", "I say a little prayer" o "Think", Aretha Franklin se convirtió en una de las artistas más exitosas de los Estados Unidos. Sus álbumes I never loved a man the way I love you (1967) y Lady soul (1968) son la "biblia" del soul vocal femenino. El secreto era -además de su apasionada interpretación- la inteligente elección del material, que alternaba temas originales con clásicos del gospel, blues y covers de artistas como los Beatles y Simon & Garfunkel.
En los primeros '70 supo mantener su suceso comercial y artístico con temas como "Spanish harlem" o "Day dreaming". Luego eligió otros rumbos: grabó un disco doble (Amazing grace, 1972) en el cual volvió a sus raíces gospel, para después volcarse a un sonido más pop que no la benefició. Desde ese momento ha logrado algunos hits ocasionales, en una carrera con altibajos que, de todos modos, suele volver a la buena senda. Prueba de esto es su trabajo de 2003, So damn happy, en el que suena vigorosa y contemporánea.

41 años sin Janis Joplin

Ayer tal dia como hoy se cumplieron cuarenta y un años de la muerte de Janis Joplin. La artista norteamericana, nacida en Texas el año 1943, fue uno de los símbolos más importantes de la contracultura de los años 60. Formó parte de uno de los movimientos musicales más fructíferos del siglo XX, dando a luz discos tan memorables como Big Brother & the Holding Company, grabado con dicha banda y que, según la revista Rolling Stone, está entre los 500 mejores discos de toda la historia de la música.

Bien es sabido de la adicción a la heroína de esta gran cantante, autora de temas como Cry Baby. Poco antes de su muerte salió publicado su último disco, Pearl, que contiene canciones tan brillantes como Mercedes Benz o Me And Bobby McGee. La sobredosis de heroína que la mató dejó sorprendida a mucha gente de su entorno, que creía que Janis Joplin ya no consumía. De hecho, su muerte está rodeada de gran misterio, pues no se encontraron jeringuillas y la pureza de la droga era extremadamente inusual. Su muerte, junto con la de Jim Morrison, Jimi Hendrix o Kurt Cobain, ha sido una de las más sonadas en el mundo de la música y, particularmente, en el del Rock and Roll.

Joplin escribió: "Mercedes Benz", junto con el poeta Michael McClure y Neuwirth Bob, como una crítica social de cómo la gente relaciona la felicidad con el dinero y las posesiones materiales. La canción fue escrita originalmente como una especie de comentario negativos acerca de todas aquellas personas materialistas que ponen demasiado valor a cosas como un Mercedes-Benz. La canción en gran medida refleja la opinión de Joplin sobre este mundo.


Janis Joplin (1943 - 1970), su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada gran estrella del rock.
Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Los padres de Janis habían querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.
Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales. Rechazaba el racismo y se le acusaba de «amiga de los negros». A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.
Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Luego de este suceso, volvió a la música. Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda «Big Brother and the Holding Company», logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Chip Trealls. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos.
Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds, Otis Redding. Ya entonces aspiraba «a ser algo más que la reina de los hippies». Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado…
A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: «nada que siente tan bien puede ser malo». «Sólo quiero algo de paz».
En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo.
Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. «Cosmic Blues Band» sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Rolling Stone la denominó la «Judy Garland del rock».
Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que «hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola…» Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría «ojalá no hubieras nacido».
En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar «Pearl» con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.
Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco «Pearl», que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

Rory Gallagher - The beat club sessions 1971-72

Trágicamente, el guitarrista y cantante de Rory Gallagher (2 marzo 1948 a 14 junio 1995), nos abandono demasiado pronto, y aunque nos dejó un gran legado bajo, su presencia única y maravillosa se encuentra a faltar entre el gran numero de fieles seguidores en todo el mundo y entre los que se encuentra un servidor.

Rory era un alma tímida, sencilla, un hombre de pocas palabras pero de sorprendente profundidad y gran integridad. Él era un hombre que nunca pondría en peligro sus creencias musicales, dirección, o lo que él creía correcto. Un hombre que era un guitarrista mucho mejor que muchos que han logrado un éxito más comercial.

Hace ya unos años que Rory nos dejó, pero el interés y amor por el hombre y su música ha crecido enormemente, disfrutemos de esta actuación en el Beat Club.

Rory no es ajeno a las cámaras y a las luces, Rory Gallagher fue un habitual en el programa de la televisión alemana "Beat Club" en los años 70, programa en el que apareció hasta cuatro veces en un plazo de dos años, una vez con su banda "Test" en 1970 y otras tres entre 1971 y 1972 para mostrar su material de sus dos primeros álbumes en solitario, estas sesiones en The Beat Club nos permiten disfrutar de la destreza de Gallagher con su guitarra así que no perdáis la ocasión de ver con que pasión y entusiasmo actúa este famoso pistolero irlandés en el escenario.

01 - Laundromat
02 - Hands up
03 - Sinnerboy
04 - Just the smile
05 - Used to be
06 - In your town
07 - Sould've learned my lesson
08 - Crest of a wave
09 - Toredown
10 - Pistol slapper blues
11 - Don't know where I'm going
12 - Going to my hometown
13 - I could've I had religion
14 - McAvoy boogie
15 - Hoodoo man
16 - Messin' with the kid