Aretha Franklin "Lady Soul" TV-Special 1968

Aretha Franklin es famosa gracias a su apodo “Lady Soul” o “Queen of soul”, lo que viene a decir que está considerada como la reina del Soul. Para muchos, Aretha Franklin es una de las artistas más influyentes de la música contemporánea. Tal es así, que ha sido influencia directa de cantantes y artistas que hoy en día son estrellas del panorama musical, como Whitney Houston, Anastacia, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, Alicia Keys, Aaron Neville, y otros muchos.

Su influencia y su consolidación como artista en los años 60, fue aprovechada para luchar contra la discriminación racial, que por aquel entonces sufrían las personas de color, así como del movimiento de liberación femenina

Disfrutemos de la legendaria Aretha Franklin, y viajemos al inicio a su gira europea de 1968 en Estocolmo, Suecia. El sonido en el Audio un poco defectuoso durante el primer minuto o así (hay que tener en cuenta despues de todo que es una cinta de 1968), en canvio la parte del concierto en video es de bastante calidad.

Swedish TV broadcast of an awesome Aretha Franklin concert in Stockholm

"(You Make Me Feel Like) A Natural Woman"



"Come Back Baby"


"Dr Feelgood (Love Is A Serious Business)"
"Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)"
"I Never Loved A Man (The Way I Love You)"
Chain Of Fools"
"Respect"

Audio

1st show on '68 Europe Tour

1. Don't Let Me Lose This Dream >
2. Soul Serenade
3. Night Life >
4. Baby, I Love You >
5. Groovin'
6. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
7. Come Back Baby
8. Dr. Feelgood (Love Is A Serious Business)
9. Since You've Been Gone (Sweet Sweet Baby)
10. I Never Loved A Man (The Way I Love You)
11. Chain Of Fools >
12. Respect

Performers:
Russell Conway: Trumpet
George Davidson: Drums
Aretha Franklin: Piano, Vocals
Carolyn Franklin: Vocals, Vocals (Background)
Gary Illingworth: Piano

Aretha Franklin es mucho más que una gran voz. Con su trabajo para el sello Atlantic a fines de los '60 y principios de los '70, "Lady Soul" se convirtió en el estándar de cantante femenina: todas las vocalistas que surgieron desde ese momento hasta ahora fueron indefectiblemente comparadas con ella. Algunas han sabido honrar su legado, pero ninguna habría de superarla en carisma y talento.
Aretha comenzó su carrera cantando gospel. Grabó su primer álbum, The gospel soul of Aretha Franklin (1956), cuando tenía 14 años. Luego, fichada por el sello Columbia, tuvo algunos hits menores durante la primera mitad de los '60, pero -disconforme con el repertorio pop que se le imponía- dejó la discográfica y firmó con Atlantic. Allí se cruzó con una figura fundamental en su carrera: el productor Jerry Wexler. Decidido a rescatar su faceta soul, Wexler le hizo grabar su primer single ("I never loved a man (the way I love you)" en el estudio Muscle Shoals con músicos vastamente curtidos en el R&B. La combinación de la voz profunda e intensa de Aretha con el irresistible groove de la Muscle Shoals Sound Rhythm Section se convirtieron en una sociedad inseparable.
A fines de los '60, gracias a hits como "Respect", "Chain of fools", "Baby I love you", "I say a little prayer" o "Think", Aretha Franklin se convirtió en una de las artistas más exitosas de los Estados Unidos. Sus álbumes I never loved a man the way I love you (1967) y Lady soul (1968) son la "biblia" del soul vocal femenino. El secreto era -además de su apasionada interpretación- la inteligente elección del material, que alternaba temas originales con clásicos del gospel, blues y covers de artistas como los Beatles y Simon & Garfunkel.
En los primeros '70 supo mantener su suceso comercial y artístico con temas como "Spanish harlem" o "Day dreaming". Luego eligió otros rumbos: grabó un disco doble (Amazing grace, 1972) en el cual volvió a sus raíces gospel, para después volcarse a un sonido más pop que no la benefició. Desde ese momento ha logrado algunos hits ocasionales, en una carrera con altibajos que, de todos modos, suele volver a la buena senda. Prueba de esto es su trabajo de 2003, So damn happy, en el que suena vigorosa y contemporánea.

41 años sin Janis Joplin

Ayer tal dia como hoy se cumplieron cuarenta y un años de la muerte de Janis Joplin. La artista norteamericana, nacida en Texas el año 1943, fue uno de los símbolos más importantes de la contracultura de los años 60. Formó parte de uno de los movimientos musicales más fructíferos del siglo XX, dando a luz discos tan memorables como Big Brother & the Holding Company, grabado con dicha banda y que, según la revista Rolling Stone, está entre los 500 mejores discos de toda la historia de la música.

Bien es sabido de la adicción a la heroína de esta gran cantante, autora de temas como Cry Baby. Poco antes de su muerte salió publicado su último disco, Pearl, que contiene canciones tan brillantes como Mercedes Benz o Me And Bobby McGee. La sobredosis de heroína que la mató dejó sorprendida a mucha gente de su entorno, que creía que Janis Joplin ya no consumía. De hecho, su muerte está rodeada de gran misterio, pues no se encontraron jeringuillas y la pureza de la droga era extremadamente inusual. Su muerte, junto con la de Jim Morrison, Jimi Hendrix o Kurt Cobain, ha sido una de las más sonadas en el mundo de la música y, particularmente, en el del Rock and Roll.

Joplin escribió: "Mercedes Benz", junto con el poeta Michael McClure y Neuwirth Bob, como una crítica social de cómo la gente relaciona la felicidad con el dinero y las posesiones materiales. La canción fue escrita originalmente como una especie de comentario negativos acerca de todas aquellas personas materialistas que ponen demasiado valor a cosas como un Mercedes-Benz. La canción en gran medida refleja la opinión de Joplin sobre este mundo.


Janis Joplin (1943 - 1970), su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada gran estrella del rock.
Nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, localidad industrial de Texas. Los padres de Janis habían querido que fuera maestra. Su padre, Seth, trabajaba en una refinería. Su madre, Doroty, había destacado cantando en su instituto.
Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales. Rechazaba el racismo y se le acusaba de «amiga de los negros». A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.
Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Luego de este suceso, volvió a la música. Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda «Big Brother and the Holding Company», logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Chip Trealls. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos.
Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds, Otis Redding. Ya entonces aspiraba «a ser algo más que la reina de los hippies». Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado…
A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossmael. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: «nada que siente tan bien puede ser malo». «Sólo quiero algo de paz».
En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin, aunque no tanto para el grupo.
Albert Grossmael le propuso un cambio de grupo. «Cosmic Blues Band» sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió muy malas críticas. La revista Rolling Stone la denominó la «Judy Garland del rock».
Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que «hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola…» Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.
Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría «ojalá no hubieras nacido».
En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar «Pearl» con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.
Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco «Pearl», que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

Rory Gallagher - The beat club sessions 1971-72

Trágicamente, el guitarrista y cantante de Rory Gallagher (2 marzo 1948 a 14 junio 1995), nos abandono demasiado pronto, y aunque nos dejó un gran legado bajo, su presencia única y maravillosa se encuentra a faltar entre el gran numero de fieles seguidores en todo el mundo y entre los que se encuentra un servidor.

Rory era un alma tímida, sencilla, un hombre de pocas palabras pero de sorprendente profundidad y gran integridad. Él era un hombre que nunca pondría en peligro sus creencias musicales, dirección, o lo que él creía correcto. Un hombre que era un guitarrista mucho mejor que muchos que han logrado un éxito más comercial.

Hace ya unos años que Rory nos dejó, pero el interés y amor por el hombre y su música ha crecido enormemente, disfrutemos de esta actuación en el Beat Club.

Rory no es ajeno a las cámaras y a las luces, Rory Gallagher fue un habitual en el programa de la televisión alemana "Beat Club" en los años 70, programa en el que apareció hasta cuatro veces en un plazo de dos años, una vez con su banda "Test" en 1970 y otras tres entre 1971 y 1972 para mostrar su material de sus dos primeros álbumes en solitario, estas sesiones en The Beat Club nos permiten disfrutar de la destreza de Gallagher con su guitarra así que no perdáis la ocasión de ver con que pasión y entusiasmo actúa este famoso pistolero irlandés en el escenario.

01 - Laundromat
02 - Hands up
03 - Sinnerboy
04 - Just the smile
05 - Used to be
06 - In your town
07 - Sould've learned my lesson
08 - Crest of a wave
09 - Toredown
10 - Pistol slapper blues
11 - Don't know where I'm going
12 - Going to my hometown
13 - I could've I had religion
14 - McAvoy boogie
15 - Hoodoo man
16 - Messin' with the kid

The Rolling Stones - Philadelphia Special II - American Tour 1972

Los Rolling Stones realizaron su gira americana de 1972 para apoyar la publicaciçon de su album "Exile on Main Street" que para ellos significo un impulso a un nuevo territorio para la banda, tanto musicalmente como comercialmente.

Después de meses en Francia en el exilio, Keith Richards (después de ser expulsado de Francia por cargos de drogas) se fue a Los Ángeles y allí el álbum fue mezclado y finalizado para su lanzamiento en mayo de 1972. En este punto, un recorrido en orden. Los Stones no habían visitado Estados Unidos desde su desastre de Altamont en 1969 (que dio lugar a una mayor seguridad privada aviones, limusinas, y las etapas superiores para reducir el acceso público a la banda), y siendo la banda más grande de rock y que necesitan un poco de dinero, se pusieron a armar un viaje como ningún otro. Esta excursión no se trata de cambiar el mundo-se trataba de dinero, la fama, el cinismo, la celebridad y empujando los límites de cada manera posible. El "yo" Decenio había comenzado oficialmente.

Lo que siguió en junio y julio del '72 es una leyenda. El avión privado con el logo de la lengua famosa, la glamorosa celebridad parásitos, el cuerpo de prensa de viaje, la enorme cantidad de drogas, y una muy publicitada cuatro días orgía en la mansión Playboy de Chicago son algunos de los cuentos legendarios de salir de la gira. El recorrido fue cubierto por la prensa del día, como una elección presidencial. Lo que es interesante para mí es que en este momento la inocencia de la década de 1960, que de alguna manera de rock podía cambiar el mundo, fue desaparecido por completo. Los Stones lo mató. Los Stones eran ahora una empresa totalmente formado enormes en las ofertas de dinero asociado, merchandising, y multitud de abogados, los manipuladores, y consejeros espirituales. Esta excursión no se trata de cambiar el mundo-se trataba de dinero, la fama, el cinismo, la celebridad y empujando los límites de cada manera posible. El "yo" Decenio había comenzado oficialmente. Este es el audio de uno de los conciertos de esta gira,

PhiladelphiaSpecial II Recorded live at the Spectrum Sports Arena, Philadelphia, July 20/21, 1972,
Tarrant County Convention Center, Ft. Worth, Texas, June 24, 1972 and

1. Brown Sugar [00:03:42]
2. Bitch [00:04:24]
3. Rocks Off [00:03:46]
4. Gimme Shelter [00:04:41]
5. Dead Flowers [00:04:15]
6. Happy [00:03:07]
7. Tumbling Dice [00:04:49]
8. Love In Vain [00:06:18]
9. Sweet Virginia [00:04:05]
10. You Can't Always Get What You Want [00:07:57]
11. All Down The Line [00:04:01]
12. Midnight Rambler [00:10:08]
13. Rip This Joint [00:02:10]
14. Jumping Jack Flash [00:03:34]
15. Street Fighting Man [00:04:17]
16. Tumbling Dice [00:04:29]
17. Bitch [00:04:29]

El American Tour 1972, o también llamado S.T.P. Tour (por Stones Touring Party), fue un tour muy publicitado que The Rolling Stones realizó en los Estados Unidos y Canadá entre los meses de junio y julio de 1972.

Este tour se realizó seguido al lanzamiento del álbum Exile on Main St. el 12 de mayo. Pero esto llegó mucho más allá que una gira promocional cualquiera, más bien se convirtió en un gran evento cultural pop de la época. Llegaron con la reputación de ser "La mejor banda de Rock 'n' Roll del mundo", y la atención del público se centró en sus múltiples facetas que quedaron marcadas en la conciencia popular: como proveedores de crudo R&B llenos de energía y como el epítome de la decadencia bohemia, en comparación a los extintos y relativamente sanos Beatles. Al mismo tiempo, el cantante Mick Jagger es por ahora una glamorosa celebridad, que se había trasladado al jet set de la alta sociedad. En estos aspectos se entrelaza todo, por lo que la gira ha suscitado una gran atención de los observadores de la alta y la baja cultura.

Varios periodistas destacados fueron asignados a cubrir este gran evento. Truman Capote, quien no había publicado un trabajo importante desde A sangre fría el año 1966, pero que todavía se consideraba una celebridad del más alto nivel, fue enviado a cubrir la gira para la revista Rolling Stone con una buena amiga y miembro del Clan Kennedy, la princesa Lee Radziwill y su compañero, el artista Peter Hill Beard. Capote, que estaba borracho y frecuentemente bajo los efectos de los tranquilizantes, no tuvo buena relación con el grupo y abandonaron la gira en Nueva Orleans, para sólo cubrir el último show en el Madison Square Garden de Nueva York. Capote, aburrido, no terminó su trabajo titulado provisionalmente "It Will Soon Be Here". Rolling Stone recuperó el tema entrevistando a Capote acerca de la gira en 1973. Más aceptable fue el trabajo de Terry Southern, quien cubrió el evento para el Saturday Review y era amigo del guitarrista Keith Richards. Robert Greenfield escribió un documento sobre la gira titulado S.T.P.: A Journey Through America With The Rolling Stones que fue publicado en 1974. Greenfield ya había reporteado el 1971 British Tour para la Rolling Stone y se le concedió acceso exclusivo para cubrir los susesos más íntimos de la banda, pero luego fue relegado a la "presentación de informes adicionales" por el editor Jann Wenner (Timothy Crouse vivió una situación semejante durante la elección presidencial de EE.UU. en 1972) y fue reemplazado a último minuto por Capote.

Dicha cobertura no se limita a los medios impresos. Dick Cavett realizó un especial en televisión de 1 hora antes del termino de la presentación en Nueva York y describió como el bajista Bill Wyman fumaba marihuana. Capote, que habitualmente asistía a The Tonight Show Starring Johnny Carson y a otros programas de conversación, contaba todas sus desventuras en el camino. El reportero radial de Nueva York Alex Bennett también fue enviado para cubrir la presentación del Madison Square Garden.

Los Stones siempre mostraban su reputación "chicos malos" (que no solo era una hipérbole comercial), cuestión que tenía ciertos efectos en sus fans, ya que en buena parte de la gira hubo conflictos y violencia física. En el primer show, el 3 de junio en Vancouver, British Columbia, 31 policías fueron atendidos por heridas cuando más de 2.000 aficionados intentaron bloquear el Pacific Coliseum. En San Diego, el 13 de junio hubo 60 detenciones y 15 heridos durante los disturbios. En Tucsón, Arizona, el 14 de junio, un intento por parte de 300 jóvenes de derribar las puertas hizo que la policía usara gases lacrimógenos. La banda alojó en la Mansión Playboy de Hugh Hefner, y su estancia fue descrita por muchas fuentes como "cuatro días completos de orgías". Greenfield describó esta estancia como la "Manson paranoia". Hefner, quien no asistió a ningún concierto, pidió que no se filmara detalles del paso de los Stones por la mansión.

El show continuó en julio, y también continuaron los problemas. Hubo 61 detenidos entre la multitud que asistió el 4 de julio al RFK Stadium en Washington D.C.. El 13 de julio la policía tuvo que bloquear 2.000 tickets cuando los fans trataban de obtener acceso al show de Detroit. El 13 de julio, en el Montreal Forum hubo una serie de altercados que afectaron directamente a la banda: La explosión de una van que contenía alguno de sus equipos y la falsificación de más de 3.000 tickets que habían sido vendidos, con la consecuente llegada de fans y retraso de shows. El día siguiente las cosas no mejoraron, los Stones pelearon con el fotógrafo Andie Dickerman en Rhode Island, Jagger y Richards fueron enviados a la cárcel y el show del Boston Garden se tenía que suspender. El alcalde de Boston Kevin White, temeroso con un motín por parte de los fans les dio la libertad bajo fianza, con ello el show se realizó solo con un pequeño retraso. Dickerman presentó una demanda contra la banda por £ 22230 . La visita terminó con tres noches consecutivas en el Madison Square Garden, en la primera noche hubo 10 detenciones y dos policías heridos.

En menor medida, este viaje también tuvo enfrentamientos al interior de la banda, como el de la glamorosa esposa de Mick, Bianca Jagger y la compañera de Keith Richards Anita Pallenberg. Altamont todavía afectaba a la banda, incluso Jagger y Richards llevaban consigo una .38 Police Special por los rumores de amenazas de muerte por parte de los Hell Angels. En el último tiempo, los rumores de amenazas han sido rechazados y aclarados por Mick Jagger.[1]

Bobby Keys, quien acompañó a la banda durante la gira y además participó con Buddy Holly en los 50s fue despedido en la mitad del tour siguiente por sus problemas de alcohol.

El último show, el 26 de julio, coincidió con el cumpleaños de Jagger. Fue un show relativamente tranquilo y Ahmet Ertegün organizó una fiesta de cumpleaños que contó con la presencia de Bob Dylan, Woody Allen, Andy Warhol, Capote y Zsa Zsa Gabor donde se había invitado al músico Count Basie para amenizar el evento.

Efectos posterioresMuchos de los colaboradores y asociados a los Stones no sobrevivieron a la atmósfera de la gira. Marshall Chess, colaborador de la banda y jefe de Rolling Stones Records cayó en la adicción a la heroína y perdió más de treinta libras, continuando en actividad hasta su ingreso a una clínica de desintoxicación en 1977. El rigor de los viajes también perjudicaba la frágil salud de Nicky Hopkins, que también luchaba contra su adicción a las drogas antes de someterse a un tratamiento de purificación de la Iglesia de la Cienciología. El coordinador de publicidad Gary Stromberg quedo tán mal, que fue abandonado en un bote a las orillas de la Fire Island en Nueva York. Stromberg volvería a trabajar y tendría más complicaciones durante la primera gira americana de T.Rex. El jefe de iluminación Chip Monck experimentó con un nuevo sistema, lo que resultó un fracaso y disminuyó su reputación.

GrabacionesNunca apareció un álbum en vivo de esta gira, aunque incluso habían sido diseñado el arte del disco y se habían retocado ciertas grabaciones, las disputas contractuales con Allen Klein impidieron que se lanzara el álbum.

Se hicieron dos películas de la gira. La película Ladies and Gentlemen - The Rolling Stones! nunca fue lanzada en video o DVD y solo apareció en cines el año 1974.

Robert Frank (famoso por Pull My Daisy) realizó Cocksucker Blues, un inédito documental en cine de realidad con imágenes del concierto, interacción con Warhol, el grupo de Capote, uso de drogas, Jagger masturbándose y sexo grupal. Por orden de la corte, el documental solo puede ser visto en Estados Unidos si Frank o un agente que actúe en su nombre está presente. No obstante, Cocksucker Blues ha sido ampliamente pirateada a lo largo de los años
Fuente

Rolling Stones American tour 1972

Atlantic City Pop Festival 1969

El Atlantic City Pop Festival se llevó a cabo en 1969 y duro tres días, el 1, 2 y 3 de agosto, se celebró en la ciudad de Atlantic City, New Jersey, dos semanas antes del más conocido festival de Woodstock. El festival es a menudo confundido con el Atlanta International Pop Festival (1969), que tuvo lugar durante la Cuarta semana de julio 1969. El festival tuvo una audiencia de 110.000 que pagaron 6 dólares por día o 13 dólares por el abono para las tres fechas. Esta vez, el sonido y las luces estuvieron casi impecables, pues los organizadores pusieron el máximo empeño en este lado de la producción, contando con la asesoría de dos grandes empresas (Altec Lansing y Electro – Voice) para ver el tema del audio y con el gigante General Electric para la iluminación. Este marco, tecnológicamente adelantado para la época, permitió el lucimiento de los artistas que partciparon el el y que como podréis ver fue impresionante, Jefferson Airplane, el gran maestro del blues B. B. King, el grupo instrumental Booker T. And The MGs, la genial cantautora Joni Mitchell, Dr. John, Iron Butterfly, el grupo británico Procol Harum (los de “Whitter Shade of Pale”), la increíble Janis Joplin, el rey del rock and roll Little Richard, un tempranero Santana (ojo, antes de Woodstock) y Canned Heat, entre otros. Lo que daríamos para poder asistir a un concierto como este, aprovecho la entrada para pediros que si alguien sabe o conoce de alguna grabación o vídeo de este festival deje algún comentario.

* American Dream
* Aum
* Booker T. & The M.G.s
* Tim Buckley
* Paul Butterfield Blues Band
* The Byrds
* Canned Heat
* The Chambers Brothers
* Chicago (as the Chicago Transit Authority)
* Joe Cocker
* The Crazy World Of Arthur Brown
* Creedence Clearwater Revival
* Crosby, Stills & Nash
* Dr. John
* Cass Elliot
* Iron Butterfly
* Jefferson Airplane
* Janis Joplin
* BB King
* Lighthouse
* Little Richard
* Lothar and the Hand People
* Hugh Masekela
* Buddy Miles
* Joni Mitchell
* The Mothers Of Invention
* Tracy Nelson & Mother Earth
* Procol Harum
* Buddy Rich
* Biff Rose
* Santana
* Sir Douglas Quintet
* Three Dog Night
* Johnny Winter

Atlantic City Pop Promo



Apenas hay algún video de este famoso evento, os dejo este de Janis Joplin y dos enlaces, donde se puede encontrar una imformación mas completa de este festival

Atlantic Pop Festival

Rock World

The Searchers - Pura Invasión Britanica

The Searchers es considerado de los primeros grupos de la escena Merseybeat de Liverpool, una de las bandas más importantes de la British Invasion y una de las pocas bandas que pudieron estar a la altura comercial de The Beatles, en aquellos años 60's.
El nombre de la banda se tomó de la película de John Ford, del mismo nombre.
The Searchers fue una de las pocas bandas que supo competir y mantenerse vigente en varias escenas al mismo tiempo como en las del Pop, Merseybeat, Folk y el Rock.
Al igual que otras bandas ya mencionadas en Mod Peru, The Searchers hasta nuestros días no ha anunciado oficialmente su separación; pese a la baja de algunos de sus miembros.
Entre sus éxitos figuran canciones como: "Sweet for my Sweet", "Sugar and Spice", "When you walk in the room", "Goodbye My Love", "Take it or leave it" y por último, "Desdemona".


The Searchers fueron uno de los mas exitosos grupos surgidos del denominado merseysound, término aplicado a los conjuntos procedentes de Liverpool a principios de los años 60; pero mientras la gran mayoría de estos grupos se dedicaban a interpretar espléndidas canciones beat, el espectro sonoro de los Searchers iba mucho mas allá gracias a sus primorosas voces y su sensacional sonido de guitarras. Se podría decir que los Searchers fueron los precursores del Folk-Rock, mucho antes que los famosísimos Byrds.

La banda tiene ya su origen en 1960, cuando se dedicaban a actuar como grupo de acompañamiento del cantante Johnny Sandon; El grupo estaba formado por John McNally a la guitarra rítmica, Tony Jackson al bajo y voz, Mike Pender a la guitarra solista y voz, y Chris Curtis a la batería. La banda decidió ponerse de nombre The Searchers en homenaje a la gran película western de John Ford.

Al igual que los Beatles, la banda pronto emigra a Alemania, donde se dedican a actuar en el Star Club de Hamburgo. Allí la banda consigue una gran popularidad. Al regresar a Inglaterra, la banda sigue actuando para continuar perfeccionado su estilo.

Su primer sencillo sale al mercado en junio de 1963 y sería el cover del tema de los Drifters "Sweet for my sweet", la fantástica versión de los Searchers se dispararía como una bala hacia al número 1 de los charts ingleses, provocando la fama del cuarteto en las islas; tan solo un mes después, la banda ya editaba su primer Lp Meet The Searchers, un trabajo notorio que además contenía el tema "Love Potion number 9", que sería editado como sencillo en Estados Unidos y se convertiría en su mayor éxito allí, llegando al número 3 de las listas Billboard y que sumaba al grupo en en el carro de la llamada British Invasion. El siguiente sencillo de la banda sería "Sugar and Spice", que se colaba en el número 3 de los charts británicos y que ayudaba a mantener la enorme popularidad en Inglaterra; en diciembre de ese año editan su segundo Lp llamado igual que su reciente single.

En 1964 vuelven otra vez al número 1 con el tema "Needles and Pins", que además tambien se vendería bien en Estados Unidos (llegando al puesto 16), esta sensacional balada ha permanecido como uno de los temas mas celebrados y recordados del conjunto de Liverpool; el éxito de la banda seguía en aumento y en abril de ese mismo año consiguen su tercer número 1 en las islas con "Don't throw your love away", que también llega al 16 en Estados Unidos.

Los exitos para el grupo continuaron: "Someday we're gonna love again" (un tema que es puro pop de primera categoría), "When you walk in the room", esta canción ya contenía unas evocadoras guitarras de 12 cuerdas que presagiaban la llegada del folk-rock un años mas tarde; este sensacional tema fue otro éxito para la banda llegando al número 3. A finales de año editan un tema ya con plenas connotaciones folk, seria la genial "What Have They Done to the Rain", donde incluyen ya una sección de violines y cuerdas arropando sus magníficas voces, el tema llegaría al número 13.

Poco después sufren la baja de Tony Jackson, que deja el grupo, su sustituto sería Frank Allen. A partir de aquí la voz solista pasaría a Mike Pender. En 1965 siguen con sus exitos: "Goodbye my Love" (número 4), "Bumble bee" (número 21 en Estados Unidos), "He's Got No Love", "When I get home" (número 35), "Take Me For What I'm Worth" (número 12) y también editan los Lps: Sounds like The Searchers y Searchers Number 4.

Los Searchers nos han dejado para el recuerdo maravillosas canciones, maravillosas voces y maravillosas guitarras, y escuchar su música por mucho tiempo que pase, siempre sera Maravilloso. estos son algunos de sus mejores temas

Eric Clapton - Live In Belfast - 2004

Eric Clapton es sin duda uno de los artistas más legendarios de la música, un verdadero dios de la guitarra, ahora tenemos la oportunidad de poder disfrutar de este magnifico concierto que tuvo lugar en Belfast, Irlanda el 24 de Abril del 2004, y que fue transmitido en directo por la BBC, lo qual es sinónimo de calidad, un concierto donde nos encontramos a una Eric en plena forma durante la gira de su álbum en homenaje a Robert Johnson, esta actuación en el Arena Odiddey fue todo un evento en su momento en Irlanda, toda vez que ya habian pasado 37 años desde la primera vez que actuo en esta ciudad, no pierdas la ocasión de oír algunos de sus exitos como "Layla", "Cocaine" o "I shot the sheriff"

Eric Clapton - guitarra, voz
Nathan East - bajo, voz
Chris Stainton - teclados
Steve Gadd - bateria
Doyle Bramhall II - guitarra, voz
Billy Preston - organo Hammond , teclados, Voz
Sharon White -voces
Michelle John - voces

Let it rain
Hoochie coochie man
Walk out in the rain
Bell bottom blues
I shot the sheriff
Milkcows calf blues
When you got a friend
They're red hot
Kind hearted woman blues
Got to get better in a little while
Have you ever loved a woman
Badge
Wonderful tonight
Layla
Cocaine

The Bee Gees- 'Massachusetts'

Bee Gees son tres hermanos: el cantante, el guitarrista y el principal compositor. Nacieron en Austrailia y allí consiguieron sus primeros éxitos. Al volver a Gran Bretaña, de donde eran sus padres, aumentaron la formación del grupo con un guitarrista más y un batería. “New York Mining Disaster 1941" fue le primer exito tras volver a Gran Bretaña pero poco más tarde la canción número 1 fue Massachusetts que fue escrita y compuesta por los hermanos Gibbs ( Maurice, Barry y Robin) en 1967 como parte del repertorio del segundo disco de esta banda de Manchester llamado Horizontal que fue sacado a la venta en Enero de 1968.

En el aspeto musical esta balada cuenta con la mayor parte vocal interpretada por Barry Gibb, mientras que Maurice Gibb ayuda en los coros. La parte instrumental nos trae a Barry Gibb en la guitarra rítmica, Maurice Gibb a cargo del bajo, Vince Melouney en guitarra eléctrica y a Colin Petersen en batería. Ademas cuenta con un arreglo orquestal compuesto por el trombonista y director musical Bill Shepherd.

Originalmente Barry, Robin y Maurice Gibb escribieron esta canción para la banda australiana The Seekers. Pero esta banda de música Folk rechazó la idea por encontrarla poco comercial, sin embargo Los Bee Gees demostraron que esta balada conquistaría el mundo grabandola y cosechando buenas críticas.
Pero en el año 2003, luego de la muerte de Maurice Gibb , The Seekers deciden grabar Massachusetts como homenaje a él.

Pero la canción tambien tiene una triste historia adjunta al éxito y la fama de la banda. Según declaraciones de Maurice Gibbs, poco despues de haber grabado y publicado esta balada se le acercó en una presentación el manager de The Beatles: Brian Epstein y este le dijo que la canción era hermosa y que sería, sin lugar a dudas, el éxito de ese verano. Estas palabras fueron dichas horas antes del 27 de agosto de 1967, que es el día donde misteriosamente ocurre el fallecimiento de Epstein (no se sabe si fue abuso de drogas o un suicidio).

Feel I'm goin' back to Massachusetts,
Something's telling me I must go home.
And the lights all went out in Massachusetts
The day I left her standing on her own.

Tried to hitch a ride to San Francisco,
Gotta do the things I wanna do.
And the lights all went out in Massachusetts
They brought me back to see my way with you.

Talk about the life in Massachusetts,
Speak about the people I have seen,
And the lights all went out in Massachusetts
And Massachusetts is one place I have seen.

I will remember Massachusetts...

The Who - Magic Bus

Un dia como hoy hace 43 años se publico el disco "Magic Bus" de The Who, creo que uno de los secretos del éxito esta banda reside en que sus cuatro componentes: Roger Daltry (vocalista y harmónica), Pete Townshend (guitarrista, teclista y vocalista), John Entwistle (bajista y vocalista) y Keith Moon (batería), eran músicos muy buenos, auténticos virtuosos con sus instrumentos. Si a esto le añadimos su originalidad y genialidad a la hora de componer, el resultado es perfecto, tanto en las grabaciones de sus discos, como en las actuaciones en directo de sus inolvidables conciertos por todo el mundo. No puedo dejar sin mencionar a Kenny Jones, el extraordinario batería del grupo Faces, que substituyó al malogrado y desaparecido Keith Moon, víctima de las drogas y del alcohol, os dejo esta entrada para recordar la publicación de este magnifico LP con la canción que lleva su nombre.

«Magic Bus» es una canción escrita por Pete Townshend paralelamente a «My Generation» en 1965, pero no grabada por The Who hasta 1968. Es una de las canciones más populares de la banda y ha sido un elemento básico en los conciertos. El disco alcanzó el puesto 26 en el Reino Unido y el 25 en los Estados Unidos.
El arreglo de la canción utiliza un instrumento de percusión latina llamado claves. Son un par de pequeños palos de madera que hacen un distintivo tono alto al ser golpeados. El grupo previamente utilizó el mismo instrumento en la canción «Disguises», grabada en 1966.
La canción hace uso del Bo Diddley beat. La canción no fue grabada por The Who en el momento en que fue escrita, pero el manager de la banda y los editores musicales distribuyeron un demo de la canción grabado por Townshend en 1966. Una versión de la canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido en abril de 1967 por una desconocida banda llamada The Pudding, en el Reino Unido por Decca y en los EE.UU. en London's Press label. Aquel sencillo no tuvo éxito.
La canción se interpreta generalmente con un dueto, donde un «pasajero», el cantante Roger Daltrey cuando es en vivo, se sube al autobús todos los días para ver a su chica. Este, le pide al «conductor», por lo general Townshend, si puede comprar su autobús. Este inicialmente obtiene una respuesta negativa por parte del conductor, pero finalmente, le permite tener el vehículo. El pasajero promete conducirlo a la casa de su novia todos los días.

Fue tocada por primera vez en 1968 y fue parte del set list de los conciertos entre 1971 a 1976 (incluso fue interpretada en algunas actuaciones en 1969 y 1970). Hizo apariciones menos frecuente a partir de 1979. En el video podemos oir este tema que esta sacado del legendario disco "Live at Leeds" que es el primer álbum en directo del grupo británico de rock The Who, publicado en 1970 y considerado como el mejor álbum en directo de todos los tiempos. Esta versión se extiende a casi ocho minutos, con Roger Daltrey uniendose a la parte instrumental con la armónica.

The Who - Magic Bus Live at Leeds 1970

Gram Parsons & Emmylou Harris - Love Hurts

Esta es una de aquellas canciones que no te deja indiferente "Love Hurts" es una canción elegante, intensa y estremecedora donde las haya. Gram Parsons la cantó con Emmylou Harris en su disco de 1974 "Grievous Angel". Y también la han cantado otros duos como Norah Jones & Keith Richards, Emmylou Harris & Elvis Costello y artistas como, Roy Orbison, Little Milton, Don McLean, Cher, Pat Boone, Nazareth y otros, como veis este es un tema que ha sido muy versionado dada la calidad que tiene.

Se dice que desde el primer momento en el que Gram Parsons escuchó la voz de Emmylou Harris, supo que tarde o temprano acabaría grabando un tema con ella. Y ese tema finalmente fue ‘Love Hurts’, una pieza que con anterioridad ya habían registrado The Everly Brothers en 1960 y Roy Orbison en 1961, sin embargo esta canción escrita por el compositor Boudleax Bryant, alcanzaría todo su esplendor al encontrarse la voces de Parsons y Harris. ‘Love Hurts’ fue incluida en el disco póstumo de Parsons Grievous Angel, grabado dos meses antes de su muerte. Según palabras de Emmylu Harris, aquel dueto fue toda una revelación para ella. “Estuve junto a él muy poco tiempo, pero durante ese periodo todo tomo sentido para mí. Hasta que no le conocí no supe qué clase de música había en mi interior y entonces supe exactamente lo que quería hacer”.

Gram Parsons sólo participó en los dos primeros discos de The Flying Burrito, para despues lanzarse en una carrera en solitario. En el verano de 1972 graba su primer disco, titulado "G. P." en el sello "Reprise" con una banda de lujo: Emmylou Harris, James Burton (a la guitarra), Rick Grech al bajo, Barry Tashian, Glen D. Hardin, y Ronnie Tutt. Gram tuvo la idea de pedir a la leyenda del Country Merle Haggard que le produjese el disco, la invitación es declinada por Haggard, por lo que es Hugh Davis quien al final se encarga. Es a finales de año cuando se lanza el disco al mercado resultando en ventas muy bajas, pero es un éxito a nivel de criticas y resultando un disco espectacular en su momento.

El público en aquellos tiempos no estaba preparado para algo tan revolucionario, si lo aceptaron la gente que provenía del rock pero no los que venian del mundo Country mas conservador y reacio a experimentos musicales de ningún tipo.

No pierden tiempo y para fotalecer las ventas y darse a conocer la banda comienza una gira por toda California al final de la cual entran en estudio de grabación de nuevo para plastificar su segundo Lp titulado "Grievous Angel", es terminado de grabar a finales del verano de 1972, tomándose unas vacaciones la banda para tomar respiro y plantearse la nueva gira.
Se van todos juntos a "Joshua Tree" en California, donde Gram Parsons da de nuevo rienda suelta a su afición por los productos alucinógenos y el alcohol, toda su vida vivió al borde del abismo, jugando al escondite con la muerte y al final esta le encontró.
El 19 de septiembre de 1973 entra en coma por sobredosis de Morfina y Tequila, rápidamente es llevado al Hospital Yucca Valley, llegando muerto al hospital.
Gram Pasons habia dejado bien claro que en caso de muerte el quería que se le incinerase, pero las leyes restrictivas al respecto en el estado de California en aquellos tiempos negaron tal posibilidad, por lo que se dispuso todo para enterrarle en Nueva Orleans, donde había familiares suyos.
Hasta el final la historia de este genio es espectacular y como colofón el episodio de su muerte es digno de una película de suspense.
Es Phil Kaufman, road manager del genio, quien entra en el hospital y roba su cadaver, nunca se pudo demostrar la participación de ningún otro miembro de la banda, pero se supone que estuvieron implicados, el cadaver lo llevan al desierto de California en la zona de "Joshua Tree", allí todos reunidos le dan fuego en ceremonia clandestina. Con el tiempo y después de detener a Kaufman por el robo y cremacion del ataud, las autoridades los desenterraron y lo llevaron a New Orleans donde reposan sus restos en contra de su propia voluntad.

Emmylou Harris nació en Birmingham, Alabama. Su padre, un oficial de los marines, fue dado como desaparecido en la guerra de Corea. Harris pasó su infancia en Carolina del Norte y Woodbridge, Virginia, donde se graduó en el Instituto Gar-Field. Allí terminó los estudios con una mención de honor debido sus excelentes resultados, esto le reportó una beca escolar que le permitió ingresar en la Universidad de Greensboro en Carolina del Norte. Fue allí donde comenzó a estudiar música de forma profesional, tocando en su tiempo libre canciones de Bob Dylan y Joan Baez. Finalmente decidió abandonar la universidad para dedicarse a conseguir una carrera musical. Eligiendo la ciudad de Nueva York como destino, Harris comenzó a tocar canciones folk en los bares y cafés de Greenwich Village (una zona de Nueva York conocida por su cultura artística y bohemia) alternando los conciertos con su trabajo de camarera, que le permitía sobrevivir y pagar las facturas.

En el año 1969 se casó con su compañero Tom Scolum, también compositor y escritor de canciones. Al año siguiente grabó su primer álbum Gliding Bird. El álbum, compuesto por cuatro canciones originales de Harris y por temas de Bob Dylan, Hank Williams, y Fred Neil, tomaba este título en honor a la canción escrita por su marido, Scolum. Años más tarde renegaría de este álbum como su primer trabajo, tomando Pieces of Sky (1975) como su primer disco"oficial".

Poco tiempo después Harris y Scolum se divorciaron. Harris se trasladó a vivir con su hija a los suburbios de Maryland.

Poco tiempo después Harris volvió al mundo de la música como parte de un trio formado por Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche en 1971, los miembros del grupo country rock The Flying Burrito Brothers se encontraban como público escuchando la actuación de Harris y sus amigos. Chris Hillman, antiguo miembro de "The Byrds" quedó tan impresionado por el talento y calidad vocal de Harris que la invitó a formar parte de su banda. Al final, Hillman optó por recomendársela a Gram Parsons, quien por entonces estaba buscando una mujer vocalista que colaborara con él en su primer álbum en solitario GP. Harris realizó una gira como miembro de la banda de Parsons, "The Fallen Angels" (Los angeles caídos), en 1973. El tour fue un éxito y ambos artistas congeniaron positivamente. A finales de ese mismo año, Parsons y Harris decidieron embarcarse en un nuevo proyecto, la grabación de un álbum de estudio llamado Grievous Angel. El disco se vio interrumpido por la trágica muerte de Parsons el 19 de septiembre de 1973, debido a una sobredosis accidental de drogas y alcohol. El disco fue puesto a la venta al año siguiente. Algunos de los temas grabados con Harris no fueron publicados hasta años después, como es el caso del álbum Sleepless Nights publicado en 1976 o del álbum Live 1973, publicado en 1982.

La situación emocional de Harris tras el fallecimiento de Parsons era delicada. La colaboración de ambos artistas es una de las más importantes en la historia de la música country y country-rock. Parsons sumergió a Harris en el verdadero mundo de la música country, presentadola a artistas como The Louvin Brothers. Tras la muerte de Parsons, Harris compuso una de sus canciones más personales, "Boulder to Birmingham", que expresaba el dolor e injusticia que le provocaba el fallecimiento de Parsons. Era, como decía la amiga de Harris, Linda Ronstadt, el comienzo de un proceso de aceptación que le ayudaría ha asimilar lo que había pasado. La pérdida de Gram Parsons también quedaría reflejada en otros temas de la artista.

I would rock my soul in the bosom of Abraham
I would hold my life in his saving grace.
I would walk all the way from Boulder to Birmingham
If I thought I could see, I could see your face.

Gram Parsons & Emmylou Harris Live



Norah Jones & Keith Richards Live



Emmylou Harris & Elvis Costello Live