viernes, 14 de mayo de 2010

Salon del Blues - Stone the Crows

"Stone the Crows!", Gritó su legendario manager Peter Grant, cuando oyó por primera vez a esta espléndida banda escocesa en acción. A pesar de que era una expresión favorita del cockney londinense, Peter no era un hombre que se impresionara fácilmente. Después de todo, él era el gerente de Led Zeppelin, La banda de rock duro rock más exitosa de la historia. Sin embargo, había algo terrenal y atractivo de los Crwos que despertó su entusiasmo y apoyo.

Stone the Crows fue una banda de soul y blues progresivo, surgida de la clase obrera de Escocia a comienzos de los años 70. En sus inicios tuvieron todo lo necesario para sobresalir: dos cantantes con voces destacadas, un guitarrista con mucho talento, una sección rítmica que había tocado con John Mayall y como productor estuvo Peter Grant, el manager de Led Zeppelin.


Formación original de la banda

Maggie Bell, voz (Nacida Margaret Bell, el 12 de enero de 1945, Maryhill, Glasgow, Strathclyde, Escocia.
Les Harvey, guitarra (Nacido Leslie Harvey, 1945, Gorbals, Glasgow - murió el 2 de mayo 1972).
Colin Allen, batería (Nacido en mayo de 1938, Bournemouth, Dorset) (Ex-Zoot Money'S Roll Band Grande y Mayall Bluesbreakers de John)
James Dewar, bajo (Nacido James Dewer, 12 de octubre 1942 Glasgow, murió el 16 de mayo de 2002). (Más tarde, con Robin Trower)
John McGinnis, teclados

A pesar de críticas favorables en los medios especializados, Stone the Crows nunca pudo vender su música a una gran audiencia. A eso se sumó la pérdida de dos de sus elementos fundamentales, uno de ellos fallecido por electrocución, lo cual hizo que el grupo se disolviera después de cuatro álbumes.

La principal contribución de Stone the Crows fue el inmenso talento vocal de Maggie Bell, ganadora de muchos concursos en Gran Bretaña, con una voz que podía lograr la emoción y el rango de Janis Joplin, logrando acercarse a su estilo mucho más que cualquier otra cantante.



Maggie llamó la atención en Glasgow, cuando subió a un escenario para participar en un jam con The Sensational Alex Harvey Band. Impresionado por su talento, Harvey la llamó a participar en una banda llamada Power, al lado de su hermano Les. Tiempo después se les unieron el bajista Jim Dewar, el tecladista Jon McGinnis y el baterista Colin Allen. Su música captó los oídos de Peter Grant y cambiaron su nombre a Stone the crows, que en el argot escocés significa “al diablo con eso”.

Los dos primeros discos del grupo tuvieron buenas críticas en su lanzamiento pero vendieron muy poco. El bajista y vocalista Jim Dewar abandonó la banda para unirse al grupo del guitarrista Robin Trower, siendo reemplazado por Steve Thompson.

Cuando graban su tercer LP "Teenage Licks" en 1971, Bell es elegida en una votación de la revista Melody Maker como la mejor cantante femenina y muchos críticos la consideran una digna sucesora de Janis Joplin. Durante una prueba de sonido para una actuación el guitarrista Les Harvey muere electrocutado. La banda acusa el golpe y, aunque editan en 1972 su cuarto Lp "Ontinuous Performance" (parte grabado con Harvey) y un último Lp llamado "Ship Imagination" en 1973, aunque la prensa especializada continuaba elogiando el talento vocal de Maggie Bell, la banda nunca pudo salir de la oscuridad y se separó poco después de la publicación de su último disco, pasando McCulloch a unirse a Paul McCartney en Wings.

Discografia

Stone the Crows (1970)
Ode to John Law (1970)
Teenage Licks (1971)
Ontinuous Performance (1972) - UK Number 33


Aqui teneis dos conciertos de esta banda para que como Peter podais gritar "Stone The Crows"


Stone the Crows - Live At The Paris Theatre, Londres - 1971



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jueves, 13 de mayo de 2010

El video de la semana 29

The Rolling Stones,’Plundered My Soul’

Este es un video de unos de los temas de la reedición de "Exile on Main St."

El martes se publica la reedición de ‘Exile on Main St.', que en su versión ‘deluxe' incluye un jugoso complemento: diez canciones inéditas de las sesiones de grabación del álbum. Además de dos tomas nuevas de ‘Loving cup' y ‘Soul survivor', el disco contiene otros ocho temas nunca antes publicados oficialmente. En algunos de ellos, el grupo ha regrabado partes para mejorar su calidad. Destacan las baladas a piano ‘I'm not signifying' y ‘Following the river', el estribillo con ecos de espiritual negro de ‘Dancing in the light', la psicodélica ‘So divine' y la adictiva ‘Good time women' (que parece una versión alternativa de ‘Tumbling dice').

Este fue uno de los muchos descartes del mítico Exile On Main Street de 1972, un disco que se reeditará el 18 de mayo con este nuevo tema como primer single. El disco se grabó en el exilio francés a principios de los 70 en la mansión que Keith Richards tenía en la Costa Azul, por aquello de evitar al fisco británico. Por cierto, próximanente volverán allí ya que con imágenes de aquellas sesiones de grabación se ha creado el documental Stone in Exile que se estrenará en la próxima edición del Festival de Cine de Cannes.

Basada en la espectacular portada original creada por el fotógrafo Robert Frank y el diseñador John Van Hamersveld se ha creado el videoclip de Plundered My Soul. En blanco y negro, y manteniendo la estética del collage original, vemos imágenes de archivo de los Rolling.



martes, 11 de mayo de 2010

Slade Live At Granada Studios, Manchester, England 1972


Slade fue un grupo de glam rock que comenzó su andadura a finales de los sesenta apadrinados por Chas Chandler, antiguo bajista de The Animals y partícipe del éxito de Jimi Hendrix. Sin una orientación clara en sus inicios pronto de decantan por el glam imperante en la época. Tuvieron un enorme éxito a principios de los setenta, hasta que la irrupción del punk en Inglaterra y la música disco en USA los deja en la sombra. Pero a principios de los ochenta y sobre todo gracias a una fabulosa actuación en el Festival de Reading de 1980 consiguen volver al primer plano. Ese festival estaba previsto que lo cerrara Ozzy Osbourne, máxima figura de la época que estaba presentando su primer disco en solitario tras su marcha de Black Sabbath. Pues bien, el bueno de Ozzy pega la espantada a última hora pero sugiere que su puesto sea cubierto por Slade, por entonces desaparecidos del mapa de los "grandes", de hecho los promotores los creen disueltos. Y allí están de nuevo los Slade, delante de 50.000 mosqueados fans de Ozzy que les reciben estre pitos y silbidos. El grupo, fogueado en mil batallas, no se amilana en absoluto y el público acaba rendido a sus pies pidiendo un bis tras otro. Aquello como os digo fue el resurgir de la banda, que en los ochenta tuvo una segunda juventud, también gracias a las numerosas versiones que se hicieron de sus temas setenteros en esa época.

Live At Granada Studios, Manchester, England 1972





Blue Cheer ( concert en el Rockpalast ) 2008

Concierto de la veterana banda de San Francisco Blue Cheer en el programa de la televisión alemana WDR Rockpalasts donde podemos ver una de las ultimas actuaciones de Dickie Peterson, cantante y bajista del trío Blue Cheer, que falleció en la madrugada del 12 de octubre del 2009 , en su casa de Alemania. Tenía 61 años.
Dickie Peterson, el guitarrista Leigh Stephens y el batería Paul Whaley formaron en 1967, en San Francisco, Blue Cheer, un trío que se movía entre el blues-rock y el hard-rock, con influencias psicodélicas.

Blue Cheer
11. April 2008 - Crossroads - Bonn, Harmonie

Duración del concierto 1h. 14m.

Temas

Parchment Farm
I'm Gonna Get To You
Rollin' Dem Bones
Out Of Focus
Just A Little Bit
Mallajusted Child
Summertime Blues
Doctor Please
The Hunter

Ver el concierto

Biografia

Blue Cheer fue una banda de rock, pionera del sonido que en los 90's sería conocido como stoner rock por su uso altamente grave de la afinación de sus instrumentos así como el fuerte volumen usado en sus grabaciones. Surgió a finales de los 60's y principios de los 70's. Originaria de San Francisco, Estados Unidos, es considerada como pionera también del heavy metal.

Biografía [editar]De acuerdo con Tim Hills en su libro, The Many Lives of the Crystal Ballroom, Blue Cheer fue el epitome de la psicodelia de San Francisco. La banda sacó su nombre de una marca de LSD que se comerciaba en esos entonces por Owsley Stanley, renombrado químico del LSD y miembro del equipo de Grateful Dead. El sonido de la banda se acercaba bastante al ritmo imperante en la época alrededor de la zona de la bahía de Frisco: Un blues/rock bastante pesado, y bastante ruidoso.

Originalmente formada por Dick Peterson en el bajo y voz, Leigh Stephens en la guitarra y Paul Whaley en la batería lanzan su primer álbum en 1968, Vincebus Eruptum, consiguiendo un hit importante de un cover de Eddie Cochran: Summertime Blues. El sencillo alcanzaría el lugar 14 del la tabla del Billboard y su disco alcanzó el lugar ll de la tabla de Billboard.

Difícil de categorizar, se considera que tiene una base en el blues, en el stoner rock y el Noise. Después de su segundo lanzamiento, Outsideinside, pasan por cambios en la formación y en 1969 era tan crítico el cambio de miembros que para grabar el disco New! Improved! Blue Cheer utilizaron diferente guitarrista para cada cara del L.P: Leigth Stephens fue reemplazado por Randy Holden de la banda de garage rock, The Other Half y el estilo de la banda se volvió en la vena hard rock comercial de Iron Butterfly y Steppenwolf. Posteriormente Randy Holden sería reemplazado por Bruce Stephens para el cuarto álbum Blue Cheer y más tarde Stephen lo sería por Gary Lee Yorder para terminar la segunda mitad del disco.

Con la línea formada por Peterson, Ralp Burn Kellogg, Norman Mayell y Gary Lee Yorder lanzan su quinto disco The Original Human Being en 1970 y Oh! Pleasant Hope en 1971 que fue un fracaso en las ventas y obligó a la banda a retirarse temporalmente.

De 1988 a 1993 Blue Cheer estuvo de gira en Europa. Durante este tiempo acompañaron a bandas de la escena del heavy metal y rock como Mountain, Outlaws, Thunder, Groundhogs, Ten Years After, Yardbirds, Danzig, Mucky Pup, Biohazard y otros.

En 1989 lanzan su primer álbum oficial en vivo Blitzkrieg over Nüremberg en la compañia Nibelung Records. La formación era con Dave Salce en la batería; Dickie Peterson en el bajo; y Duck McDonald en la guitarra.

En 1990 lanzan Highlights & Lowlives en un estilo hard rock con base en el blues con reminiscencias de Aerosmith y the Rolling Stones incluyendo varias baladas. El álbum fue producido por el productor de Grunge Jack Endino. Para este disco la alineación fue Peterson en el bajo y voz, Paul Whaley en la batería, y Duck McDonald en las guitarras.

A este disco le seguiría, en un estilo mucho más pesado Dining with the Sharks. McDonald fue reemplazado por Dieter Saller, ex guitarrista de German Monsters. Peterson estuvo en el bajo y la voz y Paul Whaley en la batería. También hace una aparición especial el guitarrista de Groundhogs, Tony McPhee. El álbum fue producido por Roland Hofmann.

A principios de los 90's, Peterson y Whaley se fueron a vivir a Alemania. Whaley aun vive ahí mientras que Peterson se movió a California. Actualmente están activos, su ultimo lanzamiento fue Live in Japón de 1999.

Peterson se reunió con Leigh Stephens y tocaron junto el baterista Prairie Prince en el Chet Helms Memorial Tribal Stomp en el Parque del Golden Gate en otoño del 2005 en San Francisco y grabaron un disco en invierno del 2005 junto con Joe Hasselvander de Raven y Pentagram en la batería.

Discografía

Vincebus Eruptum (1968)
Outsideinside (1968)
Blue Cheer (1969)
New! Improved! Blue Cheer (1969)
The Original Human Being (1970)
Oh! Pleasant Hope (1971)
The Beast Is...Back (1984)
Dining With the Sharks (1991)
Highlights & Low Lives
What doesn´t kill you (2007)
Fuente Biogarfia

sábado, 8 de mayo de 2010

Singels 1971 número 3

T Rex - Get It On

T. Rex es una banda inglesa (por supuesto), formada por Marc Bolan en Londres en 1967 bajo el nombre de Tyrannosaurus Rex. Comenzó siendo un grupo de cuatro, pero luego de un solo show se disuelve, quedando sólo Marc Bolan y el percusionista Steve Took, que se dedicarían de ahí en más a las actuaciones acústicas como un dúo.

Al igual que Sui Generis, entonces, T. Rex comienza siendo un dúo folk. La mayor diferencia (aparte de las temáticas en las letras, en donde Sui Generis cantaba de amigos, recuerdos y amores, mientras Tyrannosaurus Rex cantaba sobre hadas, elfos, dragones y pavadas así), es que mientras Charly se fue para el lado progresivo, comenzando los 70 Bolan inventó el Glam Rock.

Al ver que sus letras llenas de mitología persa y griega no lo llevaban a ningún lado, o al menos no le daban el éxito que quería en los Estados Unidos, Bolan decide volver a sus raíces rockeras, y llevar la banda a un sonido eléctrico y pegadizo que les daría la fama que tuvieron durante los 70s.

Además, Bolan, rompiendo con todos los esquemas, comienza a subir al escenario usando sombreros de copa, botas, boas de plumas, y poniéndose un poco de brillo en las mejillas. En poco tiempo David Bowie, Rod Stewart y hasa Mick Jagger comenzarían a ponerse un poco de brillo también. La imagen andrógina y desafiante proyectada por Marc, sumado al estridente y movedizo rock and roll que tocaban, convertirían a T. Rex en mito.

Electric Warrior (1971), sexto álbum de la banda, segundo de la era T. Rex, es considerado por la crítica como uno de los álbumes escenciales del Glam Rock. Incluye su single más vendido, Get It On, cuyo nombre fue cambiado en Estados Unidos por Bang A Gong (Get It On), debido a la existencia previa de otra canción con el mismo título, y muchos otros temas que seguro han sentido al menos al pasar.

Canción




Letra
Well you're dirty and sweet
Clad in black don't look back and i love you
You're dirty and sweet, oh yeah
Well you're slim and you're weak
You've got the teeth of the hydra upon you
You're dirty sweet and you're my girl

Get it on, bang a gong, get it on
Get it on, bang a gong, get it on

Well you're built like a car
You've got a hub cap diamond star halo
You're built like a car, oh yeah
Well you're an untamed youth
That's the truth with your cloak full of eagles
You're dirty sweet and you're my girl

Get it on, bang a gong, get it on
Get it on, bang a gong, get it on - oh

Well you're windy and wild
You've got the blues in your shoes and your stockings
You're windy and wild, oh yeah
Well you're built like a car
You've got a hub cap diamond star halo
You're dirty sweet and you're my girl

Get it on, bang a gong, get it on
Get it on, bang a gong, get it on - ooh

Well you're dirty and sweet
Clad in black, don't look back and i love you
You're dirty and sweet, oh yeah
Well you dance when you walk
So let's dance, take a chance, understand me
You're dirty sweet and you're my girl

Get it on, bang a gong, get it on
Get it on, bang a gong, get it on - ow
Get it on, bang a gong, get it on - ow - get it on - mh

Get it on, bang a gong, get it on - a-a-a-a
Get it on, bang a gong, get it on - a-a-a-a ....
Take me, for a meanwhile i'm still thinking ....

Video


viernes, 7 de mayo de 2010

Jimi Hendix Classics Albums "Electric Ladyland"

Classic Albums es una serie de televisión creada por Isis Productions y distribuida por Eagle Rock Entertainment. Se muestra en diversas emisoras como BBC, ITV, Sky Arts, VH1 y VH1 Classic. También están disponibles en DVD. .

Cada capítulo con una duracion de 50 min, está protagonizado por los componentes del grupo, el productor del disco y algunos críticos musicales. En cada documental se exponen todo lujo de detalles sobre el proceso de creación y producción, y se recuerda el contexto histórico/musical en el que se grabó el álbum en cuestión.

Electric Ladyland

La gestación del último LP de estudio de Hendrix, el álbum doble Electric Ladyland, no fue menos problemática que la de Bold as Love. Ya durante las primeras fases de las sesiones Hendrix tuvo que aceptar el abandono por parte de su histórico productor Chas Chandler, literalmentemente irritado a causa de los numerosos desencuentros con el guitarrista. Su modo de concebir los temas y las grabaciones era totalmente opuesto; si Chandler optaba por tener unos temas convencionales y de duración no superior a 5 minutos, Hendrix rebatía con su estilo absolutamente heterodoxo, tanto en la concepción de las canciones como en sus grabaciones. La influencia de Chandler es evidente en los dos primeros LP de la Jimi Hendrix Experience, donde raramente un tema supera los 4-5 minutos, siguiendo la tradición pop. Al contrario, Electric Ladyland presenta arquitecturas perfectamente en sintonía con el estilo ácido y visionario de Hendrix, compaginando partes breves con larguísimas jam sessions caracterizadas por enormes espacios instrumentales, modalidades notablemente psicodélicas.

La segunda causa de la dimisión de Chandler, puede encontrarse en la indisciplina que Hendrix manifestaba en las sesiones de grabación: mientras Chandler era de la idea de que las grabaciones debían producirse en un breve espacio de tiempo y con todas las ideas en su lugar, Hendrix tendía a dejarse caer en infinitas jam sessions de prueba y afinación con los músicos que le acompañaban, elaborando, re-elaborando, modificando y ampliando aquellas que eran sus ideas de fondo en una continua espiral de creatividad; la mayor parte de las veces sabiendo desde dónde partir pero no a dónde llegar, dejándose guiar únicamente por el instinto. Las sesiones preparatorias para Electric Ladyland estuvieron marcadas por la presencia de numerosos músicos adicionales que iban y venían de los estudios de prueba sin ningún criterio aparente; así fue que a los tres instrumentistas de Experience, se sobrepusieron el célebre teclista Al Kooper, el baterista Buddy Miles además de Jack Casady, bajista de los Jefferson Airplane y Steve Winwood de los Traffic.

No resulta extraña pues, la increíble cantidad de material inédito y alternativo grabado por Hendrix, a pesar de su brevísimo período de actividad, y que puede atribuirse perfectamente a este continuo hacer y deshacer.

Otro aspecto que pudo provocar también el fin del equilibrio fue el exagerado perfeccionismo de Hendrix. El guitarrista, además de exigir cantidades, hasta ese momento impensables, de variaciones de los temas, solicitaba también a sus músicos y técnicos grabar nuevas tomas de las partes de una canción un número indeterminado de veces, en espera de encontrar que la alquimia que éste retuviese fuese la adecuada; la historia quiso que el tema Gipsy Eyes fuese registrado en bien 43 versiones diferentes antes de que Hendrix encontrara una de su agrado.
Fuente.

Jimi Hendrix Classic Albums Spanish



Parte 3
Parte 4
Parte 5
Parte 6
Parte 7
Parte 8

jueves, 6 de mayo de 2010

El Dr. John en concierto

El Dr. John en concierto

El día 30 de mayo 2008 de WXPN - John subió al escenario para interpretar temas de su album "Ciudad That" un homenaje a la ciudad que nunca le ha olvidado. Gran actuación en el que con una mezcla de funk de Nueva Orleans y el blues al estilo de la leyenda de Big Easy y su banda La Baja 911 , grabado en vivo en Filadelfia el 30 de mayo.

Dr. John adquiere standards de jazz, su blues original, y su carisma lo han convertido en una leyenda mucho más allá de su ciudad natal. Ahora a sus 60 años, el buen doctor nos sigue deleitando con su música y de mantener el recuerdo del huracán Katrina entre su publico.
Biografía.


Dr. John su disco , "Ciudad That" es un brindis a Nueva Orleans.

Audio del Concierto

The Legendary Dr. John



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martes, 4 de mayo de 2010

Alice Cooper At The Forum, Los Angeles - 1975

Audio Alice Cooper At The Forum, Los Angeles - 1975
Alice Cooper, nacido Vincent Damon Furnier en Detroit en 1948, fue durante los años 70 la pesadilla de todos los padres. En 1969 presenta su primer disco, "Pretties For You", y entre 1971 y 1975 impresiona a su público con numerosos éxitos (como "School's Out" o "I'm Eighteen") y un espectáculo de terror con serpientes, murciélagos y toneladas de sangre. En 1977 el cantante inicia una rehabilitación y desaparece durante años. En 1986 reaparece como estrella de rock de culto, y publica su último trabajo, "The Eyes of Alice Cooper", en 2003.

Este es el concierto en directo que ofrecio Alice Cooper el dia 17 de junio en el Forum de los Angeles, para promocionar el album "Welcome To My Nightmare"
Problamentes es uno de sus mejores directos y su calidad es genial.



Visto en

domingo, 2 de mayo de 2010

El video de la semana 28

Ted Nugent - Stranglehold
Si tenéis pensado oir este tema entero, iros a por una cerveza pues dura unos 10 minutos, esta es una de mis canciones preferidas, autentico hard rock de los 70´s, por favor no dejes pasar la oportunidad de ver el vídeo o escuchar la versión estudio.
"Stranglehold" es una sola y la primera pista de Ted Nugent homónimo álbum de 1975. Las voces no se realizan por Nugent, sino por Derek St. Holmes. La canción se ubicó en el número 31 de los "100 mejores solos de guitarra del mundo"


Canción versión estudio

Theodore "Ted Nugent" (13 de diciembre de 1948) es un guitarrista de Hard rock originario de Detroit, Michigan. Originalmente saltó a la fama como el líder de Amboy Dukes.

Su estilo es esencialmente rockero, aunque su filosofía de vida resulta atípica y poco frecuente en el ámbito del rock, ya que es conocido por su apasionada defensa del uso de armas y su rotunda postura de abierto desprecio hacia las drogas y el alcohol. La mayor parte del año se dedica a la caza y a organizar safaris y a coordinar un campamento en el que adiestra a niños en la manipulación de armas, aspecto que ha resultado muy polémico en su trayectoria.

Su estilo a la guitarra es deudor directo del estilo de Rory Gallagher, Jeff Beck Jimi Hendrix, Jimmy Page y los grandes guitarrista negros del rock y blues sureño, fusionado con el tradicional Country americano; habitualmente también se pueden
apreciar en su música pronunciadas influencias del Soul.

Fuente

Video Ted Nugent - Stranglehold

sábado, 1 de mayo de 2010

Captain Beefheart

Don Van Vliet es uno de los artistas con más duración e importante que ha surgido de la cultura americana de la década de 1960. Como Capitán Beefheart grabó una serie de álbumes entre los años de 1960 y 1980, que marcó nuevas fronteras para la vanguardia de la música rock. Luego abandonó la grabación a favor de la pintura, y rápidamente logró una reputación de casi igual con sus óleos figurativos y expresionistas que con su música.

Como músico Beefheart se ha asociado con la psicodelia, el free jazz y el rock and roll, pero es con el blues que tiene la mayor afinidad. Su estilo vocal muy personal, su poesía surrealista y sus esfuerzos por llevar la música popular en un nuevo territorio (más memorable con Trout Mask Replica) tienen un carácter que le ha marcado de sus contemporáneos. Sus dichos enigmático y su reclusión aumento han contribuido a la fascinación del personaje Beefheart.

La música inclasificable creada por Don Van Vliet, alias Captain Beefheart, durante una oleada de dieciséis años de la creatividad continúa asombrando y hace mistificar su figura sus fans y seguidores, incluso casi veinte años después de que el capitán dejara la música para siempre. Los críticos siempre han elogiado su obra, y por su álbum Trout Mask Replica aparece con frecuencia en las encuestas de los mejores discos de todos los tiempos. En los últimos años, las discográficas han lanzado varios discos de colecciones de Captain Beefheart y su Magic Band, y sus seguidores han publicado decenas de bootlegs que han circulado entre los fieles Beefheart.

Tal vez a la primera escucha de su música te suene terrible, horrible, insoportable, pero hay que darle el tiempo suficiente para poder apreciar todo el potencial de esta soberbia y grandilocuente obra de uno de los mejores artistas de la música contemporánea.

Biografía

Don van Vliet (nacido como Don Glenn Vliet el 15 de enero de 1941 en Glendale, California, Estados Unidos) es un pintor y músico retirado estadounidense conocido como Captain Beefheart. Su trabajo musical lo ha realizado acompañado por una banda llamada The Magic Band, que estuvo activa desde mediados de los 60 hasta principios de los 80. Van Vliet principalmente dirigía la banda y tocaba la armónica y, ocasionalmente, el saxofón y el teclado, de manera amateur e influenciado por el free-jazz. Sus composiciones se caracterizan por extraños cambios de tiempo, ritmos cambiantes, disonancias y letras surrealistas. Van Vliet se ha caracterizado por el trato casi dictatorial con el que ha tratado a sus músicos y por su enigmática relación con el público.

Capain Beefheart se une a la recién formada Magic Band en 1965, de la que rápidamente se hizo líder. Sus primeras referencias musicales giran en torno al blues y al rock, pero poco a poco, renombrados como Captain Beefheart & His Magic Band, adoptan una aproximación más experimental. En 1969 aparece su disco más conocido y a la vez más aclamado por la crítica, Trout Mask Replica, producido por Frank Zappa y que es actualmente reconocido como una obra maestra rupturista e influyente en el devenir de la música rock contemporánea[1] Van Vliet publicó varios álbumes más a lo largo de la década de 1970, pero su grupo sufrió varios cambios de formación y tuvo poco reconocimiento comercial. Hacia el final de la década van Vliet se establece con un nuevo grupo de jóvenes músicos, publicando sus tres últimos discos entre 1978 y 1982, los cuales recibieron una valoración muy positiva casi unánime por parte de la crítica musical. El legado de Van Vliet es de un pobre saldo comercial, a pesar de que cuenta con devotos seguidores. Sin embargo, su influencia en la posterior música punk y new wave y otros géneros ha sido descrita como "incalculable"

Video
Captain Beefheart - This Is The Day


Este es un audio con una calidad aceptable de la actuación de Captain Beefheart el dia 3 de Mayo de 1974 en el Performance Center, Cambrige, Ma. USA

01. tuning & intro 1:30
02. Mirror Man 6:30
03. Upon The My-O-My 3:53
04. Crazy Little Thing 4:44
05. Full Moon Hot Sun 5:22
06. Sugar Bowl 2:20
07. This Is The Day 4:58
08. Keep On Rubbin' 7:23
09. Sweet Georgia Brown 4:09
10. Sweet Georgia Brown reprise 2:01
11. Abba Zabba 3:29
12. Peaches 8:20
13. Who'll Be The Next One 7:06

Captain Beefheart - vocals, harmonica
Fuzzy Fuscaldo - guitar
Ty Grimes - drums
Del Simmons - clarinet, saxophone, oboe, flute
Dean Smith - guitar
Michael "Bucky" Smotherman - keyboards, vocals
Paul Uhrig - bass

Oir el concierto.