La música es sinónimo de libertad y el alimento del amor, por eso no podria entender la vida sin ella, seria un error. Llopdelblues
En este Blog voy a intentar que sea un sitio donde compartir, entretener y dar a conocer esa música que tanto amamos.
Hay una leyenda urbana que dice que el origen del concepto Sgt. Pepper surgió en un avión cuando Mal Evans le preguntó a Paul sobre el significado de las letras S y P marcadas en los frasquitos de las bandejas de comida. "Sal y Pimienta" fue la respuesta.
Así nació este magnifico disco que ha cumplido hace poco sus 45 años, fue un 26 de mayo de 1967, tras un período de grabación de casi 130 días, los Beatles publicaban el que se convertiría en su disco más aclamado: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Nada más salir a la venta, supuso un éxito absoluto en todos los sentidos, tanto en ventas (llegó a ser disco de diamante) como en las valoraciones de la crítica (por ejemplo, está en la primera posición dentro de los 500 mejores álbumes de la revista Rolling Stones).
Su innovación musical, su complejidad y su enorme repercusión en otros grupos hacen de él uno de los discos más influyentes de toda su historia (con canciones tan famosas como "A Day in the Life" o "Lucy in the Sky with Diamonds"). Y es que pocos álbumes han marcado tanto la historia de la música como éste. Musicalmente, poco podemos decir que no se sepa de él, basta con escucharlo para comprender su trascendencia. Pero, como casi todos los trabajos de la etapa más madura de Los Beatles, el Sgt. Pepper's es un disco que no debe ser tomado a la ligera, ni musical ni conceptualmente y se merece a mi entender los mejores elogios.
Por algo se dice que el Sgt. Pepper es el mejor disco de los Beatles... ¿ opináis los mismo ?
El pasado dia 16 de junio se cumplieron los 45 años del inicio del Festival de Monterey, cientos de miles de jóvenes con mensajes de paz y amor, sorprendieron al mundo con tres días de puro rock & roll en una época exaltada por la guerra de Vietnam, los conflictos raciales, los derechos civiles y la psicodelia, fue el inicio del llamado Verano del Amor. Y desde lo musical el Monterey Pop Festival fue revolucionario, fue allí donde tuvo lugar una de las ceremonias más icónicas de la historia del rock & roll: Jimi Hendrix, al terminar su actuación, se puso de rodillas y prendió fuego a su guitarra. Fue su impactante respuesta a la violencia destructiva desatada encima del escenario de Pete Townshend con sus compañeros de TheWho. Quería demostrar que él tenía más imaginación a la hora de dar el finiquito a su instrumento. Como posteriormente reconocería el autor de «Tommy», el músico mestizo les ganó por goleada en cuanto a espectacularidad.
Pero tanto uno como otro dieron, con sus actuaciones, un paso de gigante en sus respectivas carreras. Algo que también ocurrió con Janis Joplin, que, a pesar de tener en ese momento poca experiencia en directo, dejó a los asistentes boquiabiertos con su vendaval de blues-rock, y se destapó como la gran triunfadora del fin de semana. Pero no solo por esto es importante el Monterey International Pop Music Festival, celebrado entre el 16 y el 18 de junio, hace exactamente 45 años.
Además, fue el precursor de los festivales de rock al aire libre con enormes audiencias, como el de Woodstock, celebrado dos años más tarde. O como el FIB de este verano, sin ir más lejos. Hasta entonces, solo se había organizado algo parecido, unos días antes y en los alrededores de San Francisco, el Fantasy Faire and Magic Mountain Music Festival, en el que estuvieron presentes, entre otros, Jefferson Airplane y The Doors
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El Monterey International Pop Music Festival (Festival Internacional de Música Pop de Monterey) se llevó a cabo del 16 de junio al 18 de junio de 1967. Más de 200.000 personas asistieron, y es a menudo considerado como el precursor de Woodstock. El LSD fue muy abundante en el evento bajo el nombre de "Purple Monterey"
Celebrado en el Monterey County Fairgrounds en Monterey, California. El festival fue planeado por John Phillips de The Mamas & the Papas, el productor Alan Pariser, y el publicista Derek Taylor. El festival incluyó, en su lista de artistas, a los miembros de The Beatles y The Beach Boys.
San Francisco fue el epicentro de la llamada "contracultura". Los jóvenes viajaron allí a vivir un estilo de vida alternativo destinado a aumentar la libertad personal, viviendo en armonía colectiva. Esta transformación de los ideales y la vida se exploró a través de psicodelia, luz, arte, música y drogas como la marihuana y el LSD. The Monterey Pop Festival se incorporó al estilo de vida de San Francisco y la contra-cultura y es generalmente considerado como uno de los inicios del "Verano del Amor" de 1967.
Los artistas tocaron de forma gratuita y la totalidad de los ingresos fue donado a la caridad, con la excepción de Ravi Shankar, a quien se le pagó $ 3000 por su larga estadía en el desempeño de presentar a los músicos. Más de 200.000 personas asistieron al festival. Reservar un lugar costaba US $ 6,50 por cada noche de presentación, mientras que la entrada al campo adyacente tenía un costo de $ 1,00. [3] El festival se considera en general (junto con el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en circulación dos semanas antes) como el vértice del "Verano del Amor."
El festival se convirtió en legendario por ser una de las primeras grandes apariciones de Jimi Hendrix (que fue reservado por la insistencia de los miembros de los consejos de Paul McCartney) y The Who. También fue la primera gran actuación pública de Janis Joplin, quien apareció como un miembro de Big Brother and The Holding Company, y Otis Redding, con el respaldo de Booker T. & The MG's. Redding moriría sólo unos meses más tarde.
Hendrix, inspirado por Pete Townshend rompió su guitarra y terminó su presentación en Monterey rendido de rodillas frente a ella, vertiendo líquido de encendedor y prendiendole fuego.
Muchos ejecutivos de empresas de registro estuvieron presentes (el pago de $ 150 cada uno de sus asientos en una zona especial justo debajo de la etapa), y varios de los artistas consiguieron contratos de grabación a partir de su de su actuación en el festival. Columbia Records contrató a Big Brother y The Holding Company, mientras que Jerry Wexler aprovechó el festival para promover la carrera de Otis Redding.
Varios artistas se destacaron por su no comparecencia. Varias razones se dieron para la cancelación del grupo The Beach Boys': como una admisión de que no pueden competir junto a hipper actos, una fisura entre Brian Wilson y el resto de la banda sobre su fracaso para completar Smile, el seguimiento de Pet Sounds, Carl Wilson o los problemas con el proyecto de bordo. Al músico Donovan le fue negado un visado para entrar en los Estados Unidos a causa de una redada antidroga en 1966. Captain Beefheart y The Magic Band fueron también invitados a presentarse pero, según las notas del CD reedición de su álbum "Safe As Milk", la banda al parecer rehusó la oferta debido a la insistencia del guitarrista Ry Cooder, quien consideró que el grupo no estaba preparado. Aunque los Rolling Stones no tocaron, su fundador y guitarrista Brian Jones apareció en el escenario para presentar a Hendrix. Jones era conocido como "rey de la fiesta". De acuerdo con Eric Clapton, Cream (la banda) no se presentó debido a que el manager de la banda quería algo más impactante para su debut en Estados Unidos. Dionne Warwick y The Impressions fueron anunciados en algunos de los primeros carteles para el evento, pero Warwick se retiró debido a un problema de alojamiento del fin de semana: había reservado alojamiento en el Hotel Fairmont y se pensó que si se cancelaba esa actuación, afectaría de manera negativa a su carrera. The Kinks fueron invitados, pero no pudieron obtener un visado de trabajo para entrar en los EE.UU. debido a una disputa con la Federación Americana de Músicos.
Eric Burdon y The Animals cantaron así mismo una canción sobre el festival titulado "Monterey", que incluía un párrafo de una canción los Byrds, "Renaissance Fair", "I Think thay maybe I´m dreamin" ( "Creo que tal vez estoy soñando"). En la canción, Burdon menciona a los siguientes artistas que actuaron en Monterey: The Byrds, Jefferson Airplane, Ravi Shankar, Jimi Hendrix, The Who, Hugh Masekela, The Grateful Dead, y The Rolling Stones, así como al miembro de estos últimos, Brian Jones ( "His Majesty Prince Jones smiled as he moved among the crowd", "Su Majestad el Príncipe Jones sonreía mientras se movía entre la multitud"). Jones no realizó ninguna actuación. Los instrumentos utilizados en la canción imitaban los estilos de los músicos mencionados.
También actuaron otros artistas, entre ellos el cantante de blues Lou Rawls, la cantautora Laura Nyro y el sudafricano trompetista de jazz Hugh Masekela. Muchos grupos de rock hicieron apariciones, entre ellas The Association, Buffalo Springfield, Country Joe and The Fish, Moby Grape, y Quicksilver Messenger Service. Las bandas de Blues-rock estaban bien representadas, entre ellos Canned Heat, The Paul Butterfield Blues Band, The Steve Miller Band, y The Blues Project. El grupo The Mamas & the Papas tocaron en el acto de clausura del festival, además de presentar las actuaciones de varios artistas. Su miembro John Phillips también quien ayudó a organizar el evento.
Jimi Hendrix . El festival de Monterey se convirtió en leyenda también porque fue una de las primeras grandes apariciones de Jimi Hendrix en Estados Unidos (fue incluido en el cartel por la insistencia de los miembros de los consejos de Paul McCartney) Aunque apenas era conocido en Estados Unidos, pese a haber tocado en varios grupos en los años 60, en apenas treinta minutos puso al público en pie. Hendrix utilizó todas sus armas para ello, tocando acordes con los dientes, con la guitarra sobre su espalda, y al final de la actuación ofreció su guitarra en ritual, la prendió fuego en pleno escenario, la rompió y arrojó sus restos a la multitud. Era la primera vez que en Estados Unidos se veía un espectáculo así. Fue uno de esos momentos que cambiarían el mundo del rock para siempre.
The Who Aunque se trataba de una gran grupo proveniente del Reino Unido, querian ser ellos quienes cerraran con broche de oro; Monterrey fue el concierto que propulsó a The Who hacia el público estadounidense. The Who y Jimi Hendrix eran los dos últimos artistas de la grilla y por lo tanto se disputaban quién sería el último en salir, así que todo se decidio a la suerte echando una moneda al aire, donde ganó The Who. Estuvieron en desacuerdo en un principio, pero fue lo mejor así ellos podrian desempeñarse como ellos quisieran y Hendrix tendría que buscar otra forma de cerrar y no con la misma destruccion de instrumentos. The Who tocó como nunca y dejó atónitos a todos los presentes acostumbrados a muy poca agresividad.
Ravi Shankar Ravi Shankar fue otro artista que se presentó en Estados Unidos en el festival de Monterey. Su actuación "Dhun (Dadra and Fast Teental)", de cuatro horas en el Festival, quedó marcada en las mentes de una nueva generación de fans de la música.
Janis Joplin Monterey Pop fue también una de las primeras grandes actuaciones públicas de Janis Joplin y su grupo Big Brother and The Holding Company. Janis Joplin hizo una provocativa versión de la canción Ball ´n´ Chain. "Me convertí en un partidario del feminismo viendo a Janis Joplin en el Festival de Monterrey", dice John McCleary, autor de El Diccionario Hippie. "Mucha gente tiene experiencias similares mirando modelos de mujeres con ese tipo de poder, sin miedo de expresarse sexualmente al mismo tiempo que exigen sus derechos."
Otis Redding Monterey fue la primera vez en que el cantante de soul Otis Redding se presentó ante una audiencia predominantemente blanca en su país natal. Su electrizante actuación fue destacada en la película y desde entonces se ha convertido en legendaria. La actuación de Redding incluyó la versión de Respect (que se convirtió en éxito internacional cuando fue interpretado por Aretha Franklin). A pesar de que el festival hizo que se fijara la atención sobre Otis, sería una de sus últimas grandes actuaciones. Murió seis meses más tarde en un accidente de aviación, a la edad de 26 años. Sin embargo, Redding se convirtió en el primer artista que anotó un póstumo número uno con su hit (Sittin 'On) The dock of the bay
Monterey fue el primer festival de Rock multitudinario promovido masivamente a nivel mundial (el primer festival de rock fue la Feria Fantasy & Magic Mountain Music Festival en la cumbre del monte Tamalpais en el condado Marin de junio 2-3) y se convirtió en el modelo para las futuros festivales, sobre todo Woodstock -- Aunque a diferencia de Woodstock, fue un acontecimiento sin ánimo de lucro, y Monterey las diversas filmaciones y grabaciones sonoras sigue para obtener ingresos sin fines de lucro Fundación Festival de Monterey.
El festival fue objeto de una aclamada película documental titulada Monterey Pop de DA Pennebaker. Se ha publicado el DVD de la Colección de Criterio. Además, muchos álbumes han sido puestos en libertad de espectáculos de la fiesta. Lo más notable son los conjuntos con la de Otis Redding y Jimi Hendrix, The Grateful Dead, Jefferson Airplane, y Ravi Shankar. En 1997, cuatro CD box set fue puesto en libertad con la actuación de la mayoría de los artistas.
A pesar de Monterrey fue el primer gran festival de música característica predominantemente a la música rock, la idea de los grandes festivales al aire libre se celebró durante varios días consecutivos no era nueva. En América, los famosos tres días de Festival de Jazz de Newport se había iniciado en la década de 1950 y ha proporcionado algunos momentos inmortales, entre ellos legendarias actuaciones de Duke Ellington, Louis Armstrong, Thelonious Monk y Muddy Waters. Su hermana caso, el Newport Folk Festival, es un accesorio anual para el movimiento popular durante los primeros años sesenta, hasta que fue poleaxed de Bob Dylan cuenca del rendimiento eléctrico en 1965. Tras el modelo de Newport, también hubo ordinario de folk y festivales de jazz en la costa occidental, celebrada en Monterrey en California.
Pero estos acontecimientos tuvieron relativamente pequeñas audiencias y fueron también limitada por la naturaleza de la música que presentó y por la forma en que se difundió al público en general. El aspecto más significativo del Monterey Pop Festival que se creó un nuevo esquema para los grandes festivales de música al aire libre.
El escritor de Música Rusty DeSoto sostiene que la música pop la historia tiende a minimizar la importancia de Monterrey en favor de la "más grande, más alto perfil, más decadente" Festival de Woodstock, celebrado dos años más tarde. Pero, como él señala: "... Monterey Pop fue un acontecimiento: fue el primer verdadero festival de rock celebrado nunca, con debut de actuaciones de bandas que conformarían la historia del rock y que afectan a la cultura popular desde ese día. La County Fairgrounds en Monterey, California. .. Ha sido el hogar de folk, jazz y blues festivales durante muchos años. Pero el fin de semana del 16 de junio - 18, 1967 era la primera vez que se utilizó para mostrar la música rock. " Monterrey fue un gran acontecimiento, incluso por los estándares de hoy - asistencia diaria llegaron a un máximo de 50000 y más de 200000 personas en total asistieron a lo largo de los tres días - todavía no hubo víctimas, ni heridos, no de sobredosis, no violencia y no detenciones. The Monterey Adjunto Jefe de la Policía fue citado diciendo "Hemos tenido más problemas en el PTA convenios".
El festival fue un triunfo de la organización y la cooperación, el establecimiento de una norma posterior que son pocos los festivales han acompañado siempre, y es doblemente notable habida cuenta de que nada es bastante, como nunca se había montado antes.
Lou Adler: "Yo estado en el negocio de la música desde 1957, y había trabajado todo tipo de sala en calidad de directivo. Yo estaba demasiado familiarizado con la forma en actos fueron tratados - los vestuarios son inodoros, no había un restaurante abierto por el momento el espectáculo ha terminado, los alojamientos fueron, 'Oh, lo siento, el chico se olvidó de hacerlos', y todo el resto. "Así que nuestra idea de Monterrey es proporcionar la mejor de todo - equipos de sonido, dormir y comer los alojamientos, medios de transporte - los servicios que nunca se había previsto para el artista antes de Monterrey ... "... Hemos establecido un campamento, señaló en una construcción de la tripulación, se estableció un centro de comunicaciones, y se les asignará un equipo armado con walkie-talkies para recabar todo el recinto ferial. "La tripulación de transporte hemos organizado incluye no sólo los coches y los conductores de todos los actos, pero scooters, motos, bicicletas, cualquier otra cosa que se tardó en moverse. Tuvimos limpieza de las tripulaciones, las artes y un comité para supervisar las cabinas y pantallas. "Hemos creado un sitio en la clínica de primeros auxilios, porque sabíamos que habría una necesidad de supervisión médica y que se encuentran problemas relacionados con las drogas. No queríamos personas que se hacían en problemas y necesitaba atención médica a ir sin tratar. tampoco queremos que sus problemas a la ruina o que de cualquier forma perturbar a otras personas o interrumpir la música. "Si alguien tiene problemas en que fueron tomadas de atención tan pronto como sea posible Dr. Bowersocks de Monterrey estuvo a cargo de la in-situ centro de tratamiento médico. En una entrevista, dijo el voluntario de primeros auxilios equipo hubo años antes de lo su tiempo, citando el uno-a-una relación de comunicación y técnicas empleadas para enfriar a cabo concierto de asistentes que fueron freaking a cabo debido a las sustancias que ingiere. "Hemos creado nuestra propia seguridad, bajo la supervisión de David Wheeler. Con Wheeler como enlace, nuestra seguridad colaboró con la policía de Monterrey. El local de las autoridades policiales nunca espera que al igual que las personas que vinieron en contacto con todo lo que hizo. Nunca espera que el espíritu de "Música, amor y flores' para tomar el relevo hasta el punto en que había se dejan festooned con flores". Casi cada aspecto de The Monterey International Pop Festival fue una "primera". A pesar de que la audiencia era predominantemente de color blanco, Monterey del proyecto de ley fue verdaderamente multi-cultural y cruzó todas las fronteras musicales, mezclando folk, blues, jazz, soul, R & B, rock, psicodelia, pop y géneros clásicos, con un line-up que poner establecido como estrellas El Mamas y los Papas, Simon & Garfunkel y The Byrds junto a nuevos actos pionera del Reino Unido, los EE.UU., Sudáfrica y la India.
El festival inició la carrera de muchos de los que desempeñan allí, haciendo algunas de ellas prácticamente estrellas en la noche a la mañana. Algunos de estos artistas intérpretes o ejecutantes incluyen The Who y Jimi Hendrix (ambos ya sensaciones en el Reino Unido y Europa, pero prácticamente desconocido en los EE.UU.), Janis Joplin, Laura Nyro, Canned Heat, Otis Redding, Steve Miller sitar indio y maestro Ravi Shankar. En el festival, Jimi Hendrix ofreció un rendimiento impredecible de "Wild Thing". Al terminar su acto, Hendrix golpean su guitarra en el escenario, doused en líquido de encendedor, y ponerlo a fuego. Esto produce sonidos imprevistos y estas acciones contribuyeron a su creciente popularidad en los EE.UU. Janis Joplin del éxito también puede ser correlacionada con la imagen que creó en Monterrey. Después de la fiesta, ella se convirtió en un cada vez mayor, sensación a nivel nacional y vendido dos de oro de álbumes, baratos y emociones I Got Dem Ol 'Kozmic Blues vez más Mama .
También es muy significativo el hecho de que Monterrey era un racialmente integrado proyecto de ley que figura en blanco y negro los artistas intérpretes o ejecutantes, uno al lado del otro. Entre los muchos estrenos, Monterrey fue la primera vez que el alma estrellas realizó Otis Redding en frente de un gran y predominantemente blanca de audiencia en su país de origen. Su apariencia es fundamental para romper a la audiencia general pop. Sin embargo, hubo algunos problemas raciales, en particular entre el músico Jimi Hendrix y la banda The Who. Antes de la fiesta, los artistas habían alegado sobre la orden de ejecución. Incluso después de la fiesta, todavía hay tensión. En el aeropuerto, Pete Townshend (guitarrista de The Who) intentaron hablar con Hendrix y dijo: "Escucha, no duro sentimientos. Me encantaría conseguir un poco de guitarra que le rompieron. "Rock crítico Charles Shaar Murray informes que Hendrix respondió," Oh yeah? Yo autógrafos por ti, honkie.
Monterrey fue también el primer gran evento para mezclar los actos de los principales centros de música regional en los EE.UU. - San Francisco, Los Angeles, Chicago, Memphis y Nueva York - y es la primera vez muchas de estas bandas se habían reunido cada otros en persona. Se trata de un importante lugar de encuentro para las bandas de el Área de la Bahía y Luisiana, que ha tendido a considerar unos a otros con un grado de sospecha - Frank Zappa por un hecho ningún secreto de su baja respecto de algunas de las' bandas Frisco -- y hasta que punto las dos escenas se habían desarrollado por separado y bastante distintos a lo largo de las líneas. Paul Kantner, de la Jefferson Airplane, dijo: "La idea de que San Francisco se estaba anunciando un poco de libertad de la opresión."
El festival del único gran "no-show" fue la cancelación de última hora por The Beach Boys, que fueron también participa estrechamente en la organización del festival. Aunque ahora es un asunto de especulación, se puede argumentar que una apariencia en Monterrey, el desempeño de su repertorio más reciente como "Good Vibrations", habría sido un crucial paso adelante en su transición de surf-pop pinups graves banda de rock.
Monterrey también marcó un importante cambio de guardia en la música británica. The Who y Eric Burdon & The New Animals representó al Reino Unido, con The Beatles y The Rolling Stones brillan por su ausencia. The Beatles había por entonces se retiró de las giras (su gira estadounidense de 1966, habiendo sido empañado por una reacción en contra de John Lennon's informó de los comentarios sobre la banda la popularidad relativa a Jesucristo) y los Stones no pudieron recorrer América debido al reciente abuso de drogas en los ensayos de Mick Jagger y Keith Richards. Paul McCartney fue en el Festival de pensión (insistió en que Jimi Hendrix añadido al proyecto de ley) y abundaron los rumores que "El Fabs" estaban allí en disfraz, una esperanza sin duda alimentada por la visión de Brian Jones, quien hizo participar en la reunión. Jones apareció en el suyo propio, wafting a través de la multitud, resplandeciente en su totalidad psicodélico regalía, y que aparecen en el escenario brevemente para introducir Jimi Hendrix. Tal como resultó, se trataba de dos años más antes de una gira por las piedras de nuevo, momento en que Jones fue muerto; Los Beatles nunca recorrió de nuevo. Mientras tanto, The Who leaped en la violación y se convirtió en la parte superior del Reino Unido de gira acto de la época.
Un aspecto sumamente importante es que rara vez se reconoce que Monterrey fue también la primera verdadera rock concierto benéfico - todos los artistas que desempeñan libre (excepto Shankar), y treinta años en el Monterrey películas, fotos, grabaciones y otros materiales aún generar ingresos para el sin fines de lucro MIPF Fundación.
En términos de las direcciones más tarde en el rock, hay otros dos aspectos muy importantes del festival. Otra de sus grandes "primicias" fue el festival el innovador sistema de sonido, diseñado y construido por el ingeniero de audio Abe Jacob, quien comenzó su carrera haciendo sonido en vivo de bandas de San Francisco, y pasó a convertirse en un destacado diseñador de sonido para el teatro de América, entre sus muchos logros fueron los innovadores sistemas de sonido de la original Nueva York producciones escénicas de Cabello y Jesucristo Superstar.
Aunque la información técnica es limitada, Jacob's innovador sistema de sonido de Monterrey fue el progenitor de todos los grandes del PA que le siguió. Se trata de un factor clave en el éxito del festival y es muy apreciado por los artistas - en la película de Monterrey, David Crosby puede ser visto claramente diciendo "Gran sistema de sonido!" a banda de Chris Hillman mate al comienzo de El Byrds ». Nada mejor que se había intentado antes, como organizador festival Lou Adler recordó: "... hemos empezado de cero. Cuando nos mudamos de Monterey en el recinto ferial diez días antes del festival, nada estaba allí, ni siquiera un buen escenario para albergar la especie de amplificación que venía in Tuvimos que construir los sistemas de altavoces derecho en el sitio. "
Otra faceta interesante del Festival es el hecho de que la música electrónica pioneros Paul Beaver y Bernie Krause creación de un stand en Monterrey para demostrar el nuevo sintetizador de música electrónica desarrollado por Robert Moog. Beaver y Krause había comprado uno de los primeros Moog sintetizadores en 1966 pero que habían pasado una infructuosa año tratando de llegar a Hollywood, alguien interesado en usarlo. Ellos decidieron establecer un stand en el Monterey Pop Festival en 1967, ya través de su exposición, que ganó el interés de los actos incluidos The Doors, The Byrds, The Rolling Stones, Simon & Garfunkel y otros. Esta construido rápidamente en un flujo constante de las empresas y el excéntrico Beaver pronto fue uno de los hombres en el período de sesiones de juego en Luisiana Martin Denny's Exotic Moog álbum y la banda sonora de "Rosemary's Baby", y él y Krause obtuvo un contrato con Warner Brothers.
A pesar de que el Monterey Pop Festival fue el escenario de numerosos pop "primicias", quizás el más importante hecho al respecto es la de los organizadores con visión de futuro decisión de película y grabar todo el festival. Se contrató a Wally Heider móvil del estudio para grabar todas las actuaciones en ocho vías cinta, y que señaló el cineasta DA Pennebaker para la película. Se trata de un conjunto enormemente afortunado. Heider móvil del estudio les dio acceso a los mejores equipos de grabación remota entonces disponibles, gracias a que muchos discos por valor de los materiales ya han sido puestos en libertad. En Pennebaker (que recientemente ha hecho el legendario documental de Dylan No mirar hacia atrás) tenían quizás la mejor película documental-fabricante de su tiempo, alguien que tiene un verdadero interés y la comprensión de la música popular, así como el acceso a las nuevas - desarrollado portátiles 16mm color cámaras equipadas para grabar sonido sincronizado. Por lo tanto la captura de los muchos momentos mágicos para la posteridad, el Monterey Pop Festival de los organizadores garantiza su inmortalidad.
Actuaciones
Viernes, 16 de junio The Association The Paupers Lou Rawls Beverly Johnny Rivers The Animals Simon and Garfunkel
Sábado, 17 de junio Canned Heat Big Brother and the Holding Company Country Joe and the Fish Al Kooper The Butterfield Blues Band The Electric Flag Quicksilver Messenger Service Steve Miller Band Moby Grape Hugh Masekela The Byrds Laura Nyro Jefferson Airplane Booker T. & the M.G.s Otis Redding
Domingo,18 de junio Ravi Shankar The Blues Project Big Brother and the Holding Company The Group With No Name Buffalo Springfield Scott McKenzie The Who The Jimi Hendrix Experience Grateful Dead The Mamas & the Papas Fuente Wikipedia
Buffalo Springfield, The Byrds, The Animals
Jefferson Airplane
Janis Joplin, Otis Redding, The Who, Grateful Dead
Siguiendo un poco con la nostalgia del festival de Woodstock os dejo este maravilloso vídeo que he encontrado en la red elaborado por "comunidadbluesyrocky", un vídeo con una realización de fotovideo en blanco y negro y los subtitulos del tema "With a Little Help from My Friends" que interpreto el gran Joe Cocker en este festival
With a Little Help from My Friends" (título original: A Little Help from My Friends; en español Con una pequeña ayuda de mis amigos) es una canción escrita por John Lennon y Paul McCartney. Forma parte del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de 1967. Fue cantada por el baterista de The Beatles, Ringo Starr.
Lennon y McCartney insistieron en que Ringo cantara la canción, incluyendo la alta nota del final. John y Paul la terminaron de escribir a mediados de marzo.
La canción aparentemente es una conversación entre el cantante y un grupo de gente. Por ejemplo, en el fragmento "Would you believe in a love at first sight/Yes I'm certain that it happens all the time", los otros tres Beatles cantan la primera línea, y Starr contesta en la siguiente.
La banda acabó de grabar la canción el día en el que posaron para la cubierta del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".
Un título preliminar para la canción fue "Bad finger Boogie", esto debido a que Lennon la compuso al piano tocando sin el dedo índice, que se había lastimado. Posteriormente la banda antes conocida como The Iveys, tomó este nombre como inspiración, Badfinger, con el que alcanzó fama internacional.
La canción fue tres veces número uno en los registros musicales británicos para sencillos y se situó en el puesto número 304 en la lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos", publicada por la revista Rolling Stone.
La versión de Joe Cocker fue una reestructuración radical de la original, en un más lento compás de 6/8, en un tono diferente, con diferentes acordes en el ocho del medio, y una larga introducción instrumental (con batería de B.J. Wilson, del grupo Procol Harum, y líneas de guitarra de Jimmy Page). Se utilizó como tema musical de apertura para la serie de televisión americana Aquellos maravillosos años y es una de las canciones más famosas de Joe Cocker. Cocker puede ser visto cantando la canción en el festival de Woodstock de 1969 y se puede ver en el documental relacionado, "3 Days of Peace and Music".
La vitalidad de su voz y su conmovedora puesta en escena hacen que Joe Cocker sea considerada la voz mas negra de los cantantes blancos y una referencia obligatoria del rock de los años 70.
El festival de Woodstock ha sido sin duda uno de los eventos culturales, sociales y hasta políticos más importantes del siglo XX ya que representó a toda una generación con sus nuevos valores y nuevos modos de entender el mundo. El festival de Woodstock se realizó en el año 1969 en la ciudad de White Lake, en el estado de Nueva York, Estados Unidos. Este festival duró tres días en el mes de agosto (15, 16 y 17) y presentó a algunos de los más importantes representantes de la música popular y juvenil de la época. Sin embargo, Woodstock no fue simplemente un festival musical sino que trascendió todas las fronteras, volviéndose el recital más multitudinario e influyente del siglo.
Los responsables de Woodstock fueron Michael Lang, John Roberts y Joel Rosenman, entre otros. Estos productores buscaron organizar un festival que incluyera a los músicos más influyentes de la época y que, además de ser una verdadera fiesta musical, se estableciera como una clara expresión de protesta en contra del belicismo y las guerras de la época. Tal es así que el lema del festival sería “3 días de paz y música”. Se estima que alrededor de 300 mil personas asistieron voluntariamente a los diferentes recitales que se sucedieron día tras día. El ambiente era sin dudas uno de paz, de felicidad, de compañerismo y de amor entre todos los asistentes.
Woodstock se establecería como uno de los más claros representantes de la juventud hippie que empezaba a ser cada vez más importante. En este sentido, Woodstock también encarnó los valores de que todo podía solucionarse si los seres humanos recurrían a la paz y al amor. Sin embargo, es inevitable que tal cantidad de gente se volviera en algún punto incontrolable y es por eso que la libertad sexual y de consumo de drogas también caracterizaron a este festival.
Entre los artistas más importantes que asistieron a este festival debemos mencionar a Ravi Shankar, Joan Baez, Santana, Creedence Clearwater Revival, Janis Joplin, The Who, Joe Cocker, Crosby, Stills Nash & Young y Jimi Hendrix. Muchos de ellos ganaron renombre internacional a partir de este momento. Muchas otras personalidades como The Beatles, The Doors, Led Zeppelin, Bob Dylan y Joni Mitchell fueron invitadas a participar pero declinaron la invitación debido a diferentes razones.
Sin lugar a dudas en Woodstock hubo dos escenarios uno fueron los artistas y el otro la gente que asistio a el, os dejo esteenlacedonde podreis ver una colección de 80 fotografias de gran calidad de la revista Life que supo reflejar todo aquel movimiento a facor de la paz y el amor.
"My Friend Jack", es un tema que ya he oído un millón de veces pero he de deciros que este es uno de esos temas que sorprende cuando lo escuchas por primera vez, recuerdo ese momento como algo mágico y de eso ya hace unos cuantos años, la introducción al tema que nos ofrece Mal Luker es realmente sorprendente con el sonido de una guitarra distorsionada, para pasar a la melódica voz de Mick Rowley, creando durante todo el tema un curioso contraste entre guitarra y voz.
The Smoke fue una banda inglesa de pop proveniente de York. Estaba conformada por Mick Rowley, Mal Luker, John "zeke" Lund y Geoff Gill.
En 1967 este estupendo grupo británico que cosechó más éxitos en el resto de Europa que en su propio país donde fueron ignorados publicaron su único LP en Alemania.
El disco comienza, como no, con su gran éxito, "My Friend Jack". Este tema fue censurado en su país por una supuesta referencia al consumo de LSD, debido a un verso que dice : "My friend Jack eats sugar lumps" (Mi amigo Jack come azucarillos). Sin embargo, en Alemania se convirtió en un gran éxito situándose durante 16 semanas en el 2º puesto de las listas germanas llegando solo a un modesto numero 45 en U.K.
Con una clara influencia psicodelica, The Smoke es considerada actualmente, como una de las bandas mas importantes de la historia.
Aquí os dejo con el la historia de mi amigo Jack
My friend jack eats sugar lumps My friend jack eats sugar lumps Sugarman hasn’t got a care He’s been traveling everywhere
Been on a voyage across the ocean Heard the sweet sounds of wheels in motion He’s seen the hawk fly high to hail the setting sun
My friend jack eats sugar lumps My friend jack eats sugar lumps Sugarman hasn’t got a care He’s been traveling everywhere
He’s seen the people in the city And the bright lights, they’re awful pretty He’s followed dusty tracks into eternity
Eatin’ sugar made in Cuba Tried to grow it in Japan On the west coast he’s real famous Kids all call him sugarman
My friend jack eats sugar lumps My friend jack eats sugar lumps Sugarman hasn’t got a care He’s been traveling everywhere
Been on a voyage across the ocean Heard the sweet sounds of wheels in motion He’s seen the hawk fly high to hail the setting sun
My friend jack eats sugar lumps My friend jack eats sugar lumps Sugarman hasn’t got a care He’s been traveling everywhere
Para mi "Troubadour" y "Shades" son sus mejores obras, en este disco JJ Cale realizaza un ambicioso trabajo lleno de piezas calmadas con impecable estilo soft-rock y con unas gotas de blues y folk que le dan ese toque tan personal y es que JJ Cale se convierte en un trovador del mundo y nos deleita con un disco rico en heterogeneidad de recursos instrumentales bien presentados en doce magnificas canciones llenas de color y calidez sonora. A destacar "Travelin' Light" y como no su clasico "Cocaine", más conocida en la voz de Clapton. Seguro que todos conocemos este riff, y su letra engañosa que puede pasar como apología del consumo, cuando en realidad es todo lo contrario ("Si quieres terminar acabado, bien abajo en el piso, cocaína"). El tema pasó de ser un lado B del simple de "Lay Down Sally" a ser una parada obligatoria en todos los shows de Clapton hasta hoy. En fin un gran disco de obligada audición, seguro que os encanta.
J.J. Cale (nacido el 5 de diciembre de 1938) es un músico y compositor estadounidense nacido en Tulsa, Oklahoma en 1938. Su verdadero nombre es John W. Cale, aunque muchas fuentes dan incorrectamente el nombre de Jean Jacques Cale. Es conocido por escribir dos canciones que llevaron a Eric Clapton a la fama, "After Midnight" y "Cocaine", así como los éxitos de Lynyrd Skynyrd "Call Me The Breeze" y "I Got the Same Old Blues".
Cale es uno de los pioneros del "Tulsa Sound", mezcla de blues, rockabilly, country y jazz. El estilo personal de Cale ha sido definido como "relajado", y se caracteriza por ritmos shuffle, cambios de acordes sencillos, voces dobladas y letras incisivas e inteligentes. Cale también es un guitarrista muy particular, caracterizado por su forma de puntear y sus solos moderados y ligeros. Sus grabaciones reflejan la sencillez y la falta de artificios de sus composiciones, que son normalmente grabadas enteramente por Cale, ayudándose de una caja de ritmos para el acompañamiento.
Muchos artistas, como por ejemplo Eric Clapton, Mark Knopfler, Neil Young o Bryan Ferry, han sido influenciados por la música de Cale; muchos otros han incluido versiones de Cale en sus álbumes, siendo las canciones más utilizadas "Cocaine", "After Midnight", "Call Me the Breeze", "Travelling Light" y "Sensitive Kind", versionada por Carlos Santana.
Cale también es conocido por su rechazo y aversión al estrellato, a las giras largas, y a las grabaciones periódicas. Ha sido un artista de culto para los músicos, y relativamente desconocido para el público durante los últimos 35 años.
El lanzamiento de su álbum "To Tulsa and Back" en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en el 2006 y el estreno del documental "To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale", han acercado su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el "Mejor Álbum Contemporáneo de Blues" en la 50 Edición de los Premios Grammy en 2008
JJ Cale se inspiro en su guitarra Harmony para la tapa de su disco "Troubadour", esta guitarra, nació como una Harmony H162 de 50 dolares, y fue "un poco" modificada
Tanto es asi que el Database de las guitarras Harmony creo una seccion dedicada a los luthieres kamikase, haciendole honor a Cale por su... llamemosle creacion.
"Mi guitarra favorita es esta vieja Harmony de 50 dolares, ahora sin tapa trasera para facilitar el acceso a la electrónica ha comentado JJ Cale en alguna entrevista.
Originalmente se trataba de una guitarra acustica con agujero de boca redondo, pero he añadido cinco pickups para hacer discos y tocar en conciertos. Cuatro de las pastillas son Gibson, dos de los cuales son de baja impedancia para la grabación directa. El microfono barra de otro tipo venía de una guitarra Silvertone Sears (foto de la viola aca) , que ha sido fabricado por Dano Electro. La guitarra tiene tres salidas de alta impedancia y bajo."
Y es que con esta guitarra JJ Cale consigue Un sonido muy personal y difícil de imitar es realmente impresionate ver como esa guitarra suena como los ángeles en su manos.
